el block de dibujo

LA CIUDAD DE LOS CAMINOS

2012-01-26T02:29:00.000+01:00

Cuando escuchamos alguna noticia en la que se menciona el nombre de la ciudad de Estrasburgo, siempre es en relación con algún tema de la Comunidad Europea. Y, francamente, en los extraños tiempos que vivimos estas noticias no suelen ser muy alentadoras. Sin embargo, la ciudad del Ill (afluente del wagneriano Rin), es algo más que la capital del experimento europeo. Gracias a la sincera amistad de mi gran amigo Pedro, he podido descubrir el corazón de una convulsionada Europa ensimismada en sus vericuetos económicos.

Con menos de 300.000 habitantes, Estrasburgo es una ciudad moderna que no desvirtúa su pasado con torres faraónicas que simbolizan el poder político-monetario. Todo lo contrario, el antiguo campamento romano de Argentoratum conserva orgulloso su historia, que no es poca. La ciudad es la capital de Alsacia, si recordáis las lecciones de historia del instituto, la Alsacia ha sido, junto a Lorena, territorio de disputa entre Alemania y Francia hasta noviembre de 1944 cuando el general francés Leclerc la libera después de cuatro años de dominio nazi. Desde 1949 es sede del Consejo de Europa. Es un símbolo de la reconciliación y unidad de Europa.

La ciudad atesora innumerables rincones con mucho "sabor" como el barrio de la "petit france", pero lo que más os puedo destacar es la grandiosa catedral que, con sus más de 140 metros, domina toda la población desde 1439. Es, simplemente, impresionante y os lo dice alguien que conoce bien el mayor templo gótico de la Cristiandad: la catedral de Sevilla. Hay que ser rigurosos y, aunque Sevilla sea -de hecho- el centro del mundo para los sevillanos, al contemplar los encajes de piedra interminablemente verticales de esta catedral, uno debe reconocer que el tamaño no siempre importa.

Según Victor Hugo, esta Catedral, es un "prodigio del gigantismo y de la delicadeza". El edificio se apoya sobre los cimientos de una antigua basílica románica construida en 1015 y destruida por un incendio. Como en el famoso libro de Ken Follet. Más de trescientos años transcurrieron entre el inicio de sus fundaciones en 1176 y la terminación de su única flecha en 1439. Hasta el siglo XIX ha sido el edificio más alto de la Cristiandad, cuando lo superaron los campanarios de Ulm y Colonia. Podría hablaros del magnífico interior, de su rosetón, del pilar de los ángeles, del reloj astronómico o del púlpito, obra maestra de finales del s.XV, pero me quedo con la fachada oeste, la principal y de la impresión que me causó la interminable subida a la base de la flecha. En otras entradas prometo hablaros de la otra capital alsaciana -Colmar- de la catedral protestante de Basilea y de la católica Friburgo, ciudad donde el Holocausto está sutilmente presente dentro de un escenario idílico, lo que lo hace más aterrador si cabe.

...Y SEVILLA

2012-01-24T10:39:00.000+01:00

EL REVERSO TENEBROSO...

2011-04-22T01:52:00.000+02:00

Magnífico anuncio, sí señor...

EL ÓRGANO

2011-04-20T13:55:00.001+02:00

Estamos en 1724. Después de una larga guerra de sucesión, España comienza una nueva etapa con la instauración de una antigua dinastía: la Casa de Borbón. La Catedral de Sevilla no atraviesa su mejor momento económico cuando el Cabildo Metropolitano se embarca en la empresa más ambiciosa y costosa que, hasta la fecha, había emprendido respecto a su actividad musical: la construcción de los dos grandes órganos de coro. En la construcción del instrumento intervienen Fray Domingo de Aguirre, Diego de Orio y Francisco Ortíguez, prestigiosos constructores y organistas que se van sucediendo en la dirección de tan ambicioso proyecto. Las obras, que se prolongarían hasta 1739, finalizan con el fabuloso coste de ciento ochenta mil ducados (aproximadamente un millón seiscientos veinte mil euros de hoy). Lo que no está nada mal para un templo emprobrecido por la guerra, pero que, el Cabildo, justifica para garantizar -al menos por unos años ya que los instrumentos se sustituyen en 1779- el nivel de dignidad y solemnidad del culto acorde con el rango y categoría del templo hispalense.

Dentro de los costes se incluyen las dos magníficas cajas que guardan los instrumentos. El arzobispo D. Luis Salcedo (quien sufragó la mitad del proyecto) las quería "igual a las grandes alajas de esta Sta. Iglesia". El maestro carpintero Luis de Vilches y el escultor Pedro Duque Cornejo dan forma a los dos enormes muebles de, aproximadamente, 9 metros de ancho por 30 de alto convirtiéndose desde su finalización en una de las muchas joyas que atesora la Catedral.

Las grandes cajas han acogido a varios instrumentos, los actuales -con varias reformas- datan de 1903 después de la reconstrucción del pilar que se colapsó en la restauración de 1888 (a la izquierda de la imagen) que motivó tanto la construcción de un nuevo instrumento como la sustitución (un tanto polémica) de su hermano gemelo que no había sufrido daños, aunque sí necesitaba una "puesta a punto". Actualmente, el órgano se restauró e informatizó en 1995 y el Cabildo revisa unas tres o cuatro veces al año los grandes instrumentos invirtiendo unos 12.000 euros cada vez. Desde 1960, el encargado de su cuidado es el padre José Enrique Ayarra Jarne, gran organista e historiador del patrimonio musical hispalense. En este sentido, os recomiendo su libro sobre los órganos: "Historia de los Grandes Órganos de Coro de la Catedral de Sevilla" publicado por el Ministerio de Educación y Ciencia en 1974.

Bien, hasta aquí la historia de tan singular instrumento musical. Es impresionante estar paseando por las interminables naves de la gran Catedral y escuchar los ensayos del padre Ayarra. No recuerdo la primera vez que lo escuché. Pero si recuerdo la fotografía que aparecía en mi libro de texto de música de 1º BUP (3º ESO actualmente). La fotografía era muy parecida a la que encabeza esta entrada y me inspiró para acometer mi particular versión del instrumento catedralicio. En una de las audiciones de las clases de música (creo recordar que era "Romeo y Julieta" de Prokófiev) empecé a dibujar el órgano... Poco a poco, la "criatura" creció y creció hasta alcanzar los 16 folios que hoy posee. Aunque inconcluso desde hace muchos, muchos años, hoy lo he rescatado y fotografiado:

UN SUEÑO DE 300 METROS

2010-12-26T23:49:00.000+01:00

Entre unas cosas y otras, hacía bastante tiempo que no actualizaba el blog. Hoy, "bicheando" por aquí y por allá, he encontrado un documental muy bien hecho sobre uno de los iconos de la ciudad de la luz. Por cierto que, y hablando de sueños, no puedo dejar de acordarme de la película sobre las aspiraciones de otro ingeniero: Preston Tucker. Sirva el documental y la página donde lo encontré ( http://www.adnstream.com/ ) como humilde felicitación navideña para todos vosotros.

UN SOLO PLANO...

2010-10-25T23:57:00.000+02:00

Mi buen amigo Antonio Jesús, me ha pasado este magnífico vídeo. Realizado en el Colegio María Rosa Alonso de Canarias y, como dice el mensaje que lo acompaña: "¡y después dicen que los maestros no trabajan!"

DE LA NOBLEZA DE LA PINTURA

2010-10-14T00:39:00.001+02:00

No es la primera vez que os comento algo sobre Diego Velázquez ni sobre Las Meninas (picha aquí y aquí). Pero, es que, el gran lienzo del pintor sevillano contiene tanto, que es difícil resistirse. Cuando te enfrentas a tan singular obra hay varias cosas que te llaman la atención, lo más popular es la controversia sobre el reflejo de Felipe IV y Mariana de Austria y de si se ubican junto al espectador o, por el contrario, la imagen del espejo refleja el gran lienzo que pinta Velázquez. El cuadro, es en mi opinión, un juego, un laberinto de múltiples variables que conducen al ennoblecimiento la pintura. Velázquez afirmaba que solo pintaba para agradar al rey, ya que su cargo en la corte era el de aposentador de palacio, de ahí las llaves que porta. La pintura estaba considerada como un oficio manual, algo no muy bien visto en una corte plagada de hidalgos orgullosos por no dar "un palo al agua".

Para conseguir la categoría que merece tan noble arte, nuestro Velázquez no sólo se retrata (aunque sea de una forma indirecta) junto a los reyes sino que, además, nos ofrece claramente sus intenciones... entre la penumbra del fondo aparecen dos grandes lienzos:

Los dos cuadros, que representa Velázquez, fueron realizados por Juan Bautista del Mazo copiando a Rubens, "Palas Atenea y Aracné", y a Jordaens "Apolo y Marsyas" (o Pan). En la primera obra, Palas Atenea castiga a la imprudente tejedora tracia que se atrevió a desafiar a la diosa con una obra que exponía las infidelidades de los dioses. La obra de Aracné, aunque perfecta, no agradó lo que se dice mucho a Palas...

En la segunda, Apolo castiga al presuntuoso semidiós que pretendía igualar -con su ruido- las divinas armonías de la lira del dios.

En definitiva, el arte supremo de dar a una idea una forma concreta, ya sea una imagen o un sonido, no puede compararse con la artesanía manual, incapaz de crear.

DE ESTRENO

2010-09-19T22:20:00.000+02:00

El pasado día 15 comenzamos un nuevo curso. Para conmemorar tan señalado día, nuestra flamante Jefa de Estudios, Esperanza, posó delante del Edificio de Hostelería, ya totalmente terminado.

EL RASCACIELOS Y EL EMPERADOR

2010-09-06T00:31:00.001+02:00

Sevilla tiene, como muchas ciudades, su personalidad propia. Nadie duda de su gran belleza... ni de lo mucho que lo publicamos los sevillanos. La "personalidad" de una ciudad la conforman, sobre todo, sus ciudadanos y, cómo no, sus edificios. Hay ciudades que buscan una identidad mediante la construcción de edificios emblemáticos, como el caso de la localidad sueca de Malmö. Allí, el arquitecto español Santiago Calatrava diseñó un nuevo símbolo para la ciudad, después de la desaparición de los grandes astilleros y de su gigantesca grúa que dominaba su paisaje. El edificio en cuestión es el Turning Torso, magnífico rascacielos inaugurado en 2005. Particularmente os diré que me gusta mucho la arquitectura contemporánea y no estoy en contra ni de la modernidad ni de nada por el estilo, pero... Pero hay muchas formas de hacer arquitectura, es comprensible el caso sueco o la desaforada fiebre por la construcción del emir de Dubai, donde el previsible agotamiento de las reservas de petróleo está convirtiendo al pequeño emirato en el centro de la arquitectura mundial con inversiones destinadas, principalmente, al turismo de lujo (mejor dicho de hiper lujo). Además, ¿la modernidad de un edificio se mide por su altura?. Actualmente hay propuestas muy interesantes de grandes edificios ecológicos, respetuosos con el medio ambiente tanto en su construcción como en los recursos que emplearán y no son necesariamente rascacielos, como el famoso "Cubo de agua" de Pekín.
Sevilla tiene, desde el 19 de marzo de 1198, un edificio emblemático que es -de hecho- el símbolo universal de nuestra ciudad: la Giralda. Aparte de folclorismos y demás, esta torre es algo más que un "rascacielos del siglo XII". Sus elegantes proporciones y acertado diseño (y me quedo corto) hacen decir a más de uno que "parece estar hecha toda de una vez". No es cuestión de analizar las bondades de tan singular emblema, ya que puedo caer -sin remisión- en el más recalcitrante chovinismo. Pero, pienso, que ya se han cometido bastantes desaciertos urbanísticos en Sevilla. Para muestra, un botón (y no digo nada del Mercado de la Encarnación, que vaya tela...):

Vale que eran necesarios los puentes para la circunvalación de la ciudad, y que conste que los de la Barqueta y del Alamillo creo que son obras singulares que aportan belleza a la ciudad. Pero un gigantesco puente colgante que se queda pequeño nada más inaugurarlo y que origina un fabuloso tapón en la congestionada SE-30, o las desafortunadas "colmenas" que pueblan barrios muy cercanos al centro... Vale, también puedo comprender que no siempre se ha tenido un buen gusto estético en la construcción de los bloques de viviendas y que el suelo es caro y que hay que construir hoteles y centros comerciales (en Sevilla siempre duele el sórdido caso de la Plaza del Duque). Todo eso lo comprendo, pero también se podían haber esmerado un poquito en algunos edificios que no son tan antiguos, vamos digo yo. Y cuando digo "esmerado", no me refiero a realizar "pastiches" que recreen estilos pasados haciendo de la ciudad una suerte de parque temático de ella misma. De todas formas, la concepción de preservación del patrimonio que tenemos en Sevilla es muy curiosa. Aunque hay ordenanzas y demás legislación, no es raro ver edificios antiguos en los que se aplica un curioso sistema de "rehabilitación". El sistema bien se pudiera denominar "bombardeo", ya que las apuntaladas fachadas dejan ver el vacío solar donde se eregirá la nueva construcción, eso sí, conservando la piel de la anterior ... un espléndido y nuevo edificio sin alma.

Creo que Sevilla tiene un edificio que es mucho más que un hito constructivo. Por eso creo que no nos hace falta cambiar una torre que es la perfecta fusión de dos culturas con centenares de años de historia a sus espaldas por el emblema de la mal llamada "modernidad": la Torre Cajasol. Símbolo, en mi humilde opinión del poder de la banca, de los políticos sobre el resto mortales. No critico que se construya el edificio, ni critico el diseño del arquitecto, César Pelli, pero no lo veo acertado en una zona donde no hay problemas para construir en horizontal. Sí critico el "ego" de los que quieren cambiar radicalmente la fisonomía de la ciudad. Se puede construir un edificio que aporte lo mismo y que sea más respetuoso con su entorno. Curiosamente, pude escuchar unas declaraciones del arquitecto argentino sobre la originalidad de su proyecto, la cual no niego pero me recuerda mucho, mucho a la Torre Iberdrola de Bilbao. Lo cual me hace reflexionar y acordarme de las famosas palabras del emperador Carlos I, al ver la Catedral que se construyó en el corazón de la aljama cordobesa: "Habéis destruido lo que era único en el mundo, y habéis puesto en su lugar lo que se puede ver en todas partes". En fin, unos fotomontajes de la torre y de su gemela (la última) en Bilbao:

Más información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Puerto_Triana

http://ciudadaniacontralatorrepelli.blogspot.com/

http://www.diariodesevilla.es/galeria/detail.php?id=10350#0

http://www.torreiberdrola.es/edificio/proyecto/presentacion.php

Las imágenes de la ciudad son de http://www.skyscrapercity.com/showthread.php?p=51304441

ULTIMANDO DETALLES

2010-08-20T00:58:00.000+02:00

A falta de los últimos detalles, ya están terminadas las fachadas del edificio y, tal y como os prometí, os traigo un pequeño vídeo con las fotos que tomé esta mañana:

Como "la cosa" va de Mondrian, completamos la entrada con un documental muy curioso sobre nuestro amigo Piet:

TOMANDO FORMA...

2010-08-11T22:26:00.000+02:00

Hace algún tiempo, os comenté (aquí) el proyecto para la fachada de uno de los edificios de nuestro centro. Hoy me he pasado para ver cómo van las cosas. La primera impresión ha sido de impacto, ya que el cambio es notable. Además tanto el equipo de albañiles, capitaneados por Lucas y Jesús, y el de los pintores, bajo las atentas órdenes de Antonio y Carlos están haciendo un trabajo excepcional. Os reconozco que soy muy "puntilloso" con los detalles y terminaciones y, la verdad, se nota cuando se hacen las cosas con cariño. Todavía quedan un par de semanas de trabajo, pero ya se puede ver cómo quedará. Aunque ya os iré subiendo más fotografías (como las del vídeo) para que veáis el aspecto final, sirva ésta entrada como reconocimiento a un trabajo bien hecho. No puedo olvidarme de Urbano (el director), que ha sacrificado unas merecidas vacaciones por nuestro (hasta la fecha) más ambicioso proyecto.

EL DIARIO DE UN LIBRO DECEPCIONADO

2010-08-03T11:42:00.000+02:00

The Diary of a Disappointed Book from Studiocanoe on Vimeo.

VINAGRE Y ROSAS

2010-07-18T23:07:00.003+02:00

Ayer, Charo -la mujer que me aguanta desde hace siete años- y un servidor, pudimos disfrutar de unas tres horas de Música (con mayúsculas) del maestro Joaquín Sabina. Comenzamos la pequeña, y romántica, escapada a la tranquila ciudad de Huelva con un suculento almuerzo en el restaurante "Sierra y mar", que nos recomendó nuestra querida amiga Cinta y que os puedo asegurar que no nos defraudó. Quedamos bien satisfechos tanto con la comida, como con el servicio y con el precio, que -tal y como están las cosas- "no es cuestión baladí", que diría mi amigo Víctor. Os recomiendo tanto la visita a tan bella capital como el lugar del almuerzo.

Bien, aunque lo organizamos todo de un día para otro, no pudo salir mejor. Sobre todo el concierto, magnífico en todos los sentidos. Y es que, este señor, sabe ganarse al auditorio magistralmente y el espectáculo no tiene desperdicio, y sin grandes alardes de efectos especiales que no le hacen falta para nada.

Una curiosidad: la media de edad del público me hizo reflexionar sobre lo rápido que pasa el tiempo... y es que, aunque ya no seamos tan jóvenes eso no quiere decir que no sepamos disfrutar de lo bueno. Ojalá las nuevas generaciones aprecien como se merece al pícaro maestro de Úbeda.

Os dejo un par de maravillas del caballero Sabina...

Web oficial de la gira: http://www.giravinagreyrosas.com/

ACTUALIZACIÓN (19/07/10). Hoy me ha llamdo mi buen amigo Javi (sevillano cabal donde los haya) y, entre otras muchas cosas de las que hemos hablado, me ha comentado una "curiosa noticia" que ha publicado el "Diario de Sevilla" :"Joaquín Sabina se mofa de Sevilla en el concierto que ofreció en Huelva", la "perla" completa en éste enlace. En éstas ocasiones se pone de manifiesto lo que puede tergiversar un medio de comunicación la realidad. Ni Sabina se mofó de nadie, ni ninguno de los muchos sevillanos asistentes nos sentimos objeto de burla en ningún momento. Menos mal que no todos tenemos tampoco sentido del humor como el periodista que firma la "noticia". Y es que, cuando cortas y recortas y sacas de contexto una frase, siempre le puedes dar el sentido que tú quieras. Como diría Belmonte "hay gente pá tó".

EL CUESTIONARIO DE KANDINSKY

2010-07-10T16:42:00.000+02:00

Una de las preocupaciones del famoso profesor de la Bauhaus y pintor ruso Vasily Kandinsky (1866-1944) era el estudio del color en correspondencia con la forma. Así, trató de demostrar empíricamente su teoría sobre la corespondencia de ciertas formas geométricas básicas (círculo, triángulo y cuadrado) con los colores primarios (azul, amarillo y rojo; más concretamente, los colores primarios -aquellos que no pueden generarse gracias a la mezcla de otros colores- son el amarillo, el azul cian y el magenta). El profesor asignaba los colores a las formas de la siguiente manera:

Se basaba en multitud de factores, podéis leerlos en su libro, publicado en 1911: "De lo espiritual en el arte: contribución al análisis de los elementos pictóricos" (texto completo en éste enlace). Para demostrar sus teorías, Kandinsky, sometió en 1923 a todo el personal de la Bauhaus al siguiente cuestionario:

Coincidiendo con la exposición que celebramos el mes pasado, encontré la traducción del cuestionario y la adpaté:

Antes de pasar a los resultados de la encuesta, os diré que -aunque no conozco los resultados de la primera encuesta- Kandinsky no llegó a ningún resultado concluyente. Bien, lo presentamos de la siguiente forma:

EL CUESTIONARIO DE KANDINSKY

En 1923, el profesor Vasily Kandinsky hizo circular un cuestionario en la Bauhaus, pidiendo a los participantes que rellenaran un triángulo, un cuadrado y un círculo con los colores amarillo, rojo y azul.
Esperaba encontrar alguna correspondencia entre forma y color.
El Departamento de Dibujo quiere repetir la experiencia con motivo de la exposición que estás visitando.
Sólo tienes que indicar el color que tú creas que debe tener cada forma y, si quieres, dar una breve explicación de tu elección.
Cuando hayas rellenado el cuestionario, introdúcelo en el buzón.

Muchas gracias por participar.
Éstas son todas las combinaciones posibles:

RESULTADOS DE LA ENCUESTA

Participantes: 176 personas.

Hombres: 80, de los cuales 70 fueron estudiantes, 1 profesor, 1 comercial, 1 pintor, 2 arquitectos, 1 periodista, 1 camarero, 1 funcionario, 1 albañil y 1 ingeniero de telecomunicaciones.

Mujeres: 96, de las cuales 78 fueron estudiantes, 3 maestras, 7 profesoras, 1 contable, 2 funcionarias, 1 administrativa, 1 bióloga, 1 abogada, 1 ama de casa y 1 veterinaria.

Totales por nacionalidades: española 158, rumana 12, polaca 1, ecuatoriana 1, colombiana 1, marroquí 1 y boliviana 1.

De los 176 participantes, 40 explicaron sus decisiones.

COMBINACIONES POR ORDEN DE ELECCIÓN:

Eligieron la combinación 55 encuestados (25 hombres y 30 mujeres)

EXPLICACIONES:

El círculo es rojo porque...
Mujeres: "pasión, amor sin filos, ni esquinas"; "todo lo lleva"; "representa la totalidad"; "rojo como el sol".
Hombres: "símbolo de la prohibición"; "simboliza la perfección"; "cuando te pones colorado te salen circulitos rojos en los cachetes"; "es más bonito"; "sol-fuego".
El triángulo es amarillo porque...
Mujeres: "es el color que despide, el triángulo nunca queda equiparado"; "el amarillo es picudo, agudo, lo más parecido a un rayo"; "el color amarillo tiene más estrías y es más afilado (...) representa algún objeto con el que se puede hacer daño"; "me gusta".
Hombres: "es el símbolo de lo más amargo"; "simboliza la sencillez"; "simboliza a la monarquía"; "le pega".
El cuadrado es azul porque...
Mujeres: "el mar"; "es frío, recto"; "representa la seguridad".
Hombres: "es el símbolo de la libertad"; "los pitufos viven en casa cuadradas y ellos son azules" (aclaración: los pitufos viven en setas); "regularidad-calma".

Eligieron la combinación 30 encuestados (15 hombres y 15 mujeres)

EXPLICACIONES:

El círculo es amarillo porque...
Mujeres: "me recuerda al sol" (6 personas coincidieron).
Hombres: "me recuerda al sol" (4 personas coincidieron); "es mi color favorito".
El triángulo es rojo porque...
Mujeres: "peligro"; "señal de tráfico" (2 coincidencias); "como un tejado" (2 coincidencias).
Hombres: "femenino"; "señal de tráfico" (2 coincidencias); "la figura se relaciona con el romboide, rombo...";
El cuarado es azul porque...
Mujeres: "así me lo imagino"; "como una ventana" (2 coincidencias).
Hombres: "el cielo".

Eligieron la combinación 28 encuestados (14 hombres y 14 mujeres)

EXPLICACIONES:

El círculo es rojo porque...
Mujeres: "por las señales".
Hombres: "casi todas las frutas tienen esa forma y color".
El triángulo es azul porque...
Mujeres: "es el color de las formas geométricas".
Hombres: "señales de pasos de peatones"

El cuadrado es amarillo porque...
Mujeres: "es mi color favorito y tiene forma de caja".
Hombres: "es mi color y forma favoritos".

Eligieron la combinación -propuesta por Kandinsky-25 encuestados (10 hombres y 15 mujeres)

EXPLICACIONES:

El círculo es azul porque...
Mujeres: "bola terrestre"; "no tiene ángulos (inmensidad del mar o del cielo)"; "pensando en la Tierra, que contiene agua, tiene que ser azul"; "la Tierra".
Hombres. Solo dió aclaraciones un encuestado que ofrecía una sola explicación para la elección de la combinación: "es la bandera de mi país".
El triángulo es amarillo porque...
Mujeres: "pirámide de Egipto".
El cuadrado es rojo porque...
Mujeres: "caja de los truenos"; "son el color y la forma más contundentes".

Eligieron la combinación 20 encuestados (11 hombres y 9 mujeres)

EXPLICACIONES:

El círculo es azul porque...
Mujeres: "por el planeta"; "la Tierra es redonda y tiene mucha agua"; "por la Tierra".
Hombres: " el mundo es azul".
El triángulo es rojo porque...
Mujeres: "por las señales de tráfico" (2 coincidencias); "por el fuego".
Hombres: "una lanza de tres puntas".
El cuadrado es amarillo porque...
Mujeres: "por los cristales".
Hombres: ---

Eligieron la combinación 18 encuestados (5 hombres y 13 mujeres)

EXPLICACIONES:

El círculo es amarillo porque...
Mujeres: "el sol" (4 coincidencias).
Hombres: ---
El triángulo es azul porque...
Mujeres: "el cielo" (2 coincidencias).
Hombres: ---
El cuadrado es rojo porque...
Mujeres: "el fuego"; "la tierra"; "en los juegos de cubos de madera, casi siempre el cuadrado es rojo".

Aunque no se pueden extraer unas conclusiones en la línea de Kandinsky, sí es curioso ver como diferentes personas de distinto sexo y profesión asignan el mismo color a la misma forma por idénticas razones: el círculo amarillo como el sol, el círculo azul como la Tierra, el triángulo rojo como una señal de tráfico... También es curioso la asiganción a la misma forma de distintos colores: así el círculo puede ser rojo por el Sol o por las señales de tráfico, etc. Una pequeña reflexión: si pudiéramos repetir la encuesta digamos... hace trescientos años, sin haber visto la Tierra desde el espacio o sin existir las señales de tráfico ¿cuales hubieran sido la explicación de esos encuestados/as?. ¿Cómo hubiérais respondido vosotros al cuestionario?, ¿y vuestras explicaciones?. En mi opinión, me atraen más las asignaciones basadas en sentimientos: el amor como un círculo rojo o el cuadrado azul representando la seguridad.

Particularmente, no creo que exista una relación directa entre la forma y el color. Creo que factores culturales, geográficos, históricos... influyen en nuestras decisiones... y no solo en este tipo de cuestiones. Es curioso como, el resultado de nuestra pequeña encuesta, es diferente tanto con lo que postula Kandinsky como con éste, realizado en Alemania hace unos ocho años y que he encontrado en la red (Original en inglés).

Si quieres más resultados, y queréis hacer el cuestionario "on line", visitad la página del MoMA de Nueva York, aquí.

Bibliografía:

FIELDER, J. y FEIERABEND, P. (Ed.): "Bauhaus". Editorial Könemann. Colonia, 1999. Página 457.

de ARTE y de ARTISTAS

2010-07-02T01:51:00.000+02:00

Hace ya más de un mes que no actualizaba el blog. El final de curso ha sido especialmente intenso y muy productivo. Os traigo un par de vídeos de la exposición (que dá título a la entrada) que hemos montado en la sala del CIECEMA de Almonte. Espero que os guste.

Si queréis ver cómo se realizaron varios de los trabajos, podéis ir a nuestro blog de clase:
http://dearteydeartistas.blogspot.com/

UN LUJO

2010-05-06T00:27:00.002+02:00

Hace un par de días, mi buen amigo Juan Granados (gran saxofonista a la par que ingeniero) me ha enviado un regalo que es todo un lujo. Se trata de su magnífica interpretación del tema "As time goes by", de la banda sonora de la película Casablanca. Os traigo un par de fotos de su actuación en el "Jazz Corner" de Sevilla y la grabación en directo de tema preferido de Ingrid Bergman. Para completar, un relajante vídeo que encontré en vimeo hace unas semanas.

EL DISCURSO DE LA VERDAD

2010-05-02T02:30:00.000+02:00

Pocas biografías han inspirado a tantos artistas como la del noble sevillano D. Miguel de Mañara y Vicentelo de Leca (1627-1679). Aunque, en honor a la verdad, a Zorrilla, Tirso de Molina, Lorenzo da Ponte (libretista de Mozart), Byron, Molière, Richardson, Espronceda, Dumas, Azorín... lo que realmente les inspiró fue la leyenda de Don Juan que, probablemente, tenga su origen en el testamento de Don Miguel: “Yo, don Miguel Mañara, ceniza y polvo, pecador desdichado, pues lo más de mis logrados días ofendí a la Majestad altísima de Dios, mi Padre, cuya criatura y esclavo vil me confieso. Servía a Babilonia y al demonio, su príncipe, con mil abominaciones, soberbias, adulterios, juramentos, escándalos y latrocinios; cuyos pecados y maldades no tienen número y sólo la gran sabiduría de Dios puede numerarlos, y su infinita paciencia sufrirlos, y su infinita misericordia perdonarlos”.

La leyenda nos cuenta la historia de un pecador lujurioso y noctámbulo que se encuentra, al regresar de sus correrías, en una oscura calle de la Sevilla barroca con un cortejo fúnebre. Tras desvelársele que, en realidad, es su propio entierro, el pecador se arrepiente de su disipada vida y dedica el resto de sus días a los menos favorecidos de la decadente ciudad andaluza. En realidad, ni Don Miguel fue el crápula que él mismo asegura ni fue testigo de semejante espectáculo. Todo hay que ubicarlo en la mentalidad propia del s. XVII y en la religiosidad de un personaje que, después de fallecer su amada esposa, inicia una profunda reflexión sobre el sentido de la vida. Por si tuviéramos dudas sobre la visión que tiene Mañara sobre sí mismo, su epitafio las aclara: "Aquí yacen los huesos y cenizas del peor de los hombres que ha habido en el mundo. Rueguen a Dios por él." Para acceder a la Iglesia de S. Jorge (anexa al Hospital de la Sta. Caridad, sede de la Hermandad del mismo nombre de la que fue Hermano Mayor Mañara) es inevitable pisar la lápida donde aparece dicha inscripción.

Fruto de esa reflexión es la obra que da título a la entrada y de la que os traigo un sugerente pasaje: "Si tuviéramos delante la verdad, esta es, no hay otra, la mortaja que hemos de llevar, viéndola todos los días, por lo menos con la consideración, de que has de ser cubierto de tierra y pisado de todos, con facilidad olvidarías las honras y estados de este siglo; y si consideras los viles gusanos que han de comer ese cuerpo, y cuan feo y abominable ha de estar en la sepultura, y cómo esos ojos, que están leyendo estas letras, han de ser comidos de la tierra, y esas manos han de ser comidas y secas, y las sedas y galas que hoy tuviste, se convertirán en una mortaja podrida, los ámbares en hedor, tu hermosura y gentileza en gusanos, tu familia y grandeza en la mayor soledad que es imaginable." El texto íntegro se puede consultar en este enlace.

También fruto de la misma obra son los dos famosos cuadros de Valdés Leal que inician el recorrido iconológico de la magnífica e intensamente expoliada por las tropas francesas del Mariscal Soult (el gran ladrón de Sevilla) Iglesia de San Jorge. Los dos cuadros (que aparecen al final de la entrada), le valieron al pobre Valdés el título de "pintor de la muerte" cuando, en realidad, sólo plasmaba las reflexiones de D. Miguel.

Sea Mañara o no el origen de la leyenda de D. Juan, sí es cierto que la leyenda está saturada del espíritu religioso y teatral propio del barroco. En la ópera Don Giovanni de Mozart, la espectacular escena del Comendattore da pie a un último sexteto que otorga el final moralizante propio de la época. Hace muchos años tuve la ocasión de ver la ópera en el marco incomparable que nos ofreció la fachada del palacio de Pedro I en el Alcázar de Sevilla. Interpretada por London Mozart Players dentro del V Festival internacional de música y danza, y de cuya traducción íntegra -que todavía conservo después de 23 años- os he extraído la famosa escena:

Completamos el libreto con once versiones de la escena del Commendatore:

LA SILLA DE GLENN GOULD

2010-05-01T01:55:00.009+02:00

Siempre me han llamado mucho la atención las pequeñas historias que hay detrás de los grandes artistas. Tal es el caso de la famosa silla del no menos famoso pianista canadiense Glenn Gould (1932-1982). El carismático y un tanto extravagante músico, es el mejor intérprete de composiciones barrocas en general y de Bach en particular. Es una maravilla oir -y ver- su particular versión de las variaciones Golberg, que -gracias a You Tube- podéis encontar sin dificultad.

Gould siempre tocaba muy cerca del teclado, canturreando la melodía que interpretaba y adoptando posturas muy personales sobre su querida silla plegable. El curioso objeto fue adaptado por el padre del pianista según sus indicaciones. Según parece -aunque Glenn Gould aprendió a tocar el piano con su madre- fue su maestro, el gran pianista chileno Alberto Guerrero el que habituó al candiense a tocar muy cerca del teclado, necesitando un asiento más bajo de lo habitual. Además, las patas de la silla son regulables para adaptarse aún más a tan singular y genial músico. Actualmente, la silla se conserva en una vitrina de la Biblioteca Nacional de Canadá.

Os traigo dos buenos ejemplos del virtuosismo y de la personalidad del pianista, en el que algunos han visto claros síntomas del Síndrome de Asperger. Eso sí, más de 20 años después de fallecer, y es que -como diría Juan Belmonte- "hay gente pá tó". Dejando a un lado los curiosos diagnósticos, mejor nos quedamos con el canadiense interpretando, por supuesto, a Bach:

He encontrado (aquí) la película que, en 1993, dirigieron François Girard y Don McKellar: "Thirty-Two Short Films About Glenn Gould " que, en España, se tradujo con el título (poco afortunado, en mi humilde opinión) de "Sinfonía en soledad".
Más en:
http://www.glenngould.com/
http://www.collectionscanada.gc.ca/glenngould/index-e.html

JUSEP TORRES CAMPALANS

2010-04-08T00:44:00.007+02:00

Hace un tiempo, mi amigo Manolo me habló de este pintor catalán. He de reconocer que no lo conocía, y es que -como en el grabado de Goya donde aparece un anciano de edad inconmensurable- "aún aprendo"... y por muchos años. Su principal biógrafo (del que nos ocuparemos más adelante) lo descubre gracias a una conferencia que pronuncia en San Cristóbal de Las Casas, capital cultural del mexicano estado de Chiapas, a finales de los años cincuenta. Allí conoce a "un tipo original y curioso, pintor", desde este momento -el biógrafo- queda cautivado no sólo por la personalidad de uno de los fundadores del Cubismo, sino de su concepción de lo que debe ser la pintura, todos estos pensamientos se plasman en el famoso "Cuaderno verde" del genio catalán.

Nacido el 2 de septiembre de 1886 en Mollerussa (Lleida), Torres Campalans es un artista muy preocupado por la presencia de la verdad artística en la pintura. Quinto de una familia de dieciséis hermanos, trabajará en una notaría -después de una breve estancia en el seminario- y en la estación ferroviaria de Girona hasta marchar a París huyendo del servicio militar. Lamentablemente, en 1914 deja definitivamente la pintura después de reflexionar sobre su aportación y se refugia en Chiapas donde lo encuentra su biógrafo.

Su obra se desarrolla dentro de las vanguardias de principios del s.XX, tras unos primeros titubeos en el mundo del Fauvismo, pasa a cultivar intensamente el cubismo entre 1907-1914, compartiendo con Picasso el sentido trágico de la vida tan característico en la visión de la Generación del 98 española. Esa vinculación con Picasso -al cual dedica numerosos y merecidos elogios-, se plasma en su activa participación en la radical transformación del arte que supone el Cubismo. Crítico con Juan Gris y con Kandinsky, a cuya obra le atribuye más mérito decorativo que artístico, su evolución pictórica ha sido subrayada por Joan Oleza, distinguiéndose los siguientes peridos: su formación (1906-1907), influida por la etapa azul de Picasso, Cézanne, Renoir, Gaugin y Van Gogh. Una etapa de plenitud, entre 1908 y 1912, en que se incorpora al movimiento cubista, y un periodo posterior de identificación con la pintura abstracta.

Pero, lo que realmente me ha interesado más acerca de Torres Campalans es, como os apuntaba más arriba, su particular visión sobre la realidad y el arte. En este sentido, el propio pintor, nos ofrece una reflexión -que tomaremos como punto de partida- en su diario, cuando alude a la importancia de la imaginación en toda manifestación artística, a la simulación y al engaño: "Queda la imaginación, gran fortuna. Puestos a mentir, hagámoslo de cara: que nadie sepa a qué carta quedarse"... Y eso es, precisamente, lo que hace su no menos genial biógrafo: Max Aub (1903-1972), ya que Jusep Torres Campalans es una persona ficticia (que no personaje literario inventado) surgida de su imaginación. Tanto en la novela -que lleva como título el nombre del pintor- como en el "Cuaderno verde" -diario de Torres Campalans-, Max Aub personifica en el pintor su propia concepción sobre la realidad y el arte, el cubismo, las vanguardias históricas o su admiración por Pablo Picasso. No en vano fue Max Aub, como agregado cultural de la embajada de España en París, quien encarga al malagueño nada más y nada menos que el Guernica.

Os recomiendo la lectura de tan singular obra que, desde su primera publicación en 1958, ha generado tantos estudios. Y es que la novela, en sí, es una magistral obra de arte donde realidad y ficción se confunden aún conociendo que Jusep Torres Campalans nunca existió, aunque sí el referente histórico y cultural que lo rodea, otorgando una mayor dosis de verosimilitud a lo narrado. El "engaño" se completa con entrevistas a personas que conocieron al pintor junto a muchos datos biográficos, incluyendo el fotomontaje con Picasso y un catálogo de obras de Torres Campalans, obras realizadas por el propio Max Aub y que ilustran la entrada.

En definitiva, el arte no es lo que representa o como diría René Magritte: "esto no es una pipa"...

Más en:
http://www.guiarte.com/madrid/noticias/torres-campalans-el-max-aub-cubista.html
http://www.uv.es/entresiglos/max/pdf/calvo%20revilla.pdf

DESTINO

2010-03-28T14:43:00.002+02:00

El genial Salvador Dalí es uno de los artistas más versátiles del siglo XX. De su aventura americana nos quedan numerosas maravillas y curiosidades. Os traigo tres: la primera es el cortometraje que, en colaboración con Walt Disney, Dalí nunca llegó a terminar. Hasta el año 2003 durmieron en los sótanos de la Disney los veinte segundos rodados junto a la gran multitud de bocetos, dibujos y pinturas que el ampurdanés llegó a realizar. Gracias a todo este material se ha podido finalizar el corto de algo más de seis minutos de duración. La segunda maravilla es el sueño del olvidadizo Gregory Peck en "Recuerda" (Spellbound) rodada en 1945 por Alfred Hitchcock. Es curioso el homenaje que hace el gran director británico a Luis Buñuel en la escena donde un personaje corta una gran cortina repleta de ojos gigantescos. La última que os traigo es, más bien, una curiosidad. Se trata de la intervención de D. Salvador en un concurso de televisión donde, los concursantes, deben adivinar el nombre del invitado gracias a las preguntas que le formulan. Una buena muestra de la personalidad del genio catalán.

Más sobre "Destino" en esta página.

AZUL COBALTO

2010-03-22T01:00:00.001+01:00

Pocos artistas han sido tan humanos y tremendamente sinceros como la pintora mexicana Frida Kahlo (1907-1954). Su obra es un reflejo no solo de su personalidad o de su intensa, y tristemente breve, biografía sino que, me atrevería a expresar, de su alma. A pesar de sus graves problemas de salud y del particular amor que le profesaba el gran muralista Diego Rivera, en sus cuadros expresa un gran amor a la vida. La vida con todas sus facetas: el dolor, la angustia, el sufrimiento por las infidelidades... pero también la belleza, la amistad o el amor. Mediante el empleo de una paleta rica repleta de colores vivos y brillantes podemos atisbarnos al gran universo interior de una artista de la que, creo, solo se suele apreciar una parte de su gran personalidad. Una buena muestra es su último bodegón "Viva la vida":

Patio de "La Casa azul", residencia familiar
y hoy Museo de Frida Kalho en Coyoacán,
México D.F.

En su diario, Frida Kalho, identifica al azul cobalto con la electricidad, la pureza y el amor. Es una asociación curiosa y muy personal para el concepto del amor. Si bien la fidelidad, entendida como lealtad que expresa ese sentimiento intenso hacia otra persona, sí ha sido descrita con ese color en el magnífico estudio de Eva Heller "Psicología del color": "Como color de la lejenía, el azul es también el color de la fidelidad. [...]La fidelidad no es una virtud que pueda demostrarse a simple vista [...] El rito nupcial inglés exige como ajuar de toda novia: Algo antiguo, algo nuevo, algo prestado y algo azul - esto es, algo fiel".

Es difícil encontrar a alguien a quien no le guste el color azul. Solemos vestirnos con prendas de ese color en todas las estaciones sin importar la ocasión, lo elegimos para nuestros automóviles, es un color muy empleado en la arquitectura popular mediterránea y americana, tanto en exteriores como en interiores. Sobre todo, en los dormitorios gracias a su efecto tranquilizante a pesar de su frialdad. Siguiendo el estudio de Eva Heller: "El azul tiene su significado más importante en los símbolos, en los sentimientos que a él asociamos. El azul es el color de todas las buenas cualidades que se acreditan con el tiempo, de todos los buenos sentimientos que no están dominados por la simple pasión, sino que se basan en la comprensión recíproca. No hay ningún sentimiento negativo en el que domine el azul."

Pigmento Azul Cobalto (Co,Zn)2SiO4

Particularmente, no solo aprecio este color como la gran pintora mexicana, a la que identifico con él, sino que tengo la suerte de verlo durante la mayoría del año en el cielo infinito de mi ciudad:

"TROPPO VERO!!"

2010-03-14T02:15:00.001+01:00

Según cuenta la leyenda, ésa fue la exclamación del Papa Inocencio X al ver el retrato que acababa de pintarle Diego Velázquez. El historiador Jonathan Brown nos cuenta sobre el cuadro: "Inocencio se había ganado la fama de hombre alerta que desconfiaba de los demás y se mostraba tenaz e infatigable en el desempeño de su cargo. Y así es exactamente el hombre que vemos en el retrato de Velázquez. En la mano izquierda tiene un trozo de papel del que el pintor se sirve con la doble finalidad de identificarse como autor del cuadro y dirigir una petición al pontífice [...]. Es fácil imaginar que estamos viendo al Papa en la audiencia que ha concedido al pintor del rey de España. Ya ha leído la petición, y ahora dirige al que la suscribe una mirada expectante pero a la vez de desafío. Y por medio de este procedimiento dramático, el retrato se convierte en el hombre mismo, no en una mera imagen o registro de su apariencia física". Quizás, de ahí, la expresión del sumo pontífice (¡demasiado real!). La penetrante mirada del Papa hace sentirse un tanto incómodo, mostrando -en efecto- algo más que la apariencia física.
Esa capacidad de mostrar el "alma" del -a mi juicio- mejor pintor de la Historia es la que, en ocasiones, le vale mayores críticas, al tenerlo como mero imitador de la realidad (!?) ante otros artistas "creadores". Sin menospreciar a ninguno -pero Velázquez es mucha "tela marinera" como decimos por aquí- os propongo un juego. Realmente ¿qué conocemos del arte actual?. ¿Cómo reaccionar ante una obra que no entendemos?. La mayoría de las veces, la información puede ser nuestra mejor guía, pero en otras ocasiones... hay cosas que no tienen nada que aportar, se miren por donde se miren. Siempre podemos encontrarmos obras sin valor, sean de la época que sean. Aunque... ¿qué hace de una pintura una obra de arte?.
Bueno, el juego es el siguiente: imaginaros que os encontráis en una afamada feria de arte internacional. De repente, una reportera de televisión se os acerca y os pide vuestra opinión sobre una de las obras que cuelgan en la pared...

¿Qué hubiérais dicho vosotros?

EL RESTAURADOR

2010-03-07T05:15:00.002+01:00

"Ni las pagodas indias más desenfrenadas y más monstruosamente prodigiosas, rivalizan con la Catedral de Sevilla. Es una montaña hueca, un valle invertido. Notre-Dame de París se pasearía con la cabeza alta por la nave central, que es de una elevación aterradora". Como podéis ver, muy impresionado quedó el polifacético escritor francés Theófile Gautier (1811-1872) cuando, por 1840, visita el primer templo hispalense. Es cierto que, la Catedral de Sevilla, es enorme si bien nuestro amigo francés exageró un poquito aunque sea el tercer templo más grande de la Cristiandad después de San Pedro del Vaticano y San Pablo de Londres (aunque bien podía ser el cuarto si contamos la locura de Félix Houphouët-Boigny: la Basílica de Nuestra Señora de la Paz en Yamoussukro, Costa de Marfil).

En definitiva, una iglesia tan grande finalizada en 1506 contiene no sólo una gran cantidad de obras de arte sino que también contiene las historias de todas ellas. Una de esas historias hace referencia al gigantesco cuadro del pintor sevillano Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682): "Visión de San Antonio de Padua" pintado en 1656 y que, con sus más de cinco metros y medio de alto, preside el baptisterio catedralicio y -humildemente- esta entrada.

El profesor D. Enrique Valvidieso nos narra tan singular historia: " Como todos los cuadros famosos de Murillo éste ha padecido algunas visicitudes históricas que afortunadamente no han significado su pérdida para la Catedral. En principio el mariscal Soult en 1810 tuvo la intención de llevarse la pintura, aunque el Cabildo pudo disuadirle de esta idea entregándole a cambio otra obra maestra de Murillo, La Natividad de la Virgen, que hoy figura en el Museo del Louvre de París.

Salvado el cuadro de la rapacidad de Soult, hubo de sufrir años más tarde un salvaje atentado del que salió parcialmente bien librado. En noviembre de 1874 una mano criminal cortó del cuadro la figura de San Antonio, dejando la pintura terriblemente mutilada. Lo que parece ser obra de un loco resultó ser de un ladrón, porque al año siguiente el fragmento de San Antonio fue ofrecido a un anticuario de Nueva York [ William Shaus ]. Afortunadamente este anticuario, conocedor del robo, reconoció el fragmento y puso en conocimiento de este hecho a la Embajada de España en dicha ciudad. La figura de San Antonio pudo así ser recuperada y devuelta a la Catedral de Sevilla, donde después de un afortunado proceso de restauración, pues la figura del santo había sufrido serios daños, fue reintegrada al lienzo, pudiéndose exhibir completo nuevamente en octubre de 1875. Realizó esta labor el entonces restaurador del Museo del Prado D. Salvador Martínez Cubells".

Gracias al buen hacer del pintor y restaurador valenciano D. Salvador Martínez-Cubells (1845-1914) no sólo podemos disfrutar de la obra de Murillo salvada de las malvadas garras del nefasto mariscal napoleónico que robó todo lo que pudo y no se llevó el Giraldillo porque no le dió tiempo, que si no hoy tenemos que ir a París para verlo como ocurre con -entre demasiadas obras- "La Natividad de la Virgen". Curiosamente, en la página del Louvre no hay ni una sola referencia a su criminal adquisición. En fin, volviendo a nuestro querido D. Salvador, os decía que no sólo podemos ver el cuadro de Murillo sino que, gracias a él, se pueden ver todas las Pinturas Negras del genial Goya en el Museo del Prado ya que fue él quien traspasó del muro al lienzo tan singular conjunto.

Para que luego, uno oiga que los restauradores "sólo se dedican a quitar cagaditas de mosca" o que "las obras de arte tienen que morir". Comentarios absurdos y bastante poco originales, ya que -esos "artistas"- bien harían en leer el manifiesto del Futurismo, que publicó Marinetti en 1909, y donde se compara a los museos con cementerios, dormitorios públicos o mataderos para instar en destruirlos mediante una oportuna inundación. Así, por lo menos, adquirirían algo de cultura gracias a la lectura... aunque -si siguen el credo futurista- los libros también hay que destruirlos y entonces ¿cómo conocer el Futurismo?. En fin, patético.

Más sobre D. Salvador:

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/martinez-cubells-salvador/

Página sobre "La Natividad de la Virgen" en el Museo del Louvre: http://www.louvre.fr/llv/oeuvres/detail_notice.jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225931&CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225931&FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500811&bmLocale=en

EN HONOR A LA VERDAD

2010-02-28T01:49:00.025+01:00

Aprovechando la doble circunstancia de disfrutar de unos días de descanso gracias al "día de Andalucía" y de haber remitido la fiebre, y demás síntomas del enfriamiento, que llevaba padeciendo un par de días, ayer pudimos cumplir nuestros planes y visitar fugazmente la capital del reino: Madrid. Nuestro objetivo era poder volver a disfrutar del Museo del Prado, ver la magnífica exposición de Monet en el Museo Thyssen (no pudimos ver la segunda sede de la exposición en la Fundación Caja Madrid) y presentar nuestros respetos al Guernica. Por cierto que, al mural de Picasso, lo custodiaban dos señoras de mediana edad (vigilantes de sala) que me hicieron recordar tanto a la gran mampara blindada como a los dos guardias civiles (metralleta en mano) que protegían al Guernica la primera vez que lo pude ver, eso sí, hace más de veinticinco años.

Os comentaré un par de cosas respecto al Museo del Prado. La primera es que espero que terminen cuanto antes las obras de la gran sala que, tradicionalmente, alberga los cuadros de Velázquez. No creo que ni Don Diego ni sus compañeros de Las Meninas estén muy cómodos donde están ahora. La segunda es, en realidad, el tema de la presente entrada. Frente a la fachada principal del museo se puede visitar la exposición "Arte salvado" que recoge las penalidades sufridas en general por el patrimonio artístico español durante la guerra civil y, en particular, por las obras maestras del Prado. Sobre el tema ya os conté algo hace un año en esta entrada, a la cual os remito. A finales de enero se inauguró la muestra como una de las primeras actuaciones dentro de la oferta cultural impulsada con motivo de la Presidencia española de la UE. Recuerdo que pude ver por televisión la inauguración de la exposición, donde el presidente del gobierno la visitaba para, después, condecorar a las instituciones internacionales que contribuyeron a salvaguardar tan importante patrimonio: Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Museo de Arte e Historia de Ginebra, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, el Museo del Louvre, la National Gallery de Londres, el Rijksmuseum de Amsterdam, la Tate Gallery de Londres, la Wallace Collection de Londres, y la Reunión des Museés Nationaux francesa...

Hasta aquí, todo correcto y muy protocolario pero... falta alguien, más bien, faltan muchos... En el reportaje no se mencionaba a ninguna de las personas que habían llevado a cabo materialmente el traslado. He podido comprobar que, simplemente, no se mencionaron en televisión y que sí aparecen tanto en la exposición como en el magnífico y muy asequible catálogo que tan amablemente me vendió una bella madrileña. Hubiera estado muy bien por parte del presidente que también los hubiera condecorado, aunque fuera a título póstumo, a los principales actores de (y en palabras del propio presidente) "la mayor empresa de salvamento de obras de arte de la historia". Sin menospreciar el gran trabajo de todos los que intervinieron, quisiera dedicar la entrada a D. Timoteo Pérez Rubio (cuya fotografía encabeza la entrada), pintor extremeño a cargo de la Junta Central del Tesoro Artístico y a D. Joselino Vaamonde, arquitecto del Prado y responsable de los depósitos de Valencia. Sin ellos, junto a muchos más, hoy no tendríamos (entre muchas, muchas otras) ninguna de estas grandes obras:

Más sobre la exposición "Arte salvado": http://www.eu2010.es/es/documentosynoticias/noticias/salvamentoarteexpo.html

Sobre Timoteo Pérez Rubio:

http://www.todooliva.es/paisanos/index.htm?ilustres

http://www.elpais.com/articulo/ultima/PeREZ_RUBIO/_TIMOTEO_/PINTOR/Muere/Brasil/salvador/patrimomo/artistico/espanol/elpepiult/19770809elpepiult_1/Tes/

ACTUALIZACIÓN: He encontrado, en la página del Museo del Prado, este interesante vídeo de la exposición "Arte protegido" de 2003, celebrada en el propio museo sobre el mismo tema que la actual "Arte salvado". El enlace: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/arte-protegido/video/

EL PLANO IMPOSIBLE: EMILIO RUIZ DEL RÍO

2010-02-18T00:30:00.014+01:00

La biografía del artista madrileño Emilio Ruiz del Río (1923-2007) es, cuando menos, excepcional. Al igual que otros artistas dedicados al mundo del cine como Saul Bass y el protagonista de la entrada anterior, Drew Struzan, Emilio Ruiz empleaba los secretos tradicionales de su oficio para crear -en este caso- escenografías para películas ( ¡trabajó en más de 520! ) que nada tienen que envidiar a las modernas técnicas digitales.

Desde su primer trabajo en "La aldea maldita" dirigida en 1942 por Florián Rey, hasta su último trabajo en "Las mujeres del anarquista" pasando por "Espartaco" (Stanley Kubrick, 1960), "Rey de reyes" (Nicholas Ray, 1961), "Cleopatra" (Joseph L. Mankiewicz, 1963), "La caída del Imperio Romano" (Anthony Mann, 1964), "Lawrence de Arabia" (David Lean, 1962), "Doctor Zhivago" (David Lean, 1965), "Golfus de Roma" (Richard Lester, 1966), "Patton" (Franklin J. Schaffner, 1970), "Conan el Bárbaro" (John Milius, 1982), "Dune" (David Lynch, 1984), o "El puente de San Luis Rey" (Mary McGuckian, 2004) entre otras, Emilio Ruiz construyó grandes edificios, puertos, puentes... todo a escala e integrándolos en la escena real para ser filmados en directo y empleando la perspectiva de una manera formidable.

Consiguió tres premios Goya por "Acción mutante", "Nadie conoce a nadie" y "El laberinto del fauno". Pero, la escena más conocida del genio madrileño (por lo menos en España) es la del atentado contra el presidente Luis Carrero Blanco, asesinado por ETA en diciembre de 1973. La impresionante escena de la película "Operación Ogro" (Gillo Pontecorvo, 1979) es, en sí misma, más un documento gráfico del magnicidio que una recreación con efectos especiales:

http://www.youtube.com/watch?v=IOkN0An3cfY

La semana pasada, la segunda cadena de Televisión Española emitió un interesante documental sobre Emilio Ruiz: "El último truco". Aunque no pude verlo entonces, lo encontré en este blog y os lo traigo como un pequeño homenaje a un gran artista del cual desconocía su existencia.

Más en su web: http://tertre-rouge.iespana.es/

EL PINTOR DE PELÍCULAS

2010-02-05T22:15:00.017+01:00

La obra del estadounidense Drew Struzan (Oregon, 1947) le precede en popularidad. Todos la hemos visto, aunque -en principio- desconozcamos su autoría. Y es que el personal estilo del ilustrador norteamericano nos ha acompañado en más de una tarde de cine y palomitas. Es autor de portadas de discos, publicidad, sellos, cubiertas de libros y más de 150 carteles de películas (todos los realizados para "La Guerra de las Galaxias", "Indiana Jones", "Regreso al Futuro", "E.T.", "Harry Potter", "Blade Runner", "La milla verde"... y las españolas "El laberinto del Fauno" y ¡"Torrente 3"!).

Influenciado por la obra del checo Alfons Mucha (1860-1936) y de su compatriota Norman Rockwell (1894-1978 ), Struzan realiza sus obras rápidamente (el tríptico de la nueva edición de "La Guerra de las Galaxias" le llevó solo tres semanas). Parte de las fotografías del rodaje de las películas y, cuando es posible, de retratos del natural. En una era marcada por el diseño digital, Struzan es un genio del aerógrafo que combina con humildes lápices de colores sobre soportes de madera, con un resultado hiperrealista que consigue captar, en una sola imagen, toda la realidad de la película. Lástima que se haya retirado en septiembre del año pasado, aunque siempre nos quedará su magnífica obra.

Una idea de cómo trabaja:

Entrevista a Struzan: http://www.youtube.com/watch?v=R4WQdHNRvXA

Más imágenes de sus trabajos en su web: http://www.drewstruzan.com/

UN ENIGMA CON 26 AÑITOS...

2010-01-31T00:18:00.003+01:00

... y es que el tiempo pasa tan rápido...

http://www.youtube.com/watch?v=aQYvGUL1OLA

EL POZO Y EL PÉNDULO

2010-01-21T23:13:00.006+01:00

"...el laberinto tiene algo muy curioso porque la idea de perderse no es rara, pero la idea de un edificio construido para que la gente se pierda (...) es una idea rara". Además, añade el genial Jorge Luis Borges: "que se pierda la gente y se pierda el lector, esa es una idea rara, por eso he seguido siempre pensando en el laberinto...". Si añadimos al laberinto una suerte de escaleras, puentes y túneles oscuros con multitud de elementos bastante sombríos como en los grabados de Piranesi (1720-1778), nos podemos perder en un mundo verdaderamente aterrador. En los oscuros pasadizos sin destino de sus estampas, los surrealistas vieron el interior de la mente humana, aunque quizás sea, en bastantes ocasiones, más tortuosa y oscura que las prisiones del artista veneciano.

Aunque la idea sea rara, no deja de ser fascinante. Piranesi realizó la primera parte de sus "Carceri d'Invenzione" en 1745, con 25 años. Arquitecto y, sobre todo, magnífico grabador ya que se le conoce por sus series de grabados de antiguos monumentos romanos y sus estudios teóricos sobre la arquitectura y perspectiva. De hecho, solo construyó un edificio, que sepamos: Santa María del Priorato en Roma, donde está enterrado. A pesar del nombre del templo, no tiene nada que ver con las aventuras del profesor Robert Langdon.

La atmósfera ilustrada por el grabador veneciano ha influenciado a gran número de artistas y escritores, como el complejo y torturado Edgar Allan Poe, de cuyo relato he tomado prestado el título para la entrada y donde un atormentado presidiario de la Inquisición da con sus huesos en una prisión toledana. Es sometido a las más crueles torturas, muchas de ellas -al igual que los grabados del italiano- fuentes de inspiración para el cine de terror como ese péndulo afiladísimo que, suspendido de un techo de altura inconmesurable, baja y baja sin cesar tranquilamente con oscuras intenciones. Menos mal que nuestro pobre amigo -que consigue librarse ingeniosamente del tormento- es rescatado a última hora cuando estaba a punto de sucumbir ante un sombrío abismo, al estrecharse unos increíbles muros de metal incandescentes.

Aunque relato de Poe está (en mi opinión) dedicado a los que sufren los horrores de la tortura, el tema del laberinto (que nos ocupa) está presente. Nos podemos imaginar a nuestro protaginista en una celda, previsiblemente subterránea, en el mismo centro del laberinto o, quizás, es él el verdadero centro. Piranesi ilustra los relatos de Poe y Borges donde se refleja la soledad, la incomunicación, el infinito y lo laberíntico y absurdo del comportamiento humano.

Curiosamente, las primeras manifestaciones del tema del laberinto pueden simbolizar un camino de iniciación. Si lo asociamos a la religión, sería el camino que debe de recorrer el creyente hasta encontrarse con su Creador, como puede ilustrar el famoso laberinto de la catedral de Chartres:

Ya en el Renacimiento, el laberinto se torna antropocéntrico, conectando tanto con las estampas de Piranesi como con los relatos de los dos escritores americanos. El desasosiego que inspira el laberinto es, en nuestra vida diaria, más común de lo que podíamos imaginar. Por ejemplo, cuando estamos en una ciudad distinta y desconocemos su trazado... Actualmente, además de nuestros propios laberintos internos con sus "fantasmas", tenemos el, quizás, mayor laberinto creado jamás: Internet. Con el hipertexto y su forma más habitual: el hipervínculo o referencias cruzadas automáticas, que nos hacen ir de un lugar a otro en un espacio que bien puede ser más terrorífico que el ilustrado por Piranesi, el espacio virtual. Aunque también, después de haber salido airoso tras enfrentarse a él y gracias a una mano amiga como el presidiario de Poe, se puede -creo ingenuamente- llegar a intuir algo de su magnitud.

Para terminar, os traigo algunas ilustraciones inspiradas en las estampas de nuestro amigo Giovanni Battista Piranesi:

M.C. Escher, "Relatividad" (1953)

Fotograma de la película "Blade Runner" (1982)

Las escaleras móviles del "cole" de Harry Potter

Modelo del laberinto de "El nombre de la Rosa" (1986). Curiosamente, Umberto Ecco homenajeó a Borges en la figura del venerable bibliotecario Jorge de Burgos, además de hacer varias referencias a "La biblioteca de Babel".

EL REGALO DEFINITIVO

2010-01-03T21:30:00.001+01:00

LA LLAVE DE GRANADA

2009-12-30T22:35:00.032+01:00

Una vez pasados los frenéticos días con los que terminan los trimestres en un Instituto, además de "ponerme al día" con varios asuntos que uno siempre deja para las vacaciones, vuelvo a retomar el blog. Los pasados días 16,17 y 18 de diciembre tuve la suerte de acompañar (junto a mis compañeros Lola y Juan Antonio) a un grupo de chavales de 1º de Bachillerato a visitar el Parque Natural de la Sierra de Grazalema en la bella provincia de Cádiz.

Aunque teníamos previsto realizar varios senderos como la Garganta Verde o el Pinsapar, la lluvia impidió que los visitaramos, quedan pendientes para la próxima vez. De todas formas, sí pudimos realizar parte del programa del viaje como el itinerario por el río Majaceite en El Bosque, donde también pudimos visitar su magnífico Jardín Botánico. Además de realizar actividades en el Aula de la Naturaleza de Grazalema, pudimos conocer varias de las localidades que forman parte de la famosa "ruta de los pueblos blancos" como Ubrique, Benaocaz, Villaluenga del Rosario (famosa por su queso de cabra "payoya"), Grazalema, Benamahoma, El Bosque y Zahara de la Sierra, cuyo misterioso castillo abre la entrada. Aunque os traigo algunas fotografías, os aseguro que no hacen justicia al maravilloso paisaje que tuvimos la ocasión de disfrutar.

Jardín Botánico "El Castillejo". El Bosque.

Ubrique

Benaocaz

Grazalema

De todos los pueblos visitados (os los recomiendo todos), el que más me ha impresionado ha sido Zahara de la Sierra. La carretera de acceso pasa por el muro del pantano que se extiende bajo el risco donde se levanta la población. Me recordó a "Tintín y la Isla Negra". El cielo nublado le confiere un misterioso encanto. El objetivo de la visita era ver los restos de la fortaleza nazarí que corona la villa. Se puede uno imaginar -sin complicaciones- los problemas que tuvieron los castellanos para conquistar la plaza.

Según cuenta la Historia, cuando Don Rodrigo Ponce de León, Marqués de Cádiz, toma la fortaleza de Zahara de la Sierra en 1483, sus muy católicas majestades -Isabel y Fernando- ya tenían en mente intensificar la conquista del último reino musulmán español. Pronto, Al-Andalus sería un doloroso recuerdo para los nazaríes que se fueron y para los moriscos que se quedaron. Se quedaron hasta que los nuevos soberanos (Felipe III) decidieron expulsarlos y, con ellos, se consumó una de las mayores pérdidas culturales de la historia de España.

Aunque existen vestigios arqueológicos sobre asentamientos en Zahara antes de la época andalusí, la primera noticia documentada de su existencia data del siglo XIII, más concretamente de 1282. Dada la importancia de la fortaleza, unido a su carácter fronterizo y a su seguridad, el rey castellano Alfonso X "El Sabio" se entrevista con el sultán marroquí Aben Yusef a quien le pide ayuda para combatir a su hijo, el futuro Sancho IV, que se había sublevado. El sultán accedió y la rebelión fue sofocada, una muestra más de que no siempre las relaciones entre cristianos y musulmanes fueron hostiles.

La primera conquista del castillo por los castellanos se realiza en 1407. En 1481 es reconquistado por los musulmanes hasta que, un par de años más tarde, pasara definitivamente a manos castellanas allanándose el camino hasta la mítica ciudad de la Alhambra. La toma del castillo tiene su propia leyenda: los moradores del castillo lanzaban piedras por la noche al precipicio. Si volaban las palomas, no había peligro. Sabedores de esta circunstancia, los castellanos se situaron en el fondo y cuando cayeron las piedras soltaron palomas torcaces tomando desprevenidos a los centinelas musulmanes... después de una buena escalada.

Interior de la Torre del Homenaje, última línea de defensa de la fortaleza.

Dos vistas desde el castillo

La preciosa Iglesia de Santa María, bello ejemplo del barroco andaluz.

POLIEDROS ÚTILES

2009-12-12T23:07:00.006+01:00

Hoy os traigo un par de páginas donde -si os gusta la papiroflexia- podéis encontrar unos curiosos calendarios para el próximo año, con la bonita forma de un dodecaedro regular o de uno rómbico. Como muestra de lo versátiles que son tanto los sólidos platónicos como los arquimedianos, en el segundo enlace se muestran varios desarrollos para construirlos con papel además de unos "poliédricos" mapamundis:

Calendarios:
http://www.ii.uib.no/~arntzen/kalender/
Desarrollos y Mapamundis:
http://www.progonos.com/furuti/MapProj/Normal/ProjPoly/Foldout/foldout.html

MONDRIAN EN ALMONTE

2009-12-05T13:23:00.040+01:00

No, no es que la bella capital de Doñana acoja una muestra del genial pintor holandés Piet Mondrian (1872-1944), lo que tampoco estaría nada mal. La intención de esta entrada es mostraros una idea que empezó a gestarse cuando mi buen amigo y compañero Manolo Ruiz Ferrari, me envió unas fotografías del Colegio Público "La Canal" de Luanco en Asturias. Me pareció genial la transformación de un vestusto edificio gris en lo que podeís ver bajo éstas líneas:

Aunque no es el primer edificio "vestido" al estilo de nuestro amigo Piet, me hizo recapacitar sobre mi propio Centro, el cual tiene una arquitectura un tanto ambivalente... digamos que válida tanto para un hospital como para un centro penitenciario... Desde hace unos años, nos estamos esforzando en ir cambiando los distintos espacios tanto interiores como exteriores del Instituto(podéis ver nuestros trabajos en: http://sites.google.com/site/dibujandoenalmonte/ dentro de los apartados "El Dpto de Dibujo", "Nuestro Guernica" y "El Patio del León"). Esta vez hemos planteado ir un "poquito" más allá. Así presentamos, primero a la dirección y después al Consejo Escolar del centro, nuestra propuesta:

La buena acogida de la idea puede hacer que, para el verano próximo, haga que se lleve a cabo, dándole al Instituto una imagen verdaderamente particular e individual. Ya os contaré.
La figura que aparece sobre la torre, que -en su tiempo- albergaba a los depósitos de agua del Instituto (no había agua corriente) es el Omnipoliedro (los cinco sólidos platónicos inscritos unos dentro de otros) construido hace un par de años por los alumnos de Dibujo Técnico de 2º de Bachillerato. Actualmente ocupa una parte del porche del edificio:

Pero, ¿por qué Mondrian?. En primer lugar porque sus composiciones son reflejo de una intensa actividad intelectual que le lleva -en mi opinión- a simplificar las formas hasta conseguir un resultado muy equilibrado. Es cierto, como podéis leer una varias biografías sobre el pintor, que su obra tiene tanto influencias matemáticas como espirituales. Creo que, aunque en una época se trivializaron, las composiciones de Piet aportan mucho con muy poco. Las verticales y las horizontales forman rectángulos y cuadrados perfectamente ubicados, resultando una composición muy cuidada, en la que te puedes recrear durante más tiempo del que imaginabas. El color se simplifica hasta los primarios más el blanco, gris y negro que, aunque no se consideran colores, completan el ideario de nuestro artista. Es difícil llegar a la abstracción (el tardó unos treinta años) por un camino coherente, razonado y, sobre todo, honesto. La honestidad sería una segunda razón por la que no sólo me gusta el trabajo del pintor holandés, sino por lo que lo veo muy apropiado para cambiar el tono gris mediocre de nuestro edificio por una composición basada en sus cuadros. Ser honesto no es muy común en los tiempos que corren, ni en el arte ni, por supuesto, en otras digamos... "disciplinas" como la política, donde brilla por su ausencia. Para ilustrar la búsqueda del holandés de un nuevo lenguaje (que se plasmó en los manifiestos neoplasticistas de los años 1917,1918,1919 y 1921 en la revista De Stijl -El Estilo-, órgano del movimiento del mismo nombre fundado por Piet y Theo van Doesburg en 1917) os traigo dos de sus obras: la primera refleja los inicios del pintor antes de interesarse por el cubismo analítico. La segunda es una buena muestra de los óptimos resultados de la búsqueda de nuestro particular "holandés errante".

"Molino", 1906

"Tableau",1921

Algo tendrán esos cuadraditos de colores cuando tanta influencia tienen, y si no ved una muestra:

Vestido del diseñador Yves Saint Laurent , 1965

Casa en Gante, Bélgica.

Más sobre Mondrian:

http://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian

http://www.pietmondrian.org/

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/mondrian.htm

Un juego para emular al pintor: http://www.compositionwithjavascript.com/

MÚSICA DE COLORES

2009-11-28T02:12:00.003+01:00

Nada mejor para una tranquila noche del viernes (¡por fin!) que un poco de buena música. En este caso nada más y nada menos que el famoso Canon del alemán J. Pachelbel (1653-1706) con una interesante interpretación en colores.

http://www.youtube.com/watch?v=T3uh75-OXQo

Más música de colores en: http://www.youtube.com/user/smalin

UNA HABITACIÓN CON VISTAS

2009-11-18T22:53:00.004+01:00

Hace unas semanas os traía un par de fotos de las obras de la "Burj Dubai" (Torre Dubai) que, con sus 818 metros, es -por ahora- el edificio más alto del mundo. He encontrado este vídeo en You Tube realizado sobre su punto más alto...

http://www.youtube.com/watch?v=oWVLzVhnYE0

Éste otro no es de ningún edificio, pero -por lo menos- te ríes un rato. Que, tal y como están las cosas, no es ninguna tontería.

http://www.youtube.com/watch?v=MKBLFRoUgKU

UNA CIUDAD DE COLORES

2009-11-15T22:02:00.011+01:00

Al entrar en muchas de nuestras ciudades atravesamos los barrios periféricos que, en la mayoría de los casos, se caracterizan por sus altas y grises torres de pisos. Es indudable el efecto que tiene el color en nuestra apreciación de la realidad que nos rodea. Eso es lo que debieron pensar los ciudadanos de Ramenskoye, una ciudad rusa situada a unos 50 km al sur de Moscú, al tomar consciencia de lo anodinos que eran sus severos bloques de viviendas de factura soviética. Así que decidieron "dar un vuelco" a su paisaje urbano gracias a, simplemente, una nueva capa de pintura. Os traigo unas cuantas fotografías del aspecto actual de la ciudad:

NOVIEMBRE

2009-11-07T19:00:00.008+01:00

Tradicionalmente, el mes de noviembre está especialmente dedicado a la memoria de los difuntos. Aunque vivimos inmersos en la asimilación de tradiciones tan ajenas como Halloween, todavía se conservan -por estas tierras- las visitas a los camposantos para adecentar sepulturas y recordar a nuestros seres queridos. Mientras estemos aquí para recordarlos, no desaparecerán.

Los cementerios no son, por regla general, un lugar muy agradable en el que pasar la tarde. Si bien, más tarde o más temprano, terminamos visitándolos de una forma u otra. De todas maneras, cuando he visitado el camposanto sevillano -el Cementerio de San Fernando- no he podido dejar de fijarme en la cantidad y calidad de escultura funeraria que en él se encuentra. Es como un museo al aire libre, museo no exento de leyendas y tradiciones como es habitual en la capital hispalense.

Preside este singular recinto el llamado "Cristo de las Mieles", obra del insigne escultor sevillano Antonio Susillo (1857-1896). La tradición nos cuenta que, poco después de ubicarlo en la rotonda en la que se encuentra (1880), empezó a brotar de su boca tal cantidad de miel que llegó a cubrirle gran parte del pecho, dando la sensación que se trataba de sangre. Una vez descubierto el panal construido en la boca de la imagen de bronce, el misterio quedó resuelto. Sin embargo, lo que todavía no ha quedado del todo claro son las circunstancias que propiciaron la muerte del escultor. El caso es que, Antonio Susillo, el gran escultor formado en París y Roma, ganador de numerosos premios por la gran calidad de su obra, gran parte de la cual se conserva en la calles sevillanas, se suicidó con una pistola junto a las vías del ferrocarril en la más completa de las soledades un frío 22 de diciembre. Sólo tenía 39 años.

La tradición añade que fue enterrado en terreno sagrado gracias a la realización de este magnífico Crucificado, a los pies del cual descansa.

LLUVIA

2009-11-02T00:01:00.004+01:00

http://www.youtube.com/watch?v=rvngZLF7dUs

Curioso el vídeo que me ha enviado mi amigo Víctor. De seguir el tiempo tan veraniego como está, me temo que la lluvia como no sea de ésta manera, no sé si...

EL ÁLBUM DE ARGENTINA

2009-10-30T21:41:00.026+01:00

Hoy, justo cuando estaba saliendo del Instituto, he recibido la llamada de mi buen amigo Javi. Me comentaba que estaba en una reunión de amigos del colegio, que terminamos allá por 1989, y me preguntaba si acudiría. Aunque ya conocía la fecha y lugar de la reunión por correo electrónico, no he podido ir por motivos familiares. El caso es que siempre que nos reunimos, en algún momento nos acordamos del viaje a Argentina. Este mes se han cumplido 21 años de aquel curioso e inolvidable viaje. Todo comenzó como un juego, ya que nuestro colegio (Tabladilla) participaba -junto a varios centros de Sevilla- en un concurso (con motivo de la entonces próxima Exposición Universal, que se celebró en Sevilla en 1992) organizado por la desaparecida empresa sevillana Ecovol (grandes almacenes) y que era retransmitido en directo por la cadena de radio Cope. Nuestro equipo estaba dividido en varios temas, que si no me falla la memoria eran: Historia de América, Historia de Sevilla e Historia de las Exposiciones Universales, además estaba el "equipo volante", compuesto por Javi, Juan (que el fin de semana pasado bautizó a su precioso hijo Juan en la Catedral de Huelva) y un servidor. Nuestro cometido era, sin duda, el más divertido de todos: teníamos que localizar lugares, monumentos o descifrar los acertijos del presentador del concurso a bordo de un coche de la emisora de radio por la calles de Sevilla.

Así que llegamos a la final y ganamos. Aunque para ello nos tuviéramos que disfrazar de indio (Juan), hermano Pinzón (Javi) y rey católico (el que escribe). De esta "güisa" conseguimos el que -para la mayoría de nosotros- constituía el primer viaje fuera de nuestras fronteras. Fue la primera vez que me subí a un avión... ¡durante más de once horas!

Llegada al aeropuerto de Ezeiza, Buenos Aires.

El destino (Argentina) y la duración del viaje (once días) se planteaba como toda una aventura, una aventura tutelada muy de cerca por nuestros profesores, siempre atentos a que nada minara nuestra sólida formación católica. Si bien, no pudieron evitar algún que otro episodio del que nunca tuvieron, ni tendrán, noticia. Aunque no esté de acuerdo con las ideas del colegio, con el tiempo he aprendido a respetarlas y me quedo con lo mejor: mis amigos. Además del grato recuerdo de varios profesores muy particulares.

La calle Caminito, en el bonaerense Barrio de la Boca.

Durante esos once días (desde el 9 al 19 de octubre de 1988) visitamos Buenos Aires, Luján y las impresionantes cataratas del río Iguazú. De Buenos Aires me impresionó su enorme tamaño, la gigantesca avenida 9 de julio, la Plaza de Mayo con la famosa Casa Rosada... pero lo que más me gustó fue la forma en que nos recibieron los argentinos que, siempre al averiguar de dónde veníamos, nos trataban con un cariño y afecto encomiables.

Delta del Tigre

El viaje parecía formar parte de algún guión de cine, ya que nos recibieron en el diario "La Nación", en una emisora de televisión y hasta en la Embajada. Aunque no recuerdo el nombre de la emisora de televisión, sí recuerdo una conversación que tuvo con nosotros el amable embajador. Nos contaba cómo unos emigrantes epañoles habían construido una piscina en su asociación y del tiempo que habían tardado en conseguir los recursos necesarios. Hasta aquí nada extraordinario, a no ser porque habían decidido que la forma de la piscina fuera ¡el mapa de España!. Si bien no les resultaba muy idónea la forma para hacer competiciones, estaban muy orgullosos con su obra.

Asado criollo en plena Pampa

Visita al diario "La Nación"

Creo que era en Luján donde pudimos ver el famoso avión "Plus Ultra" dentro de un magnífico museo dedicado a la aviación. Pero, lo que más recuerdo son las cataratas del Iguazú. Curiosamente, durante nuestra estancia proyectaban en el Hotel "La Misión", magnífica película protagonizada por Jeremy Irons y Robert de Niro y ambientada en el mismo escenario en el que nos encontrábamos. Eso sí, para evitar emular a los jesuitas de la película, nos advirtieron de todas las clases de serpientes y otros muchos seres que poblaban aquella selva, llena de inumerables e inquietantes sonidos y de unos mosquitos cuyo tamaño nunca he vuelto a ver, a Dios gracias. Son muchos los recuerdos que guardamos del viaje, pero, lo mejor de todo, es poder seguir contando con personas tan especiales como Ángel Luis, Javi, Juan o Pablo Ángel, amigos con los que no sólo comparto el viaje, sino casi todos mis recuerdos desde que tengo memoria. A todos los que fuimos les dedico la entrada y, especialemente, al buen amigo que me recordó con su llamada de hoy tan buenos momentos, instantes que guardo en el -para nosotros- famoso "Álbum de Argentina".

La "Garganta del Diablo"

Puente Internacional "Trancredo Neves". Argentina a la izquierda, Paraguay en el centro y Brasil a la derecha.

El embajador de España en Argentina, D. Raimundo Basols, nos recibió el 12 de octubre.

EL TRONO DEL REY

2009-10-25T02:21:00.033+02:00

Hace unos años, recorriendo los interminables pasillos de un gran centro comercial sevillano, me encontré con dos ejemplares de la famosísima silla Barcelona diseñados por el no menos famoso arquitecto Ludwing Mies van der Rohe (1886-1969) en colaboración con la diseñadora Lilly Reich. Las dos sillas (según el diccionario no son sillones al carecer de brazos) estaban acompañadas de un taburete del mismo diseño que -tapizado en blanco- hacía juego con una de ellas, la otra era igual a la imagen que encabeza la entrada. Aunque conocía la historia de tan sigular diseño, un auténtico "icono" del siglo XX, me extrañó mucho verlo rodeado de muebles de dudoso diseño de recargadas maderas brillantes e inalcanzable presupuesto. Recuerdo que pensé que bien se podía emplear la famosa frase del crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1945) del Salón de Otoño de 1905, que -al ver las obras de Matisse, Derain, Vlaminck o Camoin rodeando a una escutura de corte renacentista- exclamó: "¡Donatello entre las fieras!", de ahí el término fauvista derivación de fauves, fieras en francés. En esta ocasión, las fieras eran verdaderas y no creo que inicien ningún movimiento artístico. De todas formas, gracias al "hallazgo" pude comprobar lo confortable que es.

La silla Barcelona es, junto al sillón Wassily de Marcel Breuer, quizá el mueble más famoso de todos los diseñados en el s. XX. Se creó como único mobiliario para el Pabellón Alemán de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. El Pabellón es un auténtico "manifiesto" de las ideas constructivas del arquitecto alemán que sería el último director de la Bauhaus (concretamente desde 1930 hasta 1933) hasta que los nazis cerraran la escuela acusándola de "peligrosa plaga antialemana" y de "bolchevismo cultural". Nada que ver con el Pabellón alemán para la Exposición Internacional de París de 1937 del -entre otras muchas y horribles cosas-arquitecto nazi por excelencia: Albert Speer.

Pabellón de Alemania en la Exposición Internacional de París de 1937

Volviendo a las postrimerías de la República de Weimar, nuestro Mies recibe el encargo de la construcción del pabellón un año antes de encargarse de la dirección de la Bauhaus. El proyecto se realiza para la construcción de un edificio, en principio, protocolario destinado a recepciones oficiales de las autoridades alemanas. Las dos flamantes sillas Barcelona del pabellón estaban destinadas al rey Alfonso XIII y su esposa, Victoria Eugenia. Pero el edificio es, en sí, la gran aportación alemana a una exposición dedicada a la industria, al deporte y al arte. Aparte de nuestra protagonista, el pabellón contaba con una escultura del escultor alemán Georg Kolbe: La mañana.

El Pabellón original de 1929

El espacio del pequeño pabellón, cuidadosamente emplazado, se concibe de una forma nueva dentro de la organización geométrica. Se relacionan espacios cubiertos y abiertos al cielo como parte de un espacio total. Sobre ocho pilares cruciformes cromados se alza la cubierta plana del espacio principal. La articulación del espacio se logra mediante el inteligente uso de paredes de cristal y aplacados de piedra natural, formando estrechos corredores laterales que comunican el espacio principal cubierto a dos patios, principal y secundario, con estanques. Según Werner Müller y Gunther Vogel (Atlas de arquitectura, vol.2. Del Románico a la actualidad. Ed. Alianza,1997. pág. 521.): "se origina un juego irracional de superficies verticales y horizontales que no interpenetran y dejan fluir el espacio intermedio. Para el interior y el exterior tiene validez el mismo principio. La masa cerrada ya no existe. La relación del espacio interior con el exterior ya no está determinada por delimitaciones y ejes fijos. El espacio edificado se abre en varios lados y carece casi de dirección, como el espacio natural."

Desmontado al finalizar la Exposición, fue reconstruido en su emplazamiento original por el Ayuntamiento de Barcelona. Oriol Bohigas impulsó la iniciativa en 1980 e Ignasi de Solà-Morales, Cristian Cirici y Fernando Ramos fueron los arquitectos designados para la investigación, el diseño y la dirección de la reconstrucción del Pabellón. Los trabajos se iniciaron en 1983 y el nuevo edificio se inauguró en 1986.

Nuestra silla sigue fabricándose por la empresa Knoll, con las claras especificaciones de Mies y tras un ajuste en el diseño en 1950 para "su fabricación en masa". Particularmente, no creo que existan muchas personas dentro de esa "masa" que puedan pagar los casi 3000 euritos de la versión oficial más económica, aunque siempre se puede recurrir a las réplicas que, desde 600 euros, se pueden encontrar en la red. Aunque tampoco es un precio de "ganga", hay que considerar que no es una silla cualquiera, en palabras de su diseñador al concebirla pensó en "una silla importante, una silla muy elegante y costosa. Tenía que ser monumental. No podía usar simplemente una silla para la cocina". Concretamente, el precio de las dos sillas (por cierto, no eran "oficiales") que os refería al principio fue bajando desde los 3000 euros hasta los 1800, precio por el que vendieron la tapizada en negro hace unas semanas, tanto la tapizada en blanco como su taburete compañero se vendieron el año pasado. Pensé varias veces en comprar una (en cómodos plazos, por supuesto), pero, estando las cosas como están, mejor esperar a que nos toque la lotería...

Página de la Fundación Mies van der Rohe de Barcelona:
http://www.miesbcn.com/

Página de Knoll:
http://www.knoll.com/products/product.jsp?prod_id=577

¿Cómo reconocer una auténtica "silla barcelona"?

http://www.youtube.com/watch?v=lMLOKc-p1M4

Reconstrucción virtual del Pabellón alemán

http://www.youtube.com/watch?v=QuLV_5VgYDk

Una visita al pabellón reconstruido

http://www.youtube.com/watch?v=S_F1uWQu_xw

COLECCIONISTA KANE

2009-10-18T01:03:00.048+02:00

Hace unos días pude ver un interesante y triste documental en la televisión sobre la curiosa historia de dos monasterios cistercienses españoles: Santa María de Óvila y Santa María la Real, ambos datan del siglo XII y se encontraban, respectivamente, en Trillo (Guadalajara) y en Sacramenia (Segovia). Aunque todavía quedan algunos restos del primero y una gran parte del segundo (incluyendo su magnífica iglesia), la mayor parte de los dos monasterios fueron vendidos, desmontados y trasladados a Estados Unidos a mediados de los años veinte del siglo pasado.

Santa María de Óvila, cuando estaba en Trillo

Gracias a la corrupción reinante -y nunca mejor dicho- en la Dictadura del general Miguel Primo de Rivera que, con el apoyo del rey Alfonso XIII, gobernó España desde 1923 hasta 1930 fue posible que William Randolph Hearst (1853-1951) -el “Ciudadano Kane” de Orson Welles- comprara las venerables piedras cistercienses para embellecer su californiano Castillo de San Simeón. En 1931, el Gobierno de la República declara monumentos nacionales a dos edificios que ya no estaban en España.

Estado actual de Santa María de Óvila

Los dos monasterios observaron un largo reposo en unos almacenes del puerto de Nueva York convenientemente embalados (el de Sacramenia, con sus cerca de 36.000 piedras ocupaba 10.571 cajas). Entre que las cajas guardaron una cuarentena de tres años -por temor a que la paja del embalaje propagara la fiebre aftosa- y que la Gran Depresión de 1929 afectó en gran medida a los negocios del magnate de la prensa, nunca se llegaría a reconstruir ninguno de los dos monasterios. Como curiosidad, del marchante de Hearst en España -Arthur Byne (1884-1935)- dijo la prensa española, al fallecer en un accidente automovilístico, que era “una verdadera pérdida para el arte español”.

Estado actual del claustro de Sacramenia en Estados Unidos

Actualmente, el claustro, la sala capitular y el refectorio de Santa María la Real se conservan en Miami (Florida), es propiedad de la Iglesia Episcopal St. Bernard de Clairvaux y está destinado, principalmente, a la celebración de bodas y banquetes. La iglesia y la cilla, aunque de propiedad privada, continúan en Segovia.
Santa María de Óvila corrió peor suerte y después de varias décadas de olvido, diseminadas sus piedras en un parque público de San Francisco, una comunidad cisterciense lo está reconstruyendo -con muchas dificultades- en California. Al igual que con el monasterio de Sacramenia, al final de la entrada tenéis el enlace a su página.

Reconstrucción del Claustro de Óvila. Dado el pésimo estado de conservación de muchas piedras, se hacen copias cuando es imposible su uso. Actualmente, gran parte del monasterio "descansa" todavía en el Parque Golden Gate. Algunas piedras forman parte de un curioso estanque... eso sí, ¡un estanque del siglo XII!

William Randolph Hearst, es un personaje de nefasta memoria para España, y no solo lo afirmo por sus “compras” de arte español sino por su papel en la Guerra de Cuba, cuya filosofía nos resume él mismo:“Si no pasa nada, tendremos que hacer algo para remediarlo: inventar la realidad”. En fin, si los españoles no hundieron el “Maine”, Hearst logró que así fuera… por lo menos por un tiempo, el suficiente para vender muchos periódicos. Mencionaros que, el personaje, no tenía especial interés en el arte español ni en el de otro país, solamente le interesaba atesorar compulsivamente objetos, cuantos más, mejor. Algunas obras nunca llegaron a salir de sus embalajes, al igual que nuestros dos monasterios protagonistas.

Investigando un poco en la red, he encontrado un interesante artículo firmado por Josefa Paredes donde detalla las dimensiones del expolio de Arthur Byne para el señorito Hearst. Os reproduzco parte del artículo y unas cuantas fotografías de las obras, que he encontrado "buceando" en internet. Al final de la entrada os pongo los enlaces por si queréis conocer más cosas sobre estas obras.

“EL BOTÍN DE BYNE:
CONVENTO DE SAN FRANCISCO DE CUELLAR (SEGOVIA). Fue desmembrado entre 1907 y 1927 con la participación de Byne. Algunas de sus partes se encuentran en la Hispanic Society de Nueva York y otras se utilizaron en la reconstrucción del monasterio de Sacramenia, en Miami.

Sepulcro de Gutierre de la Cueva, Conde de Pernía y Obispo de Palencia,

obra de Vasco de la Zarza.

Actualmente, se conserva en la Hispanic Society of América (Nueva York)

CASTILLO DE BENAVENTE (ZAMORA) . Byne vendió a Hearst en 1930 parte de su estructura gótica. Actualmente su paradero es desconocido.

REJA DE LA CATEDRAL DE VALLADOLID. Arthur Byne se la vendió a Hearst en 1922. Nunca llegó a usarla. En 1956 se vendió al Metropolitan de Nueva York, que la instaló, después de mutilarla convenientemente para que cupiera. Puede visitarse allí.

CATEDRAL DE SEO DE URGEL (LÉRIDA). Uno de sus arcos de jaspe rojo se encuentra en el Castillo de San Simeón, en California. También la sillería del coro, que Hearst instaló en su comedor.

COLECCION DE ARTE DEL CONDE DE LAS ALMENAS. Byne se la llevó a Estados Unidos con la excusa de montar una exposición y después la vendió. Sus artesonados y mobiliario están desperdigados en ese país.”

El curioso “caso” del Palacio del Canto del Pico, edificio que se construyó para albergar esta colección, lo reservaré para otra entrada.

En el Castillo de San Simeón se encuentran, además, más de 80 artesonados españoles. Parte de la impresionante colección de Hearst se encuentra allí, merece la pena visitar su página (al final de la entrada) y entrar en la visita virtual. De todas maneras, y aunque el patrimonio español ha sido, está siendo y será objeto de expolio éste queda lejos del sufrido por Grecia, Egipto o Iraq. Países a donde me encantaría que retornaran el friso del Partenón, la piedra de Rosetta o la famosísima puerta de Ishtar, respectivamente. ¿Qué sería del Museo Británico, del berlinés Museo de Pérgamo o del Louvre si devolvieran todo lo expoliado?. Mirando un poco en casa, menos mal que los reyes españoles formaron sus colecciones con obras adquiridas, por regla general, legalmente.

Castillo de San Simeón, una de las residencias de Hearst

Artículo de Josefa Paredes en "El Mundo": "El americano que expolió España"
http://www.elmundo.es/papel/2005/12/04/cronica/1898003.html

Sobre la reja del coro de la Catedral de Valladolid

http://domuspucelae.blogspot.com/2009/07/historias-de-valladolid-la-reja-de-la.html

Página del Monasterio de Óvila en Vina (antes Viña), California (EE.UU), actualmente Abbey of New Clairvaux

http://www.sacredstones.org/

Historia de Santa María de Óvila desde su llegada a EE.UU. (en inglés)

http://www.sacredstones.org/PDF/hist_ovila.pdf

Página del Monasterio de Santa María la Real en Miami, Florida (EE.UU.), actualmente St. Bernard de Clairvaux Church

http://www.spanishmonastery.com/

Fotografías de España y obras publicadas de Arthur Byne

http://www.uclm.es/CECLM/fotografia_hispanic/fotografos/byne.htm

Página oficial del Castillo Hearst

http://www.hearstcastle.com/

LA CÁMARA LÚCIDA DE KEPLER

2009-10-10T23:31:00.029+02:00

El matemático y astrónomo Johannes Kepler (1571-1630) es famoso, principalmente, por sus tres leyes que describen el movimiento de los planetas (publicadas en 1609 en su obra "Astronomia Nova"). Menos conocidas son sus aportaciones a la óptica, investigaciones de las que -por cierto- me beneficio personalmente como miope que soy: fue el primer científico en describir el diseño de las lentes para miopía e hipermetropía. También fue el primero en explicar el uso de ambos ojos en la percepción de la profundidad o que las mareas son causadas por la Luna, además de ser quien emplea por primera vez el término "satélite" entre otras muchas cosas.

Pero, no es mi intención adentrarme en el mundo matemático del, según Carl Sagan, "último astrólogo científico y primer astrofísico" de la historia. Lo que me ha llevado a escribir éstas líneas es la aportación a la disciplina del dibujo del científico alemán. En 1611 Kepler publica "Dióptrice", donde hace una descripción exacta de la "cámara lúcida". La cámara lúcida es un instrumento o máquina para dibujar "y consiste, fundamentalmente, en la utilización de un prisma de vidrio con reflexión total, de forma que la imagen aparece reflejada sobre un papel en donde el dibujante puede recorrer con un lápiz los contornos y las líneas de las figuras". "El fundamento de la cámara es elemental: suponiendo un vidrio plano inclinado a 45º sobre el papel situado en una mesa en posición horizontal; mirando por encima del cristal la imagen reflejada de un objeto lejano se verá proyectada sobre el papel, gracias a la transparencia del vidrio, pudiendo seguirse con un lápiz la imagen allí reflejada."(*). Sin embargo, la invención de la cámara lúcida de Kepler permaneció en el olvido más absoluto hasta que, casi doscientos años después, William Hyde Wollaston (1766-1828) la patentase como invención propia (más concretamente, el 4 de diciembre de 1806).

Esquema de funcionamiento de la cámara lúcida.

Aplicación de la cámara.

Es decir, que gracias a una precisa colocación de un prisma de cristal entre el ojo y una hoja de papel, podemos "calcar" una imagen virtual sobre el papel (por cierto que nuestro amigo Kepler también fue el primero en emplear el término "imagen virtual"). El principal inconveniente de la cámara lúcida es conseguir enfocar correctamente nuestro ojo, para poder ver tanto la imagen virtual a dibujar como nuestro lápiz. Además, debemos mantener la postura correcta para que la imagen no desaparezca al variar el ángulo de visión sobre el prisma, por lo que hay que dibujar deprisa. El artista "pop" inglés David Hockney (n. 1937) nos describe sus experiencias con la cámara lúcida: "... La cámara clara no es fácil de usar. Básicamente es un prisma sobre una vara que crea la ilusión de una imagen de cualquier cosa que esté enfrente de él sobre un trozo de papel debajo. La imagen no es verdadera; de hecho no está en el papel, sólo parece estar allí. Cuando se mira a través del prisma desde un único punto se puede ver a la persona o el objeto que está enfrente y el papel debajo al mismo tiempo. Si se usa la cámara clara para dibujar también puede verse la mano y el lápiz haciendo marcas en el papel. Pero sólo uno sentado en la posición correcta, puede ver esas cosas, nadie más es capaz de verlas. Puesto que es portátil y puede llevarse a todas partes, la cámara clara es perfecta para dibujar paisajes. Pero hacer retratos es más difícil. Debe usarse con rapidez, porque una vez que el ojo se ha movido, la imagen está perdida. Un artista habilidoso puede hacer apuntes con rapidez, indicando los puntos clave de las características del tema. En efecto, es un rápido avance del proceso de medición normal que tiene lugar en la cabeza de un buen delineante, pero que por lo general requiere mucho más tiempo. Después de haber hecho estos apuntes, comienza el duro trabajo de observación desde el natural y de pasar las indicaciones a una forma más completa. Yo mismo traté de usar la cámara clara durante un año y con ella dibujé cientos de retratos..."(*)

David Hockney dibujando con una cámara lúcida.

Dibujo de Hockney empleando la cámara lúcida, 1999.

Hockney cree que los dispositivos ópticos provocaron una auténtica y secreta "revolución" durante el siglo XV, y que fueron muy importantes para el desarrollo de la pintura. Lo cual es -hasta cierto punto- posible, pero no a los límites a los que los lleva el artista inglés. Esta controvertida y polémica teoría (yo, particularmente, disiento al ciento por ciento) se publica en 2001 en "Secret knowledge ". Sobre el particular, os traigo un interesante enlace a la revista digital "Escáner Cultural": http://revista.escaner.cl/node/878
Sobre el aspecto de una cámara lúcida, he encontrado unas cuantas fotografías de una fabricada por la casa Holbein :

Si os interesa, también he encontrado una página web donde, por 148 euros, podéis comprar una cámara lúcida: http://www.cameralucida.org.uk/

Para terminar, una estimulante cita del gran científico alemán: "No nos preguntamos qué propósito útil hay en el canto de los pájaros, cantar es su deseo desde que fueron creados para cantar. Del mismo modo no debemos preguntarnos por qué la mente humana se preocupa por penetrar en los secretos de los cielos... La diversidad de los fenómenos de la Naturaleza es tan grande y los tesoros que encierran los cielos tan ricos, precisamente para que la mente del hombre nunca se encuentre carente de su alimento básico."

Johannes Kepler. "Mysterium Cosmographicum ", 1596.

(*) En la redacción de esta entrada he tenido la imprecindible ayuda del libro: Gómez Molina J.J. (coord.) "Máquinas y herramientas de dibujo". Editorial Cátedra. Madrid 2002. Más concretamente, el capítulo segundo firmado por Lino Cabezas.

RASCACIELOS

2009-10-03T20:43:00.013+02:00

Hoy os traigo una curiosa página donde podréis encontrar casi 2000 edificios de todo el mundo con un denominador común: su gran altura. http://skyscraperpage.com/ Los edificios se pueden encontrar por continentes, países o ciudades, así he encontrado los rascacielos sevillanos:

http://skyscraperpage.com/diagrams/?cityID=915

Actualmente, el edificio más alto del mundo es la "Burj Dubai" (Torre Dubai), que se inaugurará en diciembre de este año. El edificio, diseñado por el estadounidense Adrian D. Smith, tiene la nada despreciable altura de 818 metros y se incluye dentro de un complejo residencial y comercial que cuenta con, entre otras muchas cosas, un lago artificial de 12 hectáreas y 19 torres residenciales. Un par de imágenes para haceros a la idea:

Pero la fama es efímera, así está proyectado el inicio de las obras del Forum Baf para 2010 en Buenos Aires. Ideado para conmemorar la Independencia de Argentina -de la que se cumplen 200 años en 2010- el proyecto de Julio Torcello se desarrollará sobre seis plataformas de 55 hectáreas a cinco kilómetros de la costa y tendrá una altura máxima de 1000 metros, contando con 200 plantas. En principio, terminarán las obras para el 2016.

También para el 2010, está previsto el inicio de las obras del edificio que sucederá a la gran empresa argentina: la Torre Nakheel. El proyecto que concluirá en 2020 cuenta con una gigantesca torre de 1400 metros y se edificará en Dubai. De todas formas, algo me dice que no tardará en perder el título de "edificio más alto del mundo"...

DULCINEA SURREALISTA

2009-09-27T13:05:00.061+02:00

Estos días de septiembre son, en un Instituto de secundaria como en el que trabajo con más de mil alumnos y casi cien profesores, un auténtico lío: a la corrección de los exámenes de septiembre se unen todos los problemas propios de la organización de un nuevo curso, con las listas de los chavales, el "temido" horario, la distribución de las aulas... además de la alegría por el reencuentro con los compañeros y la tristeza por la falta de varios de ellos, que este año imparten clases en otros centros más cercanos a sus residencias o -todo lo contrario- en el centro de Europa. Y la ilusión -siempre renovada- de conocer a nuevos compañeros, alumnos y de acometer nuevos proyectos. Aunque todavía queda mucho por hacer, una vez "medio encauzado" el curso, vuelvo a actualizar el blog con una auténtica aventura que une dos de mis grandes aficiones: viajar y la vespa. Y si, además, el viaje es en vespa y D. Salvador Dalí está implicado en ello, mejor que mejor.

Los protagonistas: Dulcinea (una vespa 150 nuevecita), Santiago Guillén y Antonio Veciana (estudiantes de Derecho de apenas veinte años y muy buenos amigos). El reto: dar la vuelta al mundo en vespa en 79 días (uno menos que Phileas Fogg -por aquello del orgullo español- y siguiendo su misma ruta) y el año: 1962.

La idea del viaje surge en la mente de estos dos albaceteños tras ver “La vuelta al mundo en 80 días” (entretenidísima película de 1956 protagonizada por David Niven y Cantinflas, ganadora de cinco “oscars” y dirigida por Michael Anderson). Una vez tomada la decisión de emular el viaje del aristócrata inglés descrito por Julio Verne, comienza la ardua tarea de planificar el sueño, lo que les llevaría dos años y medio. Hay que tener en cuenta los condicionantes de la época: infraestructuras que dejaban mucho que desear, la búsqueda de mapas de carreteras (no tenían GPS, Internet y mucho menos teléfonos móviles) etc, etc. Un viaje de tales características bien podíamos calificarlo de "surrealista", y nadie mejor que Dalí para apadrinar semejante hazaña. Así que, un par de semanas antes de partir, Santiago y Antonio conciertan una cita con el pintor para entrevistarse en la residencia de Dalí en Cadaqués, quien accede de muy buen grado a personalizar a Dulcinea. El viaje desde Madrid a Cadaqués les serviría de entrenamiento. Una vez en Cadaqués, son recibidos por Gala quien les conduce hasta Dalí que pinta sobre los cófanos de la moto su nombre y el de su inseparable esposa bajo la atenta mirada de un gran oso disecado.

La ruta comenzaría partiendo desde Madrid hacia la frontera francesa camino de Italia hasta embarcar Brindisi, rumbo a Atenas. Desde la capital helénica a Estambul para dirigirse a Irán, Afganistán, Pakistán y la India. Desde Calcuta -haciendo escala en Hong Kong y Honolulu- a San Francisco, en Estados Unidos, el viaje se realizaría en avión, por lo que tuvieron que realizar numerosas gestiones con varias compañías aéreas. Partiendo de San Francisco atravesarían Estados Unidos a lomos de Dulcinea hasta Nueva York, desde donde atravesarían el Atlántico hasta Londres nuevamente en avión. Desde Londres hasta Dover para tomar el “ferry-boat” con destino a la ciudad francesa de Boulogne. Y, por último, desde Boulogne a París, donde comenzaría el “descenso” hasta Madrid, pasando por Irún, San Sebastián y Burgos.

Dadas las carecterísticas sociales y políticas de la época en España (dictadura del General Franco), no es de extrañar que nuestros intrépidos aventureros no sólo pertenecieran a asociaciones propias del franquismo sino que, además, éstas mismas asociaciones les apoyaran e impulsaran a realizar este "quijotesco viaje", como ellos mismos lo denominan en el libro "En 79 días. Vuelta al mundo en vespa" (reeditado en 2005 por la editorial Dossat y que me ha servido de imprescindible fuente de documentación para esta entrada). De tal forma que cuentan con el apoyo del Ministerio de Asuntos Exteriores, de la Delegación Nacional de Juventudes y la de Educación Física y Deportes, el Ayuntamiento de Madrid (cuyo alcalde, el conde de Mayalde, les entrega cartas de presentación para cada alcalde de todas las capitales de las naciones que visitarían) e, incluso, del ejército estadounidense que les facilitaría el transporte aéreo, aunque no pudo materializarse por la crisis de los misiles cubanos. Solo dos compañías aéreas podían realizar los viajes que necesitaban, finalmente se realizaron con B.O.A.C.

Tampoco es de extrañar, que el viaje se bautizara como "Operación El Cano". Es muy curioso leer el prólogo a la edición de 1964, firmado por Miguel Primo de Rivera.

También contaban con la ayuda de Piaggio. Tuvieron la suerte de contactar y recabar el apoyo de Paola Piaggio -esposa de Enrico Piaggio uno de los "padres" de la vespa junto al ingeniero Corradino D´Ascanio- quien les pone en contacto con la dirección de la empresa en España. Además de entregarles una vespa 150 nueva (Dulcinea), la empresa se comprometió a facilitarles recambios, cartas de presentación para sus delegaciones y Vespa-clubs. Un mes de formación en los talleres mecánicos de Piaggio en Madrid completan con "un plan total contra las averías" las preparaciones previas al viaje.

Parten el 25 de julio, festividad de Santiago Apóstol (Patrón de España), desde la Delegación Nacional de Juventudes de Madrid, con un voluminoso equipaje donde se mezclan ropa, planos de carreteras, recambios, cámara de fotos y gasolina de reserva con navajas de Albacete y 300 banderines de España. La idea es regresar el 12 de octubre, festividad de la Virgen del Pilar y día de la Hispanidad, completando los 79 días programados.

Las "miles" de peripecias y anécdotas que les ocurrieron quedan magníficamente reflejadas en el libro del viaje que antes os comenté. Como sería una entrada interminable si las transcribiera, es mejor que las leáis "de primera mano". Además de algunas fotos del viaje, que ilustran la entrada, unas de las cosas que más me ha gustado del libro es la gran humanidad de sus protagonistas que bien puede reflejarse en esta frase: " Descubrimos que hay un denominador común en todo el mundo: la sonrisa y la mirada, que en los doce países nos parecieron igual". No hay nada mejor para destruir los tópicos y las ideas preconcebidas que conocer otros países, otras culturas y, por supuesto, el contacto con otras personas.

Entrada triunfal en Madrid, escoltados por la policía. 12 de octubre de 1962.

Actualmente solo vive Antonio Veciana (con gafas en las fotografías), quien recuerda con mucho cariño a Santiago Guillén, quien falleció en 1972. Respecto a Dulcinea, que adoptó ese nombre por el origen manchego de los dos estudiantes, una vez finalizado el viaje fué vendida a Piaggio por 100.000 pesetas, dinero que Santiago y Antonio donaron a la Delegación Nacional de Juventudes para financiar un concurso de aventuras destinado al público juvenil y que se convocó en las páginas del diario "Pueblo". Piaggio conserva a Dulcinea en perfecto estado en su museo de Pontedera (en la carretera que une a Florencia con Pisa), y que podéis visitar en el siguiente enlace: http://www.museopiaggio.it/ (dentro de "Collezione Vespa", buscad "Vespa Dalí, 1962").

La aventura de Santiago y Antonio la descubrí hace, relativamente, poco tiempo. Aunque hay otros viajes insólitos que conozco desde hace más tiempo. Concretamente, la increíble vuelta al mundo en solitario del argentino Emilio Scotto que recorrió 232 países sobre su Honda Goldwing -"La princesa negra"-, aventuras que devoraba por entregas semanales en la revista "Motociclismo" en mis años mozos. O los viajes del italiano Giorgio Bettinelli, que recorrió más de 250.000 kms desde 1992 a 2001 con dos vespas, una PX150 y una Px 200. Dejo para otras entradas estos viajes, aunque no me resisto mostraros algunas fotografías de mis viajes con mi vespa, una PX 200 "iris" de 1986. Por supuesto que no tienen el "glamour" de las aventuras que os he comentado pero, cuando los realicé, estos pequeños viajes cerca de Sevilla suponían, para mí, toda una aventura.

Acampando en Jerez de la Frontera. Gran Premio de Motociclismo de 1990.

El Peñón de Gibraltar desde La Línea de la Concepción en 1990.

Verano 1991

En El Rocío, 1991.

Todavía conservo y cuido mi vespa, que -a sus 23 años- luce como nueva. Para finalizar os traigo una foto de hace un par de semanas de mi particular "Dulcinea" o "Princesa Roja", con mis dos tesoros: Ángela (que conduce) y Rocío.

ACTUALIZACIÓN (19-XI-2009): Gracias al comentario de Amalia Guillén (hermana de Santiago), os traigo un enlace a una carta escrita por Enrique Guillén sobre un reportaje que -sobre la aventura- se realizó en el programa "Tal como somos" de la Televisión de Castilla-La Mancha. La carta "Ignorancia y censura en la TV de Castilla-La Mancha", es una buena muestra de hasta dónde puede llegar la incultura.

http://www.laverdad.es/albacete/20090802/opinion/ignorancia-censura-castilla-mancha-20090802.html

FALSAS APARIENCIAS

2009-08-27T10:17:00.026+02:00

Una de mis escenas preferidas de la película "La huella" (su título original es "Sleuth"), es cuando Milo Tindle (Michael Caine) pone a prueba los nervios y la razón del escritor Andrew Wyke (Laurence Olivier) proponiéndole un juego morboso: descubrir cuatro pruebas ocultas en la casa de Wyke, que incriminan al escritor en el asesinato de su amante, crimen cometido -en principio- por Tindle. La primera prueba es una pulsera de cristal. Todos los objetos incriminatorios están ocultos sí, pero a la vista. Para encontrar la pulsera, Tindle le facilita una pista "miras a través de él pero no lo ves". Después de unos momentos de frenética y desordenada búsqueda, Wyke reflexiona: "Miras a través de él pero no lo ves... ¡ese es el truco!. Entonces, el único modo de ocultar algo transparente y convertirlo en invisible aunque... aunque esté a la vista es... es ponerlo dentro de otra cosa transparente..." Así descubre el objeto dentro del vaso que estaba utilizando Tindle. No os contaré mucho más de la película por si no la habéis visto, pero os la recomiendo. Es una obra maestra de Joseph Mankiewicz, estrenada en diciembre de 1972 y con dos únicos y grandes actores de reparto -Olivier y Caine- y la fantástica casa del escritor como escenario de una muy ingeniosa y divertida trama.

Hay otra gran película en la que podemos ver algo similar. En 1976 Alfred Hitchcock dirige su última película "La Trama" (original "Family Plot" y que en Hispanoamérica se tradujo como "Trama macabra"). Uno de los personajes es Arthur Adamson, (William Devane) un importante joyero, que se ¨distrae¨ aumentando su fortuna con secuestros por los que obtiene fuertes rescates, consistentes en piedras preciosas. Precisamente esconde los diamantes en la fabulosa araña de cristal que cuelga del recibidor de su casa. Así las piedras están perfectamente ocultas sin dejar de estar a la vista.

Pero es curioso cómo, más veces de las que creemos, estamos delante de algo sin verlo. Eso ocurre con el "desaparecido" alminar de la Mezquita de Córdoba. En varias publicaciones nos informan que, el actual campanario fue edificado por Hernán Ruiz III en el solar que ocupaba el antiguo alminar de Abd al-Rahman III. Sin embargo, gran parte del alminar se conserva... dentro de la torre actual.

Vista actual de la torre

En 1975, se publica "El alminar de Abd al-Rahman III en la mezquita mayor de Córdoba. Génesis y repercusiones" (editado por el patronado de la Alhambra de Granada). Constituye un auténtico legado póstumo del insigne profesor D. Félix Hernández Giménez (1889-1975). El estudio recoge las investigaciones efectuadas en la torre en la década de 1930, las cuales dirige bajo la constatación documental de la existencia del alminar dentro del campanario. El alminar fue edificado por el primer califa cordobés y se inauguró en el 952 -algunos autores adelantan la fecha a 946- para sustituir al de Hisham I cuya cimentación encontró D. Félix en el actual Patio de los Naranjos cordobés. La torre pudo alcanzar los 47 metros de altura por 8,5 m en la base y ofrecería el siguiente aspecto:

Reconstrucción del alminar según Hernández Giménez. Lo que subsiste aparece sombreado.

Lo que se conserva del alminar coincide con el primer cuerpo del actual campanario, otorgándole una visión decreciente. Interiormente se organizaba con dos cajas de escalera simétricas que desembocarían en la azotea del primer cuerpo. Según Hernández Giménez, la solución de las escaleras gemelas -única en su género- se debió a la falta de experiencia en la construcción de grandes alminares y al poco tiempo para su construcción (unos 13 meses), sin embargo para los cronistas musulmanes de la época era un elemento diferenciador que demostraba la superioridad de la arquitectura cordobesa, ya califal. Sea como fuere, es cierto que ni antes ni después se empleó esta solución ya que los grandes alminares almohades optan por una suave rampa que asciende helicoidalmente por el interior de la torre. Para alminares de menor envergadura, como la actual torre de la Iglesia del Salvador en Sevilla, tanto anteriores como posteriores se suele emplear una escalera de caracol.

Vista de uno de los tramos de escalera del alminar descubiertos a principios de la década de 1930

El huracán de 1589 destruyó el yamur que coronaba la torre (el mismo coronamiento que poseyó la Giralda y que actualmente conserva la Koutubia), de tal forma que, el Cabildo cordobés, encarga al arquitecto Hernán Ruiz III el diseño de un nuevo campanario que sustituyera el provisional edificado después del derrumbe. No es de extrañar el similar diseño del campanario cordobés en comparación con el realizado en la Giralda, ya que, además de estar construído por el padre del arquitecto, la Giralda sevillana sirvió de modelo a muchas torres andaluzas. Sin embargo el gran peso del nuevo campanario hace que aparezcan preocupantes grietas en el antiguo alminar lo que determina, ya avanzado el s.XVII, el macizado del interior ocultando escaleras y bóvedas además de la construcción de una nueva "epidermis" que recubre y oculta casi en su totalidad al alminar, ya que -según Hernández Giménez- el muro este, aledaño a la Puerta del Perdón, todavía se puede observar:

Aunque no era la intención primitiva de las obras del campanario, ellas ocultaron al alminar con otra torre y, gracias a ella, todavía se conserva en su interior. De haber aguantado las pesadas piedras renacentistas o si se hubiera ejecutado otro diseño más ligero, el actual campanario cordobés tendría una imagen bien distinta...

Para finalizar, un corto pero muy bonito vídeo sobre la capital cordobesa:

http://www.youtube.com/watch?v=HlsNL_wvaLE

EL "HOMBRE RÍO"

2009-08-23T10:29:00.011+02:00

Desde hace un tiempo sigo el blog "Entrete-Nido" (http://entrete-nido.blogspot.com/). Sé que lo publica un cordobés que -bajo el seudónimo (o "nick") de rojunson- nos introduce en un fantástico universo protagonizado por la inmortal ciudad de Córdoba. Aunque la mayoría de los contenidos son de la capital califal, podemos disfrutar de sus fotografías, dibujos, música, cómics... hasta las instrucciones de una interesante aplicación para el Google Earth: el "vuelo americano", fotografías aéreas de Andalucía de mediados del s. XX que se pueden cotejar con las actuales, es muy curioso lo que han crecido nuestras ciudades en las últimas décadas. Un rincón especial tienen los monumentos cordobeses representados por magníficas presentaciones en 3D, para muestra, un botón:

http://www.youtube.com/watch?v=Kg-6TYWFRhA

Lo último que he estado viendo es la curiosa historia de la escultura cuya imagen encabeza la entrada: el "Hombre Río". Recuerdo vagamente haber oído algo sobre el tema hace algún tiempo pero desconocía los avatares de tan singular obra. Una mañana de mediados de abril de 2006 apareció la escultura cerca del controvertido puente de Miraflores de la capital cordobesa. Nadie sabía quién la había instalado allí, no había ningún tipo de permiso oficial ni conocimiento por parte del Ayuntamiento. Nada sabían del tema ni la Junta de Andalucía, ni la Diputación, ni siquiera la Confederación Hidrográfica del Guadalquivir. Ni decir tiene que, la escultura, suscitó inmediatamente mucho interés entre los cordobeses con sus partidarios y detractores, además de cierta polémica entre las administraciones públicas que se afanaban en conocer la procedencia de tan singular obra.

La escultura estaba realizada en corcho blanco y patinada simulando piedra, flotaba sobre el Guadalquivir tranquilamente variando su posición y anclada al fondo para evitar su deriva. Dadas la nocturnidad y prisas en su colocación, fallaron los anclajes y la escultura partió hasta el próximo Molino de Martos a la semana de aparecer. Sin embargo, ya se conocieron los autores y el motivo de tan singular hazaña. Los escultores Rafael Cornejo y Francisco Marcos la realizaron como aportación particular a la candidatura de Córdoba como Capital Europea de la Cultura 2016.

El Ayuntamiento puso en valor la obra y -ya con todos los permisos oportunos- financió una copia en resina de poliéster que se instaló con la presencia de la alcaldesa el 8 de enero de 2007. Desgraciadamente, en noviembre del mismo año las crecidas aguas del Guadalquivir volvieron a soltar la escultura de sus anclajes y se quedó varada y muy maltrecha en una de las márgenes del Gualdalquivir. Sobre si volverá al río, sé que el Ayuntamiento cordobés destinó una partida presupuestaria en 2008 para ello, pero -que yo sepa- hasta la fecha sigue sin instalarse... En fin, supongo que la crisis nos toca a todos, aunque seamos esculturas... Espero que la vuelvan a instalar lo más pronto posible.

Encontraréis más información en http://hombree.blogspot.com/

http://www.youtube.com/watch?v=OOizqO7R3pg

Más sobre el "Hombre río":

http://es.wikipedia.org/wiki/Hombre_R%C3%ADo

http://www.20minutos.es/noticia/113045/0/hombre/rio/guadalquivir/

MARRAKECH

2009-08-10T14:15:00.029+02:00

Según el historiador andalusí Ibn Bassam (fallecido en 1147), alrededor del año 1060 el rey sevillano al-Mutadid recibe una carta de Suqut de Sabta informándole que los almorávides habían instalado un campamento en la "rahba de Marrakech". Aunque la corte sevillana intenta quitarle importancia al avance de los "hombres velados", al-Mutadid conocía la profecía por la cual su linaje desaparecería bajo una oleada de tribus africanas y ordenó al gobernador de Algeciras fortificar Gibraltar... el avance de los almorávides fue imparable a pesar de mediar el mar y el desierto. Antes de finalizar la década, el campamento de los "hombres velados" se había convertido en una ciudad que estaría íntimamente ligada a Sevilla y, como he tenido la suerte de comprobar, todavía continúa bastante más unida de lo que me podía esperar.

Entrada a la Kasba

El historiador Hamid Triki en "Marrakech: retrato histórico de una metrópolis medieval. Siglos XI-XII" (dentro del libro "La Arquitectura del Islam Occidental") además de ofrecer otras hipótesis y siguiendo la transcripción del príncipe zirí granadino Abd Allah ibn Bulugin, traduce el significado del nombre de la ciudad roja en la encrucijada del Atlas, del Sáhara y del Anti Altlas como: "el lugar que está bajo la protección de Akus". Sea como fuere, el nombre de la zona que adopta la ciudad es anterior a la llegada del emir almorávide que funda la futura capital almohade en el continente africano, rango que compartirá con su hermana andalusí: Sevilla.

Parto de esta pequeña reseña histórica porque, en mi opinión, las dos capitales almohades conservan más similitudes que diferencias. Paseando por su medina, visitando sus monumentos y palacios, hablando con sus hospitalitarios y amables ciudadanos más de una vez he creído estar de turista en mi propia ciudad. Marrakech es una cápsula del tiempo, conserva sus murallas, su laberíntica medina y sus antiguos monumentos que nos ofrecen una posibilidad de recrear el aspecto de la ciudad hispalense en la época del imperio almohade. El color rosado de su famosa Koutoubia impregna todos los edificios de la ciudad ya sean históricos o de nueva planta, incluso los bloques de viviendas y hoteles de los modernos barrios de Hivernage y Gueliz.

Un patio del Palacio Bahia (s. XIX)

Tal y como esperaba, el alminar de la Koutoubia (la mezquita de los libreros) tiene la belleza de su hermana sevillana y, al igual que la Giralda, es bien visible desde casi toda la ciudad. El entramado urbano marrakusí me recuerda al de la capital andaluza: los grandes jardines de la Menara serían la Buharya sevillana, de tal forma que desde los dos jardines se divisan sus respectivos alminares. Cerca de las torres se encuentran los respectivos palacios reales que hoy en día utilizan las dinastías reinantes en España y Marruecos. Las calles del barrio de Santa Cruz de Sevilla son idénticas a las que visitamos de camino al Museo dar Si Said.

Esta plaza está declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO

Marrakech es una ciudad de grandes contrastes para todos los sentidos. Posee una luz andaluza, al igual que sus elevadas temperaturas; multitud de olores a especias, cuero, aceite, frituras, carne asada... Una rica gastronomía de la que pudimos dar buena cuenta, si tenéis la posibilidad de visitarla nunca despreciéis el maravilloso té de menta. El sonido de las flautas encantadoras de serpientes y las darbukas se mezclan con las llamadas a la oración en la famosa Plaza de Jamaa el Fna, auténtico corazón de la ciudad que nos introduce en un zoco donde se pueden adquirir desde alfombras hasta especias pasando por todos los "souvenirs" propios de la ciudad.

El Palmeral

Pero, Marrakech es, además, una urbe moderna con buenas infraestructuras como su espacioso aeropuerto, su bonita estación de trenes, un magnífico teatro real... Es cierto que no todo es oropel y boato, existen barrios pobres en las afueras de la ciudad. Pudimos verlos de ida al Palmeral. Existen grandes mansiones rodeadas de pobreza... por nuestra parte, y antes de recurrir a los tópicos que tienen muchos españoles del país vecino, estaría bien recordar barriadas sevillanas como las 3000 viviendas, el Vacie o, incluso, La Cañada madrileña. Los constrastes entre pobreza y riqueza de Marrakech no son mayores de los de la Sevilla de los años setenta. Cuando volvía de regreso a Sevilla (el avión nos dejaba en Madrid y retornamos en el Ave) ví un cartel en la estación de Córdoba, donde hicimos una parada: "Andalucía mira hacia Europa"... a ver cuando miramos y vemos a Marruecos, con el que compartimos tanta historia en común. No será la última entrada dedicada a la ciudad roja, a la que espero volver en cuanto pueda.

Aeropuerto de la Menara

Estación de ferrocarril

¡Cómo no iba a estar Mc Donald´s!

LAS TRES HERMANAS

2009-08-03T20:42:00.024+02:00

Desde que tengo memoria, la esbelta silueta de la Giralda siempre me ha impresionado. Con el tiempo he apredido parte de sus más de 800 años de historia. Una historia que comienza en un Al-Andalus gobernado por el califa almohade Yusuf I, el rey islámico que emprende la reforma urbana más importante en Sevilla hasta el siglo XX. El alminar se erige, orgulloso, como un hito religioso para la llamada a la oración de los creyentes (de hecho, la palabra "alminar" significa faro). Pero también tiene un significado político (como nuestras actuales obras públicas: autopistas, trenes de alta velocidad, estadios deportivos...), todos los gobernantes tienen una implacable sed de "dejar huella" gracias a las construcciones que impulsan. Además, y gracias a su altura, se convierte en una atalaya capaz de vigilar todos los alrededores de Sevilla. No sólo es el edificio más alto de la capital peninsular almohade sino de toda Europa en su época (le arrebató el "record" la flecha de la torre de la Catedral de Estrasburgo) .

El alminar fue construido entre 1184 y 1198 por orden del califa Yusuf I y concluido por su hijo y sucesor Al-Mansur. Cuando, en 1248, el rey castellano Fernando III conquista la ciudad, el alminar almohade se convierte en campanario y la gran aljama en Catedral. Sin embargo, al contrario que ocurrió en Córdoba y al igual que en Granada, la mezquita no subsistió aunque aún pueden contemplarse su patio de abluciones y su puerta principal (actuales Patio de los Naranjos y Puerta del Perdón). En su lugar se construyó el edificio gótico más grande del mundo y, después de S. Pedro del Vaticano y S. Pablo de Londres, el tercer templo de la Cristiandad. Entre 1557 y 1568, el arquitecto cordobés Hernán Ruiz II constuirá el bellísimo campanario que conforma no sólo la imagen más universal de Sevilla, sino una simbiosis perfecta entre dos culturas que (junto a la hebrea) se toleraron y se respetaron, si bien no de una forma tan idealizada como se cree, durante más de siete siglos. Debo puntualizar que ése no era el propósito ni del Cabildo (que quiere "convertir" el antiguo alminar con un programa contrarreformista) ni del arquitecto; no hay más que recordar que, en la primera década del s.XVI se decretó la expulsión de los moriscos. Es, más bien, una apreciación propia a la vista de un edificio que cualquier sevillano os dirá que "parece estar hecho todo de una vez".

Los tres estados principales de la Giralda. Hipótesis de Alejandro Guichot, 1910. A la izquierda el alminar almohade, en el centro el estado actual y, a la derecha, la torre mudéjar anterior a las obras del s. XVI.

Pero, la Giralda, tiene antecedentes y descencientes. Anterior es el gran alminar de la mezquita de la Kutubiyya o Koutoubia de Marrakech e, inmediatamente posterior, la bella e inacabada Torre Hassan de Rabat, ambas en Marruecos. Precisamente, al final de esta semana, voy a visitar a una de las dos hermanas de nuestra torre: la Koutoubia. De ahí esta entrada. Llevo muchas semanas preparando mi primer viaje al vecino reino de Marruecos y, aunque sólo estaré unos días en Marrakech (la capital africana de la dinastía almohade), seguro que la experiencia de ver a tan insigne familiar de la torre sevillana habrá merecido la pena, ya os contaré.

Dejo para otra entrada la gran "prole" del antiguo alminar sevillano, ya que ha inspirado a otros arquitectos en sus construcciones tanto en España (Moguer, Carmona, San Juan de Aznalfarache, Tarragona, Badajoz...) como en el extranjero (Lovaina, Nueva York, Miami, Kansas City o La Habana).

Alminar de la mezquita de la Kutubiyya o Koutoubia

La torre Hassan

Para finalizar, un vídeo de las campanas de la Giralda...

http://www.youtube.com/watch?v=q95tKGAysjM

KEN ROBINSON

2009-07-26T00:46:00.006+02:00

Ken Robinson (Liverpool, 1950), Sir Ken desde 2003, es un profesor de educación artística (desde 1989 hasta 2001 en la Universidad de Warwick) famoso por sus informes y conferencias sobre la educación y la creatividad. Para mí, como profesor de dibujo, haber encontrado (hace unas semanas y en diferentes páginas web y blogs) la conferencia que hoy os traigo es muy gratificante, ya que no puedo estar más de acuerdo con las opiniones del señor Robinson. De hecho, incluiré los vídeos en mi página del Instituto (http://sites.google.com/site/dibujandoenalmonte/ ) a ver si "alguien toma nota" en las alturas administrativas y cambia algo, aunque tengo serias dudas...

Me quedo con una de las frases de la conferencia: "Picasso dijo una vez que todos los niños nacen artistas, el problema es seguir siendo artista cuando crecemos".

http://www.youtube.com/watch?v=RDlqfjXwyLg

http://www.youtube.com/watch?v=tAqrVPJYqhQ

Página oficial de Ken Robinson:

http://www.sirkenrobinson.com/index2.php?height=800&width=1280

Artículos sobre sus conferencias:

http://www.euskadinnova.net/home.aspx?tabid=245&idNoticia=4893

http://www.diariodenavarra.es/20090212/navarra/sir-ken-robinson-educacion-ahoga-margina-talento.html?not=2009021202015976&idnot=2009021202015976&dia=20090212&seccion=navarra&seccion2=politica&chnl=10

http://www.thinkingheads.com/conferenciantes/ken-robinson

SPANISH MOVIE

2009-07-25T22:22:00.000+02:00

Por lo menos, te ríes un rato...

http://www.youtube.com/watch?v=pH5PcVgfbe0

Web de la película: http://www.spanishmovie.es/

EL ARQUERO Y EL BRUJO

2009-07-25T21:03:00.013+02:00

Desde que nuestras dos hijas, Ángela y Rocío, son un poco más mayores (cumplirán 5 años en enero); Charo -mi esposa- y el que escribe pueden permitirse algún viajito que otro con ellas. Recuerdo con mucho cariño, hace tan sólo un par de años, nuestras primeras vacaciones: parecíamos José Luis López Vázquez y Gracita Morales en un 600 cargado hasta los topes de maletas, bolsas... En este caso, viajábamos los cuatro en un Ford Fiesta cargados con los pañales, miles de mudas, un enorme carrito de dos plazas, algo de ropa para los papás y poco más... solo para un fin de semana en Fuengirola. El pasado verano estuvimos en Motril, coincidiendo con la boda de mis cuñados y acabamos de volver de Roquetas de Mar, un tranquilo y familiar destino estival en Almería.

La playa de Roquetas de Mar

Aunque nuestras vacaciones han sido de playa -magnífica por cierto- y piscina, el viaje atravesando Andalucía, desde el oeste al este (unos 400 km), nos ha mostrado una gran diversidad de paisajes: la campiña sevillana, la peña de los enamorados antequerana, Sierra Nevada... y el impresionante desierto de Tabernas con sus poblados del Oeste Americano que tan famosos hicieran "spaghetti western" de la talla de "El bueno, el malo y el feo", una de las tres películas integrantes de la "Trilogía del dólar" del director Sergio Leone e interpretada por, entre otros, Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach.

http://www.youtube.com/watch?v=AiVZ---_qPA

Dejando a un lado a los tres personajes y su búsqueda de un fabuloso tesoro enterrado en una tumba, Almería guarda tesoros incalculables de más de 7.500 años de antigüedad. Uno de ellos está omnipresente en las tiendas de recuerdos o "souvenirs" conviertiéndose en el símbolo de toda la provincia, el Indalo (o Índalo ya que también lo he encontrado con acento).

Entrada de la Cueva de los Letreros

El Indalo, cuya imagen encabeza la entrada, es una de las pinturas neolíticas conservadas en la Cueva de los Letreros, descubierta a principios del s.XX en la comarca de Los Vélez, al norte de la provincia y declarada Patrimono de la Humanidad por la UNESCO en 1998. Más concretamente, pertenece al municipio de Vélez Blanco y se halla en las faldas de la Sierra de Maimón Grande. Según la información que he podido encontrar (el enlace: http://www.juntadeandalucia.es/medioambiente/servtc5/ventana/mostrarFicha.do?idEquipamiento=19709 ) en la cueva, que al ser de tamaño reducido se piensa que era un lugar de carácter religioso, se representan "símbolos astronómicos, como soles lunas o estrellas, agua que surge de las entrañas de las rocas, escenas cotidianas de caza, animales [...] Destaca en este conjunto arqueológico la presencia de dos figuras rupestres. La primera de ellas es el símbolo de toda la comarca: un brujo con cabeza de carnero, hoces de agricultor en las manos y, posiblemente, una jarra cerámica. Parece evidente que esta figura varonil era la que realizaba los ritos en el interior de la cueva, incluso puede que fuera uno de los autores de esta pequeña capilla prehistórica. La segunda es una pintura internacionalmente conocida y símbolo de toda Almería: el índalo. Muchas teorías hay sobre él, pero la más creíble es aquella que dice que representa un cazador sosteniendo un arco de flechas con ambas manos... quizás fuera un amuleto que sirviera para atraer la caza". Sea como fuere sí es cierto que en poblaciones como Mojácar, el Indalo, se ha representado en las fachadas de las casas como un amuleto de buena suerte.

El brujo o hechicero

Para finalizar, unas imágenes del Indalo y un vídeo de You Tube sobre la bella Almería. Según creo, la primera imagen es el Indalo original, el de la Cueva de los Letreros; el segundo está en uno de los accesos a Almería y, el tercero, se encuentra en una de las calles de la ciudad. El último es la mascota de los XV Juegos Mediterráneos, que tuvieron lugar en Almería entre el 24 de junio y el 3 de julio del año 2.005.

http://www.youtube.com/watch?v=NtTJGOpfBVE

MÚSICA DE CINE

2009-07-19T21:38:00.002+02:00

Os he seleccionado unos cuantos fragmentos de bandas sonoras de películas para relajarse en estos días de canícula estival.

http://www.youtube.com/watch?v=z-8W5BHJT30

http://www.youtube.com/watch?v=0Su8LXNS16A

http://www.youtube.com/watch?v=erKsIJyfB_Q

Aunque You Tube no permite insertar a Cab Calloway y su "Minnie The Moocher" (Blues Brothers 1980), os dejo el enlace:

http://www.youtube.com/watch?v=6NTozy51AY0

http://www.youtube.com/watch?v=Xxjp9l1ZEoY

http://www.youtube.com/watch?v=e1YL6W1iuSY

http://www.youtube.com/watch?v=KTVKVJjc6Ww

http://www.youtube.com/watch?v=3QfEiDO9opg

http://www.youtube.com/watch?v=47XaK4XJxFQ

http://www.youtube.com/watch?v=nJ226kQJiHY

Para finalizar, aunque no salga en ninguna película que yo sepa, unas sevillanitas del genial Pepe da Rosa:

http://www.youtube.com/watch?v=b_82SG7Be6M

ITÁLICA RECONSTRUIDA

2009-07-19T20:56:00.008+02:00

Acabo de descubrir un blog muy interesante. Lo firma el infografista sevillano E. Barragán y muestra un magnífico trabajo reconstruyendo no solo la ciudad y los edificios más importantes de la ciudad romana de Itálica, la cual os mencioné en la anterior entrada, sino que reconstruye Baelo Claudia, el puerto de Cartago... Aunque todavía no he podido ver el blog entero os lo recomiendo. Es un magnífico trabajo. Para muestra, un botón:

La dirección del blog:

http://italicaromana.blogspot.com/

LA JOYA DEL SULTÁN

2009-07-18T15:18:00.029+02:00

Al visitar un enclave tan singular como la Alhambra, me es inevitable imaginar cómo sería en la época de su mayor esplendor. Lógicamente, el ejercicio es más complejo cuanto menos restos quedan de su original fisonomía, como ocurre en el anfiteatro romano de Itálica (muy cerca de Sevilla) o en las ruinas de la califal Medina Azahara. Pero, dentro de las murallas y palacios edificados sobre la colina de la Sabika, se puede -gracias a la milagrosa conservación de numerosos espacios- recrear con la imaginación cómo pudo haber sido el castillo nazarí. Aunque se conservan bastante bien numerosas estancias, hay pocos objetos como el Jarrón de las Gacelas -con cuya imagen encabezamos la entrada- que nos induzcan a los mismos pensamientos románticos que antes refería y que tan bien describre Washington Irving al referirse a la Fortaleza Roja: "El peculiar encanto de este viejo palacio es su poder de evocar vagos ensueños y representaciones del pasado, vistiendo así la descarnada realidad con las ilusiones de la memoria y de la imaginación".

El Jarrón en el interior de la Sala de las Dos Hermanas

El Jarrón de las Gacelas es una monumental obra cerámica vidriada en blanco, azul y dorado de 134 cm de altura y un diámetro máximo en su "panza" de 70 cm, sorprendiendo los escasos 14 cm de su base lo que -según varios autores- nos revela que tendría algún tipo de soporte para garantizar su estabilidad. Además, según Purificación Marinetto, guarda un sistema de proporciones casi perfecto dentro de la raiz cuadrada de cuatro que, sumado al movimiento convexo-cóncavo y a la fantástica ejecución de su ornamentación (como refiere el profesor Fernández-Puertas) hacen de este jarrón no sólo una obra de arte capital dentro de la historia del sultanato granadino, sino de toda la cerámica mediterránea e islámica.

Estado actual del Jarrón de las Gacelas

Pero, uno de los mayores atractivos de tan singular obra es que se conserva en el mismo espacio para el que se concibió, sin descontextualizaciones. Bien es cierto que la estancia precisa que ocupaba en la época nazarí se desconoce pero es el único jarrón que no se ha movido del palacio andalusí desde la segunda mitad del s. XIV. Por la calidad tanto de la pieza como de su decoración está fechado en la época del sultán Muhammad V, coincidiendo con el mayor esplendor de la dinastía materializado en el magnífico palacio de los Leones.

Detalle con las gacelas

Como suele ocurrir, una obra tan interesante no está exenta ni de historia ni de leyendas. Una historia que le ha hecho perder una de sus asas y que se encuentre partido por la mitad, además de perder parte de la cubierta de esmalte. La función de la pieza es ornamental y parece que, posiblemente, estuviera destinado al interior de una qubba (estancia cúbica o prismática cubierta con una cúpula o armadura poliédrica; en la Alhambra las más famosas son el Salón de Comares o de Embajadores, la Sala de las Dos Hermanas y la Sala de los Abencerrajes). A mediados del s.XVII se tiene la primera noticia de su ubicación en el Jardín de los Adarves donde permanecerá hasta la segunda mitad de la siguiente centuria junto al tristemente perdido Jarrón de la Banda (bajo estas líneas) y los restos de un tercer jarrón. De su estancia a la intemperie nos queda constancia en la pérdida de parte del vidriado y, posiblemente, en el asa desaparecida. Aunque el traslado era necesario para su conservación, los dos jarrones no poseían ninguna protección adicional en su nueva ubicación en la Torre de Comares, lo que motivó un informe firmado por Manuel Gómez-Moreno en enero de 1792, en el cual informa de la rotura de uno de los dos jarrones: "hallo que que avian quebrado la jarra situada en la rinconada a mano derecha de tal forma que no tenía composición, cuyo hecho informó un sargento inbalido de la guardia que estava en la entrada de la dicha real casa, lo havia executado un muchacho que se havia subido a lo alto de dicha jarra y esta y el muchacho havian caido al suelo quedando hecha tiestos la citada jarra".

Jarrón de la Banda. Dibujo de Diego Sánchez Sarabia, 1762.

Al mismo autor corresponde el dibujo que encabeza la entrada,

siendo realizado en el mismo año.

Hasta finales del s.XIX, donde se tiene constancia de su presencia en varias dependencias del Palacio de los Leones hasta que pasa -ya en el s.XX- al su actual emplazamiento en el Museo de la Alhambra, el Jarrón de las Gacelas permanecerá guardado a "cal y canto" dentro de una estancia del Patio de los Arrayanes sin posibilidad de acceder a verlo tal y como indican Richard Ford y Théophile Gautier (según Purificación Marinetto). Gracias a los dibujos que Diego Sánchez Sarabia realizara en el s.XVIII podemos reconstruir los dos grandes jarrones nazaríes y gracias al Romanticismo y a los viajes de los mencionados Richard Ford, Irving y Gautier además de las obras de Jules Goury, Owen Jones y Girault de Prangey entre otros, la imagen y la fama de la Alhambra se difunde por toda Europa cimentando la imagen mágica del monumento y empezando a poner en valor unos edificios que, en el s.XIX, estaban en un estado de conservación más que preocupante.

Actual emplazamiento del Jarrón de las Gacelas en el Museo de la Alhambra

Según la leyenda, tanto el Jarrón de las Gacelas como el de la Banda contenían un fabuloso tesoro que se destinó a costear las obras del Pilar de Carlos V, famosa fuente aledaña a la Puerta de la Justicia. Sin embargo, ya en el s.XVIII, el mencionado Sánchez Sarabia duda de la veracidad de la leyenda, la cual atribuía el hallazgo de los jarrones al Conde de Tendilla. En realidad, el auténtico tesoro es el jarrón, una auténtica joya del sultán Muhammad V, aunque no siempre se lo halla considerado así.

Para saber más sobre los jarrones nazaríes, os recomiendo el catálogo de la exposición que se celebró en el Palacio de Carlos V de la Alhambra entre el 21 de octubre de 2006 y el 4 de marzo de 2007: Los Jarrones de la Alhambra. Simbología y poder, editado por el Patronato de la Alhambra y el Generalife.

LOS CAJONES SECRETOS DEL SUBCONSCIENTE

2009-07-12T17:15:00.027+02:00

Uno de los elementos más conocidos de la iconografía daliniana -y que más me intrigan- son las figuras con cajones. Las obras más celebradas -en este sentido- son la Venus de Milo con cajones y El escritorio antropomórfico, ambas de 1936. El tema tiene un doble origen: de una parte están los dibujos del florentino Giovanni Battista Bracelli (primera mitad del s. XVII) de su obra Bizzarie de varie figure (publicada en 1624), donde -en 48 grabados- despliega un juego geométrico gracias a la representación de la figura humana. De otra parte están los estudios del profesor autríaco Sigmund Freud (1856-1939). Dalí, al igual que todos los artistas surrealistas, era un seguidor entusiasta de Freud desde que leyera La interpretación de los sueños (publicada por primera vez en 1900), según el pintor fue "uno de los descubrimientos capitales de mi vida".

El escritorio antropomórfico, 1936.

No es de extrañar que la admiración de Dalí por el trabajo de Freud se plasmara en su propia obra, así -sobre los personajes con cajones- afirmaba que eran "una especie de alegorías destinadas a ilustrar una cierta benevolencia, a aspirar los innumerables perfumes narcisistas que emanan de cada uno de nuestros cajones". "La única diferencia entre la Grecia inmortal y nuestra época contemporánea es Sigmund Freud, quien descubrió que el cuerpo humano, puramente platónico en la época de los griegos, está hoy lleno de cajones secretos que sólo el psicoanálisis está en condiciones de abrir". Es decir, para Dalí, estos personajes eran unas representaciones de nuestra voluntad de saber quiénes somos.

Sigmund Freud por Dalí

Los deseos de Dalí por conocer a Freud se realizaron, después de varios intentos, el 19 de julio de 1938 en el exilio londinense del profesor austríaco; donde residía después de lograr escapar del régimen nazi que acababa de anexionarse Austria y no tenía -precisamente- entre sus ciudadanos predilectos a los de religión judía. Aunque de la reunión nos quedan varias frases de Freud como:"En las pinturas clásicas, busco lo subconsciente; en una pintura surrealista, lo consciente", o la opinión que le mereció el pintor catalán, tal y como escribe a un amigo un par de días después "hasta entonces, los surrealistas, que al parecer me han elegido como su santo patrón, me parecían unos locos al ciento por ciento (o mejor dicho, como el alcohol, al noventa y ciento por ciento). Este joven español, con sus cándidos ojos de fanático y su innegable maestría técnica, me ha incitado a reconsiderar mi opinón". Dalí se sintió decepcionado ya que no pudo deslumbrarlo como hubiera sido su intención: “fracasé [...]. Su cráneo de caracol no había calado mis intuiciones ni mi fuerza íntima. [...] lo que le interesaba era evidentemente su propia teoría, no mi personalidad. Vivía ya fuera de nuestro tiempo. [...] Se habían cruzado dos genios, pero la chispa no había saltado”. Un año más tarde de la entrevista, Freud moría a causa de una sobredosis de morfina que le administra un amigo, a petición del inventor del psicoanálisis quien no podía soportar los tormentos del cáncer de boca que padecía.

Portada y uno de los grabados de Bizzarie de varie figure

Puedes ver la obra completa en la web de la Biblioteca Nacional Francesa:
http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k106386s.image.r=giovanni+battista+bracelli.f1.langES

Sobre la relación entre Freud y Dalí, he encontrado un interantísimo artículo firmado por Ana Iribas Rudín en:
http://revistas.ucm.es/bba/11315598/articulos/ARIS0404110019A.PDF

Para saber más sobre la obra y personalidad de Dalí, os recomiendo el gran libro dividido en dos tomos de Robert Descharnes y Gilles Néret: Salvador Dalí, 1904-1989, editado por Taschen.

DESTRUYENDO TÓPICOS: CATALUNYA

2009-07-01T20:23:00.016+02:00

Durante la semana pasada he tenido la ocasión de visitar la mágica Cataluña, gracias al viaje de fin de curso de los chavales de 4º de ESO de mi instituto, el IES Doñana. Hemos visitado varios lugares: la medieval Besalú, el tranquilo lago de Banyoles, la cosmopolita ciudad condal de Barcelona, la surrealista Figueres y la apacible Girona; quedándonos a dormir en Calella, bella ciudad costera del Maresme. Sin olvidar el divertido día en Port Aventura.

Los años me han enseñado varias cosas, una de las primeras es mi total desinterés por la política y los políticos, sean del signo que sean. Más bien me considero un librepensador. Otra es no creer todo lo que me cuentan y ver las cosas con mis propios ojos. Así, al ver la lógica presencia de la bella lengua catalana por todas partes y la gran educación y corrección de los catalanes con las personas que no hablamos su lengua, se me plantea una cuestión ¿qué pasaría si en Andalucía tuviéramos una lengua propia?. Considerando lo "propios" que somos con nuestras tradiciones, sería muy curioso poder observar si a nivel de la calle, -no me refiero ni a la política, ni a las instituciones, ni a los estatutos...- seríamos tan correctos como los catalanes. "De todo hay en botica" y seguro que hay personas más intransigentes en el uso de su lengua, pero yo no he tenido ese problema.

Aunque os prometo dedicar entradas a Cataluña, sobre todo a Gaudí y Dalí, os traigo una pequeña selección de imágenes del viaje.

Calella, iglesia parroquial de Santa María y San Nicolás, s. XVIII.

Panorámica de Girona.

El puente medieval de Besalú.

Lago de Banyoles.

Interior de la Sagrada Familia.

Park Güell.

Los gansos del claustro de la Catedral de Barcelona.

Torre Galatea y el Teatro-Museo de Dalí en Figueres.

Para finalizar la entrada dos vídeos de you tube del genial pintor y mejor dibujante D. Salvador Dalí i Domenech, marqués de Dalí de Púbol:

http://www.youtube.com/watch?v=E6aIYuP0RvU

http://www.youtube.com/watch?v=XFM6AwUZGg4

"F" DE FRAUDE

2009-06-20T13:30:00.013+02:00

Esta obra dirigida e interpretada por el gran Orson Welles (1915-1985) en 1974, no es ni un documental ni una obra de ficción, sino ambas. Durante, aproximadamente, una hora y media, un Welles caracterizado de ilusionista nos plantea un juego entre lo real y lo ficticio de la creación artística. Partiendo de la advertencia del prólogo de la cinta en la que Welles nos informa de que “lo que acontece en la hora siguiente del film es pura realidad”, el juego se nos muestra mediante un auténtico collage de imágenes dividido en dos actos:
El primero versa sobre dos de los más famosos falsificadores de la pasada centuria: el pintor Elmyr d´Hory y el escritor Clifford Irving, quien además de ser biógrafo del primero se hizo famoso por su falsa biografía del excéntrico multimillonario estadounidense Howard Hughes. Además, Welles, se incluye como parte del fraude recordando su adaptación de la obra de H.G. Welles “La Guerra de los Mundos”, retransmisión radiofónica que sembró el pánico en Nueva Jersey donde -según la retransmisión radiofónica- se estaba produciendo un ataque extraterrestre.
A continuación, Welles narra la historia de la seducción de Picasso por Oja Kodar. La cual, y a cambio de sus favores y de posar desnuda, consigue del pintor veintidós obras que constituyen un nuevo período del artista. Sin embargo, todos los cuadros fueron destruidos por el anciano abuelo de Oja, quien realiza falsificaciones de las mismas para ser vendidas como auténticas. Con este segundo acto, o más bien epílogo, se despide el prestidigitador Welles informando de que el tiempo de lo real había concluido antes de la historia picassiana.

Sobre la historia de Irving y Hughes se estrenó en 2007 la película “The Hoax”, que se tradujo en España como “La gran estafa”, interpretada por Richard Gere y Alfred Molina entre otros, la cual os recomiendo.
De la obra de Welles os traigo el epílogo picassiano, en inglés subtitulado, que he encontrado en you tube, y el siguiente enlace de Pirate Bay por si queréis descargaros la película (en inglés).
http://thepiratebay.org/torrent/4085233/F_For_Fake_Orson_Wells_(1972)

Para saber más sobre la película:
http://www.miradas.net/0204/estudios/2002/08_owelles/fraude.html

http://www.youtube.com/watch?v=XRJF3ZkjbOE

http://www.youtube.com/watch?v=Wa4-wigHzJ0

Sobre la historia del falsificador Elmyr d´Hory (1906-1976), quien, por cierto, vivió desde 1960 hasta su muerte en Ibiza después de vender más de 1000 obras falsas, os traigo un interesante reportaje de "El Mundo":

http://www.elmundo.es/suplementos/magazine/2006/344/1146245340.html

SAUL BASS

2009-06-06T13:20:00.013+02:00

De la obra maestra de Alfred Hitchcock (1899-1980) "North by northwest" (1959) que, en España, se tradujo "Con la muerte en los talones", me impresionó la escena en la que Cary Grant huye del avión, el magnífico traje gris que viste durante casi toda la cinta y que resiste sin arrugarse las peripecias del ejecutivo confundido con espía, y los títulos de crédito que abren tan singular película.

Estos títulos de crédito son obra del gran diseñador gráfico estadounidense Saul Bass (1920-1996). Este artista -con grandes influencias de la Bauhaus- está reconocido como uno de los mejores cartelistas y publicitarios del s.XX diseñó logotipos de numerosas empresas (Bell, At&T, Minolta, Warner Brothers, Kleenex...), carteles de películas (Vértigo, Psicosis, Los pájaros, Éxodo, Espartaco, West Side Story, Anatomía de un asesinato...) además de sus títulos de crédito. Trabajó con directores de la talla de Martin Scorsese, el mencionado Hitchcock, Billy Wilder, John Frankenheimer, Stanley Kubrick, Otto Preminger, John Ford...

Hoy os traigo una selección de varios títulos de crédito de Bass además de varios enlaces sobre su biografía y obra.

http://es.wikipedia.org/wiki/Saul_Bass

http://www.notcoming.com/saulbass/index2.php

http://www.saulbass.tv/

http://paulmender.com/amenderdesign/saul_bass_index.html

http://www.icono14.net/revista/num6/articulo%20ROBERTO%20GAMONAL5.htm

http://www.youtube.com/watch?v=Qbg089yT31g

http://www.youtube.com/watch?v=7YOXWAXmEms

http://www.youtube.com/watch?v=pz46qS38OgM

http://www.youtube.com/watch?v=GjhJvAyKjp4

http://www.youtube.com/watch?v=gaLDyrun_Cc

http://www.youtube.com/watch?v=jqUyRE4HPzo

Para finalizar una hipótesis de cómo habría diseñado Bass los créditos de la "Guerra de las Galaxias":

http://www.youtube.com/watch?v=z25t-PQDn5A

APUNTES SOBRE EL ROCÍO

2009-05-31T14:18:00.015+02:00

Mañana será un día grande en Almonte, la próxima madrugada los almonteños continúan una tradición que se remonta a 1270-1284; cuando Alfonso X "el Sabio" ordena la construcción de la primera ermita, para que recibiera culto la imagen de Ntra. Sra. de las Rocinas, como por entonces se conocía a la actual Virgen del Rocío. La leyenda nos cuenta que un campesino, para algunos de Almonte para otros de Villamanrique de la Condesa, encuentra entre la maleza y en una zona de difícil acceso del bosque llamado La Rocina la imagen de la Virgen. Decide trasladarla a su pueblo y, a la mañana del día siguiente, al ver que la imagen había desaparecido vuelve al lugar donde la había encontrado para ver que había regresado allí. Y, en ese lugar, erigieron la primera ermita, cuya representación encabeza la entrada y que es un fragmento de una imagen que se conserva en el museo de la aldea almonteña. De los "chozos" levantados para asistir a la procesión de la Virgen, nace la actual aldea, al hacerse más estables las construcciones.

A mediados del s. XVII se constituye la Hermandad Matriz y, en el s.XVIII comienzan las peregrinaciones de las primeras Hermandades filiales: Villamanrique de la Condesa, Pilas, La Palma del Condado, Moguer y Sanlúcar de Barrameda. En 1722, Felipe V le otorga la condición de Real Feria del Rocío. Tras el terremoto de Lisboa (1755) y dado el estado ruinoso en el cual quedó el primitivo santuario, se decide la construcción de uno nuevo, el cual se mantiene hasta la reforma que afecta sobre todo a su fachada en 1915. Hace cuarenta años, se inaugura la actual ermita. Os traigo imágenes de las diferentes ermitas:

1758- 1915

Proyecto no ejecutado de reforma. Aurelio Gómez Millán, 1915

1915- 1963

Ermita provisional, desde 1963 hasta 1969.

El proyecto de la actual ermita se debe a los arquitectos Antonio Delgado y Roig y Alberto Balbotín de Orta, realizado hacia 1960.

Para finalizar, os traigo un vídeo realizado a partir de los dibujos de los chavales de mi tutoría de éste año, 1º ESO C, sobre la fachada de la actual ermita coincidiendo con el cuarenta aniversario de su construcción. A ellos les dedico la entrada.

http://www.youtube.com/watch?v=1vuUUtB0eMU

PAISAJES DE DOÑANA

2009-05-26T20:58:00.014+02:00

No hay nada mejor para relajarse que ponerse a pintar. Aprovechando la gran cantidad de fotografías que tomé en la visita que hicimos el mes pasado, seleccioné tres de otros tantos lugares de Doñana para realizar los cuadros que os traigo hoy.

El cuadro que encabeza la entrada es el llamado "Charco del Acebrón", cercano a un curioso palacio realizado a mediados del siglo XX por un terrateniente con aspiraciones a la nobleza. Al arruinarse, vende su finca al Estado; después de fracasar sus conversaciones con una empresa dedicada a la fabricación de celulosa, la cual no creo que hubiera conservado el entorno precisamente...

Los otros dos cuadros -bajo estas líneas- son la Laguna del Acebuche y un pinar cercano al arroyo de la Rocina.

Para finalizar un curioso vídeo de you tube: " Armonia fractal de Doñana y las marismas", el paisaje cambia sorprendentemente al verlo a vista de pájaro.

http://www.youtube.com/watch?v=y_nJPnQXxQo

LA BELDAD YACENTE

2009-05-22T00:49:00.046+02:00

De todas las estampas que se conservan del genial Alberto Durero (1471-1528), es ésta titulada "El monstruo marino" de 1498 junto a la famosísima "Melencolia I" (1514) las que más interés me han despertado. Si bien -la que encabeza la entrada- no tiene ni la mitad de estudios que "Melencolia I" estudiada, fundamentalmente, por el historiador y ensayista alemán Erwin Panfosky (1892-1968).

El grabado alude a un rapto, donde una mujer de apariencia oriental -por su tocado- accede, aunque con gesto preocupado, a que un ser fantástico, un anciano tritón, la lleve consigo hacia el interior del mar. En segundo plano vemos a un hombre -posiblemente el padre- con turbante que se desespera ante la escena, al igual que las asustadas compañeras de la víctima.

Según el catálogo de la exposición que se celebró en Madrid en 2005 sobre Durero," ninguno de los numerosos casos de rapto de la mitología propuestos han resultado convincentes. Parece más bien que Durero eligió un marco y un tratamiento espectacular para escenificar y resaltar el motivo principal, la beldad yacente.

Ésta reposa en una postura impropia de una situación de rapto, entre tumbada y sentada, relajada como si yaciera en un canapé."

Es una imagen simbólica, o -si nos atenemos a la metodología del análisis iconográfico de Panofsky- un "tema encuadre": la figura femenina desnuda. Concretamente y en nuestro caso, es la belleza recostada, el concepto de belleza con tintes eróticos. Es curioso como el mismo tema se transmite de un artista a otro, con una composición más o menos fija pero conservando su significado. Os traigo una selección de obras de otros tantos artistas que han tratado el mismo tema. No os descubro nada si os digo que -en algunos casos- las obras les trajeron problemas. Os los comento, junto a algunas curiosidades, bajo las imágenes.

Giorgione "Venus dormida", 1507-1510

El cielo lo finalizó Tiziano, al quedar inconclusa la obra por el fallecimiento del artista. Influye directamente en la "Venus de Urbino" de Tiziano.

Correggio "Venus y Amor descubiertos por un sátiro" o "Júpiter y Antíope", 1507-1510

Tiziano "La Venus de Urbino", 1538

Velázquez "La Venus del espejo", 1648

Los desnudos no eran muy comunes en la sociedad española del s. XVII. Teniendo en cuenta que no eran el tema preferido de la Santa Inquisición... Aún así y dado que el cuadro estaba destinado a las colecciones privadas de Don Gaspar Méndez de Haro, su primer propietario conocido y cortesano del rey Felipe IV, además de ser -Velázquez- pintor de la corte y aposentador de palacio esto no representó un problema para él. Es conocida la afición de los monarcas españoles por los desnudos -siempre representando temas mitológicos- y que se guardaban en una habitación especial de restringido acceso, algunos autores nos señalan cómo las obras aparecían tapadas con gruesos cortinajes para impedir miradas inconvenientes. El cuadro ha pasado por varios propietarios (el Duque de Alba o Godoy, el cual la colocó junto a las dos "majas" de Goya) hasta recabar en la National Gallery de Londres, donde se conserva desde 1906. Eso sí, protegida con un cristal desde el ataque de la sufragista Mary Richardson en 1914 con un hacha de carnicero.

Goya "La maja desnuda", entre 1790-1800

El famoso cuadro del artista aragonés tiene su particular historia. Aunque se especula que la retratada fuera la Duquesa de Alba, no se tienen pruebas concluyentes. Lo que sí sabemos es que su primer propietario era Manuel Godoy, y es posible que la obra fuera pintada para la Duquesa ya que, al fallecer en 1802, su colección pasa a manos del primer ministro de Carlos IV. Su "hermana", "La maja vestida", sí fue encargada por Godoy y -mediante un artificio hecho para la ocasión- ocultaba debidamente a "la desnuda".

La "desnuda" fue confiscada en 1807 por Fernando VII y secuestrada por la Inquisición por "obscena" en 1814. Por cierto que de no haber sido por la intercesión del cardenal Luis Mª de Borbón, la broma le hubiera costado a Goya un serio disgusto. Hasta su instalación (junto a la "vestida") en el Museo del Prado en 1910, se conservó en la Real Academia de Arte de San Fernando, en una sala especial destinada a las obras más atrevidas y de acceso restringido.

Creo que, el "atrevimiento" de Goya -más bien genialidad- se manifiesta en la supresión de cualquier referencia mitológica que pudiera haber "disimulado" el verdadero tema.

Canova "Paolina Borghese", 1805-1808

Inspirada en la hermana menor de Napoleón.

Ingres "La gran Odalisca", 1814

Manet "Olympia", 1863

Algo parecido a "La maja desnuda" le acontece al cuadro de Manet. Expuesto, por primera vez, en el Salón de París de 1865. Causa un gran escándalo, ya que, al igual que Goya, prescinde de elementos mitológicos al retratar a una mujer de su época. Está hábilmente inspirada por la "Venus de Urbino de Tiziano".

Cabanel "El nacimiento de Venus", 1863

Klimt "Danae", 1907

Personal interpretación de la leyenda de la íntima relación entre Zeus -transformado en lluvia- y Danae.

Modigliani "Desnudo echado con los brazos abiertos", 1917

Este desnudo forma parte de la exposición de realiza el artista a finales de 1917. Al mostrarse los cuadros en el escaparate de la galería, provocan tal escándalo y tumulto que la policía requisa los cuadros y cierra la exposición.

Horst P. Horst "Odalisca", 1943

Interpretación del famoso fotógrafo alemán del grabado de Durero con el que abríamos esta entrada. Sobre la biografía de Horst, que retrató -entre otros- a Dalí, Coco Chanel, Greta Garbo o Luchino Visconti os traigo este enlace:

http://www.cristinaarce.com/biografia_fotografo_horst_horst.html

Para terminar, perdonad el atrevimiento de incluir un dibujo propio de la época de la Facultad , allá por 1995...

EN HOMENAJE A ANTONIO VEGA

2009-05-18T22:44:00.010+02:00

MODIGLIANI: EL ARTISTA "MALDITO"

2009-05-08T23:05:00.023+02:00

Amedeo Modigliani (1884-1920) encarna, como ningún otro artista, el mito del pintor bohemio consumido por el alcohol, las drogas y todo tipo de excesos, falto de recursos económicos y dentro de la atmósfera del París de principios del s. XX, centro del mundo artístico de la época. Coincide, en la capital francesa, con Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaim Soutine, Vicente Huidobro…

Al igual que en otros casos -como en el del Jackson Pollock- detrás del artista está la figura de su compañera, discreta, callada, siempre fiel y eclipsada por la fama de su pareja. El caso de la bella Jeanne Hébuterne (1898-1920) es una triste historia de amor con final más que trágico.

Jeanne Hébuterne

Retrato de Jeanne Hébuterne, 1919

Modigliani o “Modi” (apodo con el que era conocido por sus amigos, curiosamente apócope de “maudit”, “maldito” en francés) es un artista que no se somete a ningún movimiento artístico en una época marcada por numerosas tendencias que se empiezan a suceder vertiginosamente. Esta libertad creadora se manifiesta en el escaso reconocimiento de su obra en vida, sólo al final de ella el pintor pudo comprobar cierta apreciación y difusión de sus creaciones. Su estilo está marcado por la atracción de lo “primitivo” (arte africano) y un tratamiento escultórico de sus modelos, influencia directa de la obra de Constantino Brancusi. La mayor parte de la obra pictórica del italiano -ya que también realizó múltiples esculturas- nos presentan unas elegantes y estilizadas figuras (pintó pocos paisajes), retratos muy personales que no sólo representan al personaje sino -a mi juicio- la personalidad del retratado bajo los observadores ojos del pintor.

Autorretrato, 1920

Enfermo de tuberculosis, lo cual no era freno para sus aventuras, e intentando –por consejo de su marchante y amigo Léopold Zborowski – poner en orden su vida, pasa una temporada en Niza con Jeanne (desde marzo de 1918 hasta mayo de 1919). Al regresar a París, se hace patente que la enfermedad empeora considerablemente. Son meses de intensa producción, dedicada a su compañera y a sus amigos. “Composiciones luminosas, de tonalidades claras, colores que juegan en contraste con rojos y azules intensos” (Victoria Soto). El último cuadro del pintor es su único autorretrato conocido, aunque el rostro que pinta no tiene nada que ver con su estado real –próximo a la muerte- podemos intuir en sus ojos licuados el presagio de su próximo final. Modigliani no llega a cumplir su deseo de casarse con la joven Jeanne, ya que fallece de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920 en el Hospital de la Caridad, al cual lo trasladan sus amigos: el chileno Ortiz de Zárate, Kisling y Zborowski. No había cumplido los treinta y seis años. La noche del día siguiente, un frío domingo invernal, Jeanne –embarazada de nueve meses de su segundo hijo- abrió la ventana de su dormitorio en casa de sus padres y, atormentada por la pérdida de su amado compañero, saltó. Tenía veintidós años.
La última escena de este drama romántico, tuvo lugar en el cementerio de Père-Lachaise el 27 de enero con la inhumación del artista. Acudieron al sepelio todos los personajes de la bohemia de Montmatre y Montparnasse, desfilando en un impresionante cortejo fúnebre por las calles de la ciudad. Diez años más tarde, Emanuelle Modigliani -hermano del pintor- logró convencer a la familia de Jeanne para que descansaran juntos.

Para finalizar os traigo un “tráiler” de la película “Modigliani”, interpretada por Andy García. A mi juicio, un tanto exagerada, en momentos anacrónica y falta de rigor histórico pero, hasta la fecha, creo que es la única dedicada al pintor. Además he encontrado en you tube el mejor momento de la cinta, cuando varios artistas -Picasso incluido- pintan febrilmente para una exposición colectiva...

http://www.youtube.com/watch?v=hmdan-yuvQc

http://www.youtube.com/watch?v=WcqDS-g7lUQ

Para saber más:

Victoria Soto "Modigliani, el rostro intemporal". Ed. LIBSA. Madrid, 2008.