Esta obra dirigida e interpretada por el gran Orson Welles (1915-1985) en 1974, no es ni un documental ni una obra de ficción, sino ambas. Durante, aproximadamente, una hora y media, un Welles caracterizado de ilusionista nos plantea un juego entre lo real y lo ficticio de la creación artística. Partiendo de la advertencia del prólogo de la cinta en la que Welles nos informa de que “lo que acontece en la hora siguiente del film es pura realidad”, el juego se nos muestra mediante un auténtico collage de imágenes dividido en dos actos: El primero versa sobre dos de los más famosos falsificadores de la pasada centuria: el pintor Elmyr d´Hory y el escritor Clifford Irving, quien además de ser biógrafo del primero se hizo famoso por su falsa biografía del excéntrico multimillonario estadounidense Howard Hughes. Además, Welles, se incluye como parte del fraude recordando su adaptación de la obra de H.G. Welles “La Guerra de los Mundos”, retransmisión radiofónica que sembró el pánico en Nueva Jersey donde -según la retransmisión radiofónica- se estaba produciendo un ataque extraterrestre. A continuación, Welles narra la historia de la seducción de Picasso por Oja Kodar. La cual, y a cambio de sus favores y de posar desnuda, consigue del pintor veintidós obras que constituyen un nuevo período del artista. Sin embargo, todos los cuadros fueron destruidos por el anciano abuelo de Oja, quien realiza falsificaciones de las mismas para ser vendidas como auténticas. Con este segundo acto, o más bien epílogo, se despide el prestidigitador Welles informando de que el tiempo de lo real había concluido antes de la historia picassiana.
Sobre la historia de Irving y Hughes se estrenó en 2007 la película “The Hoax”, que se tradujo en España como “La gran estafa”, interpretada por Richard Gere y Alfred Molina entre otros, la cual os recomiendo. De la obra de Welles os traigo el epílogo picassiano, en inglés subtitulado, que he encontrado en you tube, y el siguiente enlace de Pirate Bay por si queréis descargaros la película (en inglés). http://thepiratebay.org/torrent/4085233/F_For_Fake_Orson_Wells_(1972)
Sobre la historia del falsificador Elmyr d´Hory (1906-1976), quien, por cierto, vivió desde 1960 hasta su muerte en Ibiza después de vender más de 1000 obras falsas, os traigo un interesante reportaje de "El Mundo":
De la obra maestra de Alfred Hitchcock (1899-1980) "North by northwest" (1959) que, en España, se tradujo "Con la muerte en los talones", me impresionó la escena en la que Cary Grant huye del avión, el magnífico traje gris que viste durante casi toda la cinta y que resiste sin arrugarse las peripecias del ejecutivo confundido con espía, y los títulos de crédito que abren tan singular película.
Estos títulos de crédito son obra del gran diseñador gráfico estadounidense Saul Bass (1920-1996). Este artista -con grandes influencias de la Bauhaus- está reconocido como uno de los mejores cartelistas y publicitarios del s.XX diseñó logotipos de numerosas empresas (Bell, At&T, Minolta, Warner Brothers, Kleenex...), carteles de películas (Vértigo, Psicosis, Los pájaros, Éxodo, Espartaco, West Side Story, Anatomía de un asesinato...) además de sus títulos de crédito. Trabajó con directores de la talla de Martin Scorsese, el mencionado Hitchcock, Billy Wilder, John Frankenheimer, Stanley Kubrick, Otto Preminger, John Ford...
Hoy os traigo una selección de varios títulos de crédito de Bass además de varios enlaces sobre su biografía y obra.
Mañana será un día grande en Almonte, la próxima madrugada los almonteños continúan una tradición que se remonta a 1270-1284; cuando Alfonso X "el Sabio" ordena la construcción de la primera ermita, para que recibiera culto la imagen de Ntra. Sra. de las Rocinas, como por entonces se conocía a la actual Virgen del Rocío. La leyenda nos cuenta que un campesino, para algunos de Almonte para otros de Villamanrique de la Condesa, encuentra entre la maleza y en una zona de difícil acceso del bosque llamado La Rocina la imagen de la Virgen. Decide trasladarla a su pueblo y, a la mañana del día siguiente, al ver que la imagen había desaparecido vuelve al lugar donde la había encontrado para ver que había regresado allí. Y, en ese lugar, erigieron la primera ermita, cuya representación encabeza la entrada y que es un fragmento de una imagen que se conserva en el museo de la aldea almonteña. De los "chozos" levantados para asistir a la procesión de la Virgen, nace la actual aldea, al hacerse más estables las construcciones.
A mediados del s. XVII se constituye la Hermandad Matriz y, en el s.XVIII comienzan las peregrinaciones de las primeras Hermandades filiales: Villamanrique de la Condesa, Pilas, La Palma del Condado, Moguer y Sanlúcar de Barrameda. En 1722, Felipe V le otorga la condición de Real Feria del Rocío. Tras el terremoto de Lisboa (1755) y dado el estado ruinoso en el cual quedó el primitivo santuario, se decide la construcción de uno nuevo, el cual se mantiene hasta la reforma que afecta sobre todo a su fachada en 1915. Hace cuarenta años, se inaugura la actual ermita. Os traigo imágenes de las diferentes ermitas:
1758- 1915
Proyecto no ejecutado de reforma. Aurelio Gómez Millán, 1915
1915- 1963
Ermita provisional, desde 1963 hasta 1969.
El proyecto de la actual ermita se debe a los arquitectos Antonio Delgado y Roig y Alberto Balbotín de Orta, realizado hacia 1960.
Para finalizar, os traigo un vídeo realizado a partir de los dibujos de los chavales de mi tutoría de éste año, 1º ESO C, sobre la fachada de la actual ermita coincidiendo con el cuarenta aniversario de su construcción. A ellos les dedico la entrada.
No hay nada mejor para relajarse que ponerse a pintar. Aprovechando la gran cantidad de fotografías que tomé en la visita que hicimos el mes pasado, seleccioné tres de otros tantos lugares de Doñana para realizar los cuadros que os traigo hoy.
El cuadro que encabeza la entrada es el llamado "Charco del Acebrón", cercano a un curioso palacio realizado a mediados del siglo XX por un terrateniente con aspiraciones a la nobleza. Al arruinarse, vende su finca al Estado; después de fracasar sus conversaciones con una empresa dedicada a la fabricación de celulosa, la cual no creo que hubiera conservado el entorno precisamente...
Los otros dos cuadros -bajo estas líneas- son la Laguna del Acebuche y un pinar cercano al arroyo de la Rocina.
Para finalizar un curioso vídeo de you tube: " Armonia fractal de Doñana y las marismas", el paisaje cambia sorprendentemente al verlo a vista de pájaro.
De todas las estampas que se conservan del genial Alberto Durero (1471-1528), es ésta titulada "El monstruo marino" de 1498 junto a la famosísima "Melencolia I" (1514) las que más interés me han despertado. Si bien -la que encabeza la entrada- no tiene ni la mitad de estudios que "Melencolia I" estudiada, fundamentalmente, por el historiador y ensayista alemán Erwin Panfosky (1892-1968).
El grabado alude a un rapto, donde una mujer de apariencia oriental -por su tocado- accede, aunque con gesto preocupado, a que un ser fantástico, un anciano tritón, la lleve consigo hacia el interior del mar. En segundo plano vemos a un hombre -posiblemente el padre- con turbante que se desespera ante la escena, al igual que las asustadas compañeras de la víctima.
Según el catálogo de la exposición que se celebró en Madrid en 2005 sobre Durero," ninguno de los numerosos casos de rapto de la mitología propuestos han resultado convincentes. Parece más bien que Durero eligió un marco y un tratamiento espectacular para escenificar y resaltar el motivo principal, la beldad yacente.
Ésta reposa en una postura impropia de una situación de rapto, entre tumbada y sentada, relajada como si yaciera en un canapé."
Es una imagen simbólica, o -si nos atenemos a la metodología del análisis iconográfico de Panofsky- un "tema encuadre": la figura femenina desnuda. Concretamente y en nuestro caso, es la belleza recostada, el concepto de belleza con tintes eróticos. Es curioso como el mismo tema se transmite de un artista a otro, con una composición más o menos fija pero conservando su significado. Os traigo una selección de obras de otros tantos artistas que han tratado el mismo tema. No os descubro nada si os digo que -en algunos casos- las obras les trajeron problemas. Os los comento, junto a algunas curiosidades, bajo las imágenes.
Giorgione "Venus dormida", 1507-1510
El cielo lo finalizó Tiziano, al quedar inconclusa la obra por el fallecimiento del artista. Influye directamente en la "Venus de Urbino" de Tiziano.
Correggio "Venus y Amor descubiertos por un sátiro" o "Júpiter y Antíope", 1507-1510
Tiziano "La Venus de Urbino", 1538
Velázquez "La Venus del espejo", 1648
Los desnudos no eran muy comunes en la sociedad española del s. XVII. Teniendo en cuenta que no eran el tema preferido de la Santa Inquisición... Aún así y dado que el cuadro estaba destinado a las colecciones privadas de Don Gaspar Méndez de Haro, su primer propietario conocido y cortesano del rey Felipe IV, además de ser -Velázquez- pintor de la corte y aposentador de palacio esto no representó un problema para él. Es conocida la afición de los monarcas españoles por los desnudos -siempre representando temas mitológicos- y que se guardaban en una habitación especial de restringido acceso, algunos autores nos señalan cómo las obras aparecían tapadas con gruesos cortinajes para impedir miradas inconvenientes. El cuadro ha pasado por varios propietarios (el Duque de Alba o Godoy, el cual la colocó junto a las dos "majas" de Goya) hasta recabar en la National Gallery de Londres, donde se conserva desde 1906. Eso sí, protegida con un cristal desde el ataque de la sufragista Mary Richardson en 1914 con un hacha de carnicero.
Goya "La maja desnuda", entre 1790-1800
El famoso cuadro del artista aragonés tiene su particular historia. Aunque se especula que la retratada fuera la Duquesa de Alba, no se tienen pruebas concluyentes. Lo que sí sabemos es que su primer propietario era Manuel Godoy, y es posible que la obra fuera pintada para la Duquesa ya que, al fallecer en 1802, su colección pasa a manos del primer ministro de Carlos IV. Su "hermana", "La maja vestida", sí fue encargada por Godoy y -mediante un artificio hecho para la ocasión- ocultaba debidamente a "la desnuda".
La "desnuda" fue confiscada en 1807 por Fernando VII y secuestrada por la Inquisición por "obscena" en 1814. Por cierto que de no haber sido por la intercesión del cardenal Luis Mª de Borbón, la broma le hubiera costado a Goya un serio disgusto. Hasta su instalación (junto a la "vestida") en el Museo del Prado en 1910, se conservó en la Real Academia de Arte de San Fernando, en una sala especial destinada a las obras más atrevidas y de acceso restringido.
Creo que, el "atrevimiento" de Goya -más bien genialidad- se manifiesta en la supresión de cualquier referencia mitológica que pudiera haber "disimulado" el verdadero tema.
Canova "Paolina Borghese", 1805-1808
Inspirada en la hermana menor de Napoleón.
Ingres "La gran Odalisca", 1814
Manet "Olympia", 1863
Algo parecido a "La maja desnuda" le acontece al cuadro de Manet. Expuesto, por primera vez, en el Salón de París de 1865. Causa un gran escándalo, ya que, al igual que Goya, prescinde de elementos mitológicos al retratar a una mujer de su época. Está hábilmente inspirada por la "Venus de Urbino de Tiziano".
Cabanel "El nacimiento de Venus", 1863
Klimt "Danae", 1907
Personal interpretación de la leyenda de la íntima relación entre Zeus -transformado en lluvia- y Danae.
Modigliani "Desnudo echado con los brazos abiertos", 1917
Este desnudo forma parte de la exposición de realiza el artista a finales de 1917. Al mostrarse los cuadros en el escaparate de la galería, provocan tal escándalo y tumulto que la policía requisa los cuadros y cierra la exposición.
Horst P. Horst "Odalisca", 1943
Interpretación del famoso fotógrafo alemán del grabado de Durero con el que abríamos esta entrada. Sobre la biografía de Horst, que retrató -entre otros- a Dalí, Coco Chanel, Greta Garbo o Luchino Visconti os traigo este enlace:
Amedeo Modigliani (1884-1920) encarna, como ningún otro artista, el mito del pintor bohemio consumido por el alcohol, las drogas y todo tipo de excesos, falto de recursos económicos y dentro de la atmósfera del París de principios del s. XX, centro del mundo artístico de la época. Coincide, en la capital francesa, con Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaim Soutine, Vicente Huidobro…
Al igual que en otros casos -como en el del Jackson Pollock- detrás del artista está la figura de su compañera, discreta, callada, siempre fiel y eclipsada por la fama de su pareja. El caso de la bella Jeanne Hébuterne (1898-1920) es una triste historia de amor con final más que trágico.
Jeanne Hébuterne
Retrato de Jeanne Hébuterne, 1919
Modigliani o “Modi” (apodo con el que era conocido por sus amigos, curiosamente apócope de “maudit”, “maldito” en francés) es un artista que no se somete a ningún movimiento artístico en una época marcada por numerosas tendencias que se empiezan a suceder vertiginosamente. Esta libertad creadora se manifiesta en el escaso reconocimiento de su obra en vida, sólo al final de ella el pintor pudo comprobar cierta apreciación y difusión de sus creaciones. Su estilo está marcado por la atracción de lo “primitivo” (arte africano) y un tratamiento escultórico de sus modelos, influencia directa de la obra de Constantino Brancusi. La mayor parte de la obra pictórica del italiano -ya que también realizó múltiples esculturas- nos presentan unas elegantes y estilizadas figuras (pintó pocos paisajes), retratos muy personales que no sólo representan al personaje sino -a mi juicio- la personalidad del retratado bajo los observadores ojos del pintor.
Autorretrato, 1920
Enfermo de tuberculosis, lo cual no era freno para sus aventuras, e intentando –por consejo de su marchante y amigo Léopold Zborowski – poner en orden su vida, pasa una temporada en Niza con Jeanne (desde marzo de 1918 hasta mayo de 1919). Al regresar a París, se hace patente que la enfermedad empeora considerablemente. Son meses de intensa producción, dedicada a su compañera y a sus amigos. “Composiciones luminosas, de tonalidades claras, colores que juegan en contraste con rojos y azules intensos” (Victoria Soto). El último cuadro del pintor es su único autorretrato conocido, aunque el rostro que pinta no tiene nada que ver con su estado real –próximo a la muerte- podemos intuir en sus ojos licuados el presagio de su próximo final. Modigliani no llega a cumplir su deseo de casarse con la joven Jeanne, ya que fallece de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920 en el Hospital de la Caridad, al cual lo trasladan sus amigos: el chileno Ortiz de Zárate, Kisling y Zborowski. No había cumplido los treinta y seis años. La noche del día siguiente, un frío domingo invernal, Jeanne –embarazada de nueve meses de su segundo hijo- abrió la ventana de su dormitorio en casa de sus padres y, atormentada por la pérdida de su amado compañero, saltó. Tenía veintidós años. La última escena de este drama romántico, tuvo lugar en el cementerio de Père-Lachaise el 27 de enero con la inhumación del artista. Acudieron al sepelio todos los personajes de la bohemia de Montmatre y Montparnasse, desfilando en un impresionante cortejo fúnebre por las calles de la ciudad. Diez años más tarde, Emanuelle Modigliani -hermano del pintor- logró convencer a la familia de Jeanne para que descansaran juntos.
Para finalizar os traigo un “tráiler” de la película “Modigliani”, interpretada por Andy García. A mi juicio, un tanto exagerada, en momentos anacrónica y falta de rigor histórico pero, hasta la fecha, creo que es la única dedicada al pintor. Además he encontrado en you tube el mejor momento de la cinta, cuando varios artistas -Picasso incluido- pintan febrilmente para una exposición colectiva...
Os traigo una selección de los dibujos y lienzos que he realizado de la bella ciudad malagueña, en la cual estuve trabajando como restaurador (limpiando las interminables arcadas de piedra) en la Plaza de Toros hace ya algo más de diez años. La mayoría de los trabajos son de aquella época. El último cuadro es el que realicé el verano pasado con motivo de la boda de mis amigos Juan y Ana que, por cierto, están esperando su primer retoño. A ellos tres dedico esta entrada, ¡felicidades!
Aunque han pasado tres días desde San Jorge, os traigo dos vídeos para conmemorar el 23 de abril. El primero no necesita presentación, es un corto del famoso relato de Jorge Luis Borges "El Libro de Arena", adaptación fiel del relato del genial argentino. El segundo -de cachondeo- es la no menos famosa intervención de Francisco Umbral en un programa de televisión dirigido por Mercedes Milá...
Hoy se cumplen 72 años del bombardeo de Guernica. El atroz ataque –a un objetivo militar secundario- se saldó con alrededor de 300 muertos (la cifra sigue siendo objeto de controversia al igual que la de los heridos). La cruel intervención de la aviación alemana, aliada de los sublevados en la guerra civil, despertó la indignación -más bien repugnancia- de numerosas personas. Aún hoy nos sobrecoge, sobre todo al leer las publicaciones del bando “nacional” aparecidas en prensa en los días posteriores al bombardeo. Hace poco, visitando la Biblioteca Virtual de Prensa Histórica (http://prensahistorica.mcu.es/es/estaticos/contenido.cmd?pagina=estaticos/presentacion) encontré este artículo, no recomendado si se padece del estómago:
Azul : órgano de la Falange Española de las J.O.N.S. Año II Número 180 (29/04/1937)
Queremos decirle al mundo muy alto y muy claro unas palabras sobre el incendio de Guernica. Guernica está destruida por el incendio y la gasolina. La han incendiado y la han convertido en ruinas las hordas rojas al servicio criminal de Aguirre, presidente de la república de Euskadi.El incendio se produjo ayer y Aguirre ha lanzado la mentira -infame- porque es delincuente común, de atribuir a la heroica y noble aviación de nuestro Ejército Nacional, ese crimen. Se puede probar en todo momento que la aviación nacional no voló a causa de la niebla, ni sobre Guernica, ni sobre ningún otro punto de Vizcaya. Hoy si ha volado la aviación Nacional sobre Guernica. Ha volado y ha tomado fotografías del incendio de Guernica, que aparece casi totalmente destruida. Aguirre se ha sentido diabólico y ha preparado un alarde de histrionismo repugnante: la destrucción de Guernica, para endosarla al adversario y buscar un movimiento de indignación en los vascos que, vencidos y desmoralizados, no pueden ya reaccionar en el caso de que puedan reaccionar todavía, sino a merced a una gran convulsión de este género. Si el árbol santo de Guernica ha perecido en la hecatombe, es Aguirre y los suyos quienes lo han hecho perecer. Ya hemos dicho que nuestra aviación no pudo producir ese incendio, porque no voló; además hay testigos del incendio de Guernica por los rojos, testigos de su labor con la tea incendiaria y con el petróleo. Muy pronto quedará en nuestro poder esta villa, e invitamos al mundo a que vaya con nosotros a contemplar sus ruinas. Allí se probará de manera indudable, ante los periodistas extranjeros, que la destrucción de Guernica no pudo ser provocada con bombas incendiarias, que su destrucción es la obra de los que quemaron Irún, Éibar, de los que dejan siempre una España espectral a sus espaldas. Aguirre acaba de intentar la más trágica y despreciable de las farsas. Ha quemado, ha destruido Guernica. La Ciudad Santa de los vascos. Dentro de poco no le quedará al mundo duda alguna, pero además de las pruebas que se han aportado ya a la vista del mundo, la España reconquistada por Franco, serena, tranquila, libre, feliz, junto al Ejército Nacional que vence al enemigo y reconstruye su patria, mientras las hordas rojas asesinan, martirizan, incendian, destruyen, llevan el caos por todas partes. Los vascos y el mundo entero, deben saber que Aguirre ha quemado Guernica. No hay más verdad que esta, que es la única verdad.
El artículo, que no tiene desperdicio, pone “los pelos de punta” y presagia lo que será el futuro de esa España “serena, tranquila, libre, feliz”. Una auténtica broma macabra parecida al nombre oficial de la “Alemania del Este”: República Democrática Alemana… Curiosamente, fue el mariscal Göring quien reconoció el ataque en el juicio de Núremberg.
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La República Española había encargado a Pablo Picasso un gran mural que expresara la barbarie de la guerra civil para el Pabellón español en la Exposición Universal de París, que se preparaba para ese mismo año de 1937. El horror del bombardeo impresionó a un Picasso que buscaba inspiración para la obra. En un mes estuvo listo el mural, el cual se expuso al público el 4 de junio. La obra despertó gran interés y admiración desde el primer día. Una vez finalizada la muestra parisina, el cuadro viaja a Oslo y Londres para ser finalmente depositado en el MoMA de Nueva York, donde se formaliza el depósito en 1953. Bien cierto es que Picasso cobró 100. 000 pesetas de la época por su obra, pero el pintor no reconocía a la Dictadura franquista como legítima heredera del gobierno republicano, de tal manera que el Guernica no vino a España una vez concluida la contienda. Picasso puso condiciones para que el cuadro viniera: el Guernica no viajaría hasta que los representantes del pueblo español fueran elegidos democráticamente bajo un régimen republicano, y se ubicaría en el Museo del Prado, dirección del cual le fue otorgada por el gobierno republicano aunque, Picasso, nunca llegó a tomar posesión del cargo. Desde 1968, el propio Franco quiso hacerse con el Guernica -¿quizás por tener cerca una de sus mayores atrocidades?- a través de Carrero Blanco inició las negociaciones con los estadounidenses, siempre con la misma respuesta: “no”. Finalmente, y después de superar todo tipo de problemas (políticos, de ubicación del cuadro, con los herederos de Picasso…), el ministro de la UCD, Íñigo Cavero –en 1981- se hace cargo del cuadro en una íntima ceremonia celebrada en el MoMA, de la cual nos queda la expresiva frase de despedida de The New York Times: “Sentimos no haber tenido la oportunidad de decirle adiós. El Guernica nunca fue nuestro, pero para muchos era un tesoro nacional”. El 10 de septiembre de 1981, el Boeing 747 “Lope de Vega” aterrizaba en el aeropuerto de Barajas a las 7:45 horas. Su principal pasajero era un rollo y cinco cajas que contenían un lienzo y 63 bocetos: el Guernica, la magistral obra de un pintor expresando los horrores de la guerra, un símbolo universal de la paz.
La primera vez que pude ver el cuadro, a mediados de los 80, lo protegía una gruesa mampara de vidrio blindado (tal y como aparece en el vídeo anterior) y lo custodiaban dos guardias civiles metralleta en mano. Hoy podemos admirarlo sin esas protecciones, síntoma de que –afortunadamente- vivimos otros tiempos.
En 2001 nuestro Instituto conmemoró el vigésimo aniversario de la llegada del Guernica, con una exposición que contaba con una interpretación a color del cuadro casi a escala natural –que todavía sigue colgado en nuestro Salón de Actos y encabeza ésta entrada- además de trabajos de los chavales sobre los personajes del cuadro y paneles explicativos sobre su interpretación y contexto histórico. Los textos fueron redactados por mi gran amigo –y profesor de historia- Javier Herreros de Tejada. Os los reproduzco por su claridad y rigor histórico, conjuntamente con los trabajos expuestos. El primer panel exponía los hechos atroces que propiciaron la ejecución de la obra:
El lunes 26 de abril de 1937,a las 16.30 horas, se iniciaba el bombardeo de la Legión Cóndor (aviación alemana) contra la pequeña localidad vizcaína de Guernica, de apenas 7.000 habitantes, que ha quedado como símbolo de la barbarie humana del S.XX. A continuación reproducimos el artículo publicado en el periódico británico The Times: "Guernica, la ciudad más antigua de los vascos y centro de sus tradiciones culturales, fue completamente destruida ayer por la tarde mediante una serie de incursiones aéreas de los insurrectos. El bombardeo de esta ciudad, indefensa y muy alejada del frente, requirió exactamente 3 horas 15 minutos, durante las cuales una poderosa flota de aviones consistentes en 3 modelos alemanes, bombarderos Junkers y Heinkel y cazas Heinkel, no cesó de descargar sobre la ciudad bombas de 500 Kg. además de un número de proyectiles incendiarios de aluminio, de 1 Kg. de peso, que se ha calculado en más de 3.000 mientras tanto, los cazas volaban rasantes desde el centro de la población para ametrallar a la población civil que se refugiaba en los campos. Toda Guernica estuvo inmediatamente en llamas".
Los restantes paneles exponían las interpretaciones de los personajes:
Picasso siempre se negó a esclarecer el significado (iconografía y simbología) de sus 8 personajes-símbolos. Según él, "cada cual debe ver en el cuadro lo que quiera ver".
LA MADRE CON SU HIJO
En esta doble figura se ha visto, por un lado, la maternidad tema relacionado con su época azul y, por otro lado, el infanticidio representado por el niño muerto sobre la falda-matriz, como si se tratara de una Piedad. En este sentido, Juan Larrea, amigo del pintor relaciona la palabra Madre con la defensa de Madrid que en aquel momento era asediada por las tropas de Franco. Llama la atención el rostro desgarrado de la mujer, con unos ojos que lagrimean y se vacían saliéndose de las cuentas. El otro componente esencial para la expresión del dolor es la boca, con una lengua-cuchillo, expresión del desgarro y pavoroso grito de una madre. ¿Podría ser la madre España clamando venganza? El niño es el único personaje muerto del cuadro, con la cabeza colgante y flácida en diálogo con la mano abierta del guerrero, simboliza el asesinato de la inocencia. Algunos quieren ver una doble imagen surrealista en esta figura: la nariz del niño muerto y sus ojos serían a la vez sus genitales.
LA MUJER CAÍDA EN LLAMAS POR LA VENTANA
Se trata de un cuerpo femenino levitando, consumido y reducido que está huyendo o es expulsado de la puerta de su derecha. En un dibujo preliminar se agarra a una escalera, herida de muerte y sostiene a un niño exangüe con su brazo izquierdo. Posteriormente, la escalera desapareció en el proceso final y las llamas se hicieron tan esquemáticas que parecen las aletas de un pescado colocadas sobre las enaguas que cubren a la mujer de las axilas para abajo. Escuchamos el crepitar de las llamas, el fuego abrasador de las bombas incendiarias utilizadas por la aviación alemana de la Legión Cóndor. La figura mantuvo siempre sus brazos en alto, con un gesto patético, que nos recuerda la postura del personaje central de "Los fusilamientos del 3 de mayo" de Goya, simbolizando la brutalidad salvaje sobre los inocentes. La actitud declamatoria del personaje es la más adecuada para la representación trágica a la que asiste el espectador, en un escenario oscuro.
EL TORO
El toro es un animal mítico desde la antigüedad, que desprende, pese a su apariencia terrible, una fuerza elemental y religiosa. Estrabón ya comparó la Península Ibérica con una piel de toro. Picasso desde joven tuvo una afición andaluza por las corridas de toros pintando escenas taurinas desde los 8 años de edad. El minotauro era el símbolo preferido de Picasso de sí mismo, considerándolo su "alter ego", mitad hombre mitad toro. Según el escritor Ramón Gómez de la Serna "Picasso era un torero". El toro orgulloso y desafiante, erguido, como si no le afectara la tragedia que tiene delante, simboliza aquí al pueblo español al que no podrá sojuzgar la agresión fascista. El toro ibérico, influencia de la "Tauromaquia" de Goya con su lengua fálica al que nadie le hiere ni alcanza protegiendo a la madre. Es la única realidad indemne de la composición donde todo es destrucción ciega y en la que debería haber sido en circunstancias normales el objeto del sacrificio ritual. Sin embargo, para el pintor Jerome Seckler el toro simboliza la brutalidad. Frente a esta opinión, en las obras precedentes de Picasso como la "Minotauromaquia", siempre aparece como una fuerza noble y justiciera.
EL CABALLO
Se trata de uno de los tres animales representados en el cuadro y como el anterior, de interpretación ambigua. Aparece alanceado y herido de muerte a punto de caer, coceando la estatua-guerrero, cuyo cuerpo ha hecho desaparecer. En 1934 en el cuadro "Mujer con vela, combate entre el toro y el caballo" aparece ya la cabeza de caballo de aspecto fálico, elevándose hacia el cielo con su boca abierta para exhalar un último suspiro desgarrador, con un tremendo relincho. Picasso dijo que representaba al pueblo en convulsa y desgarradora agonía. Sería una yegua símbolo positivo de España, una especie de ave fénix de cuya herida mortal manan las alas de la libertad, según la hipótesis de Juan Antonio Ramírez. Picasso transmuta el valor simbólico de los mismos elementos y por ello para Juan Larrea representa el franquismo, el monstruo fascista, el feo equino, el enemigo, el antagonista aristocrático del toro- pueblo.
LA PALOMA
Se trata de un pájaro herido, posiblemente una paloma, situado sobre una mesa que vino a sustituir el espacio que antes ocupaba un tajo en un árbol, que representaría el roble de Guernica símbolo de los fueros y libertades del pueblo vasco. El pájaro aparece, en el estado II (fotografía de Dora Maar), volando con el pico desmesuradamente abierto sobre la mujer en llamas, como si estuviese gravemente herido o anunciase con su chillido la hecatombe a la que asiste. Finalmente, aparece en la mesa entre el toro y la yegua, formando el triángulo animal del cuadro. En un dibujo de 1936 titulado “Fauno, caballo y ave” la paloma era pisoteada por un feroz y casi demoníaco caballo. Posteriormente, en 1949, el II Congreso Mundial por la Paz que se celebra en París elige como cartel del congreso una litografía de Picasso, representando una paloma, que se conocerá como "la paloma de la paz".
EL GUERRERO
La inspiración de este personaje se encuentra en un manuscrito francés del Siglo XI, el "Apocalipsis" de la Abadía de Saint-Sever. Picasso utiliza por primera vez esta figura en el ladrón muerto tendido en el suelo del cuadro "La Crucifixión" (1930). La figura cambió bastante a lo largo de la ejecución de la obra: tras la eliminación de su puño enhiesto, apareció con los brazos extendidos, como un crucificado, cabeza abajo; en el estado VII sufre una gran transmutación para convertirse en un descuartizado: sinécdoque visual de la matanza. Este varón estatua aparecía en la obra "Bodegón con cabeza de escayola" de 1925, aunque con otro significado. En la escena final del cuadro hizo desaparecer el cuerpo de una bella joven muerta, para eliminar el fácil sentimentalismo. Picasso deseaba que sus obras produjeran emoción en el espectador. Una mano fuerte y callosa, con poderosos surcos cruzados, como si se tratara de un mapa de la reseca tierra española, en la cual podemos vislumbrar una estrella de 5 puntas. En la otra mano, en medio del atroz estruendo, surge el silencio de la flor que brota, flor que nace y renace, canto a la esperanza en el futuro. Algunos han querido ver en la figura del Guerrero a un miliciano de la República Española.
LA MUJER DESPAVORIDA CORRIENDO EN DIAGONAL
Se trata de una figura femenina que entra en la escena corriendo por la derecha, con el trasero al descubierto. Conocemos por el escultor británico Henry Moore la anécdota en la que relata el significado:.... "Picasso nos dijo que allí faltaba algo, se marchó, cogió un rollo de papel y lo pegó en la mano de la mujer, como para decir que había sido sorprendida en el cuarto de baño cuando cayeron las bombas". En el cuadro final aparece semidesnuda, pero estuvo vestida con un gran trozo de papel estampado a modo de collage, según el estado IV. Ciertos críticos han visto en la figura un símbolo de Eros avasallado con los freudianos pezones-chupetes, su pequeña vulva sexual y sus mórbidos glúteos.
LA MUJER DE LA VENTANA, CON EL CANDIL
Mujer de rostro "clásico" picassiano en el que se ha querido ver la faz de Marie Thérése Walter, amante y madre de su hija Maya. Picasso atravesaba desde el punto de vista emocional "los peores momentos de su vida". Según sus propias palabras, se encontraba anegado en una notable confusión sentimental (casado con la bailarina Olga Koklova, padre de una hija con Marie Thérése Walter y amante de la fotógrafa-musa de los surrealistas Dora Maar). Simbolizaría la luz humilde, antigua y popular que da resplandor moral y alumbra la verdad en oposición a la luz tecnológica, representada por la etimología bomba-bombilla bajo cuyo nada inocente resplandor sufren bestias y personas. Otros críticos han señalado que la tulipa se asemeja a un ojo, con la bombilla en el lugar de la pupila, iconografía tradicional de la mirada divina, repunte blasfematorio muy español del gusto de Picasso.
Para finalizar os traigo un precioso vídeo de you tube: “El Guernica en 3D” :
1758- 1915
Canova "Paolina Borghese", 1805-1808
-ooOoo-
