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martes, 3 de agosto de 2010
domingo, 28 de marzo de 2010
DESTINO
El genial Salvador Dalí es uno de los artistas más versátiles del siglo XX. De su aventura americana nos quedan numerosas maravillas y curiosidades. Os traigo tres: la primera es el cortometraje que, en colaboración con Walt Disney, Dalí nunca llegó a terminar. Hasta el año 2003 durmieron en los sótanos de la Disney los veinte segundos rodados junto a la gran multitud de bocetos, dibujos y pinturas que el ampurdanés llegó a realizar. Gracias a todo este material se ha podido finalizar el corto de algo más de seis minutos de duración. La segunda maravilla es el sueño del olvidadizo Gregory Peck en "Recuerda" (Spellbound) rodada en 1945 por Alfred Hitchcock. Es curioso el homenaje que hace el gran director británico a Luis Buñuel en la escena donde un personaje corta una gran cortina repleta de ojos gigantescos. La última que os traigo es, más bien, una curiosidad. Se trata de la intervención de D. Salvador en un concurso de televisión donde, los concursantes, deben adivinar el nombre del invitado gracias a las preguntas que le formulan. Una buena muestra de la personalidad del genio catalán.
Más sobre "Destino" en esta página.
jueves, 18 de febrero de 2010
EL PLANO IMPOSIBLE: EMILIO RUIZ DEL RÍO
La biografía del artista madrileño Emilio Ruiz del Río (1923-2007) es, cuando menos, excepcional. Al igual que otros artistas dedicados al mundo del cine como Saul Bass y el protagonista de la entrada anterior, Drew Struzan, Emilio Ruiz empleaba los secretos tradicionales de su oficio para crear -en este caso- escenografías para películas ( ¡trabajó en más de 520! ) que nada tienen que envidiar a las modernas técnicas digitales.
Desde su primer trabajo en "La aldea maldita" dirigida en 1942 por Florián Rey, hasta su último trabajo en "Las mujeres del anarquista" pasando por "Espartaco" (Stanley Kubrick, 1960), "Rey de reyes" (Nicholas Ray, 1961), "Cleopatra" (Joseph L. Mankiewicz, 1963), "La caída del Imperio Romano" (Anthony Mann, 1964), "Lawrence de Arabia" (David Lean, 1962), "Doctor Zhivago" (David Lean, 1965), "Golfus de Roma" (Richard Lester, 1966), "Patton" (Franklin J. Schaffner, 1970), "Conan el Bárbaro" (John Milius, 1982), "Dune" (David Lynch, 1984), o "El puente de San Luis Rey" (Mary McGuckian, 2004) entre otras, Emilio Ruiz construyó grandes edificios, puertos, puentes... todo a escala e integrándolos en la escena real para ser filmados en directo y empleando la perspectiva de una manera formidable.
Consiguió tres premios Goya por "Acción mutante", "Nadie conoce a nadie" y "El laberinto del fauno". Pero, la escena más conocida del genio madrileño (por lo menos en España) es la del atentado contra el presidente Luis Carrero Blanco, asesinado por ETA en diciembre de 1973. La impresionante escena de la película "Operación Ogro" (Gillo Pontecorvo, 1979) es, en sí misma, más un documento gráfico del magnicidio que una recreación con efectos especiales:
La semana pasada, la segunda cadena de Televisión Española emitió un interesante documental sobre Emilio Ruiz: "El último truco". Aunque no pude verlo entonces, lo encontré en este blog y os lo traigo como un pequeño homenaje a un gran artista del cual desconocía su existencia.
Más en su web: http://tertre-rouge.iespana.es/
viernes, 5 de febrero de 2010
EL PINTOR DE PELÍCULAS
La obra del estadounidense Drew Struzan (Oregon, 1947) le precede en popularidad. Todos la hemos visto, aunque -en principio- desconozcamos su autoría. Y es que el personal estilo del ilustrador norteamericano nos ha acompañado en más de una tarde de cine y palomitas. Es autor de portadas de discos, publicidad, sellos, cubiertas de libros y más de 150 carteles de películas (todos los realizados para "La Guerra de las Galaxias", "Indiana Jones", "Regreso al Futuro", "E.T.", "Harry Potter", "Blade Runner", "La milla verde"... y las españolas "El laberinto del Fauno" y ¡"Torrente 3"!).
Influenciado por la obra del checo Alfons Mucha (1860-1936) y de su compatriota Norman Rockwell (1894-1978 ), Struzan realiza sus obras rápidamente (el tríptico de la nueva edición de "La Guerra de las Galaxias" le llevó solo tres semanas). Parte de las fotografías del rodaje de las películas y, cuando es posible, de retratos del natural. En una era marcada por el diseño digital, Struzan es un genio del aerógrafo que combina con humildes lápices de colores sobre soportes de madera, con un resultado hiperrealista que consigue captar, en una sola imagen, toda la realidad de la película. Lástima que se haya retirado en septiembre del año pasado, aunque siempre nos quedará su magnífica obra.
Una idea de cómo trabaja:
Entrevista a Struzan: http://www.youtube.com/watch?v=R4WQdHNRvXA
Entrevista a Struzan: http://www.youtube.com/watch?v=R4WQdHNRvXA
Más imágenes de sus trabajos en su web: http://www.drewstruzan.com/
jueves, 21 de enero de 2010
EL POZO Y EL PÉNDULO
"...el laberinto tiene algo muy curioso porque la idea de perderse no es rara, pero la idea de un edificio construido para que la gente se pierda (...) es una idea rara". Además, añade el genial Jorge Luis Borges: "que se pierda la gente y se pierda el lector, esa es una idea rara, por eso he seguido siempre pensando en el laberinto...". Si añadimos al laberinto una suerte de escaleras, puentes y túneles oscuros con multitud de elementos bastante sombríos como en los grabados de Piranesi (1720-1778), nos podemos perder en un mundo verdaderamente aterrador. En los oscuros pasadizos sin destino de sus estampas, los surrealistas vieron el interior de la mente humana, aunque quizás sea, en bastantes ocasiones, más tortuosa y oscura que las prisiones del artista veneciano.
Aunque la idea sea rara, no deja de ser fascinante. Piranesi realizó la primera parte de sus "Carceri d'Invenzione" en 1745, con 25 años. Arquitecto y, sobre todo, magnífico grabador ya que se le conoce por sus series de grabados de antiguos monumentos romanos y sus estudios teóricos sobre la arquitectura y perspectiva. De hecho, solo construyó un edificio, que sepamos: Santa María del Priorato en Roma, donde está enterrado. A pesar del nombre del templo, no tiene nada que ver con las aventuras del profesor Robert Langdon.
La atmósfera ilustrada por el grabador veneciano ha influenciado a gran número de artistas y escritores, como el complejo y torturado Edgar Allan Poe, de cuyo relato he tomado prestado el título para la entrada y donde un atormentado presidiario de la Inquisición da con sus huesos en una prisión toledana. Es sometido a las más crueles torturas, muchas de ellas -al igual que los grabados del italiano- fuentes de inspiración para el cine de terror como ese péndulo afiladísimo que, suspendido de un techo de altura inconmesurable, baja y baja sin cesar tranquilamente con oscuras intenciones. Menos mal que nuestro pobre amigo -que consigue librarse ingeniosamente del tormento- es rescatado a última hora cuando estaba a punto de sucumbir ante un sombrío abismo, al estrecharse unos increíbles muros de metal incandescentes.
Aunque relato de Poe está (en mi opinión) dedicado a los que sufren los horrores de la tortura, el tema del laberinto (que nos ocupa) está presente. Nos podemos imaginar a nuestro protaginista en una celda, previsiblemente subterránea, en el mismo centro del laberinto o, quizás, es él el verdadero centro. Piranesi ilustra los relatos de Poe y Borges donde se refleja la soledad, la incomunicación, el infinito y lo laberíntico y absurdo del comportamiento humano.
Curiosamente, las primeras manifestaciones del tema del laberinto pueden simbolizar un camino de iniciación. Si lo asociamos a la religión, sería el camino que debe de recorrer el creyente hasta encontrarse con su Creador, como puede ilustrar el famoso laberinto de la catedral de Chartres:
Ya en el Renacimiento, el laberinto se torna antropocéntrico, conectando tanto con las estampas de Piranesi como con los relatos de los dos escritores americanos. El desasosiego que inspira el laberinto es, en nuestra vida diaria, más común de lo que podíamos imaginar. Por ejemplo, cuando estamos en una ciudad distinta y desconocemos su trazado... Actualmente, además de nuestros propios laberintos internos con sus "fantasmas", tenemos el, quizás, mayor laberinto creado jamás: Internet. Con el hipertexto y su forma más habitual: el hipervínculo o referencias cruzadas automáticas, que nos hacen ir de un lugar a otro en un espacio que bien puede ser más terrorífico que el ilustrado por Piranesi, el espacio virtual. Aunque también, después de haber salido airoso tras enfrentarse a él y gracias a una mano amiga como el presidiario de Poe, se puede -creo ingenuamente- llegar a intuir algo de su magnitud.
Para terminar, os traigo algunas ilustraciones inspiradas en las estampas de nuestro amigo Giovanni Battista Piranesi:
M.C. Escher, "Relatividad" (1953)
Fotograma de la película "Blade Runner" (1982)
Las escaleras móviles del "cole" de Harry Potter
Modelo del laberinto de "El nombre de la Rosa" (1986). Curiosamente, Umberto Ecco homenajeó a Borges en la figura del venerable bibliotecario Jorge de Burgos, además de hacer varias referencias a "La biblioteca de Babel".
jueves, 27 de agosto de 2009
FALSAS APARIENCIAS
Una de mis escenas preferidas de la película "La huella" (su título original es "Sleuth"), es cuando Milo Tindle (Michael Caine) pone a prueba los nervios y la razón del escritor Andrew Wyke (Laurence Olivier) proponiéndole un juego morboso: descubrir cuatro pruebas ocultas en la casa de Wyke, que incriminan al escritor en el asesinato de su amante, crimen cometido -en principio- por Tindle. La primera prueba es una pulsera de cristal. Todos los objetos incriminatorios están ocultos sí, pero a la vista. Para encontrar la pulsera, Tindle le facilita una pista "miras a través de él pero no lo ves". Después de unos momentos de frenética y desordenada búsqueda, Wyke reflexiona: "Miras a través de él pero no lo ves... ¡ese es el truco!. Entonces, el único modo de ocultar algo transparente y convertirlo en invisible aunque... aunque esté a la vista es... es ponerlo dentro de otra cosa transparente..." Así descubre el objeto dentro del vaso que estaba utilizando Tindle. No os contaré mucho más de la película por si no la habéis visto, pero os la recomiendo. Es una obra maestra de Joseph Mankiewicz, estrenada en diciembre de 1972 y con dos únicos y grandes actores de reparto -Olivier y Caine- y la fantástica casa del escritor como escenario de una muy ingeniosa y divertida trama.
Hay otra gran película en la que podemos ver algo similar. En 1976 Alfred Hitchcock dirige su última película "La Trama" (original "Family Plot" y que en Hispanoamérica se tradujo como "Trama macabra"). Uno de los personajes es Arthur Adamson, (William Devane) un importante joyero, que se ¨distrae¨ aumentando su fortuna con secuestros por los que obtiene fuertes rescates, consistentes en piedras preciosas. Precisamente esconde los diamantes en la fabulosa araña de cristal que cuelga del recibidor de su casa. Así las piedras están perfectamente ocultas sin dejar de estar a la vista.
Pero es curioso cómo, más veces de las que creemos, estamos delante de algo sin verlo. Eso ocurre con el "desaparecido" alminar de la Mezquita de Córdoba. En varias publicaciones nos informan que, el actual campanario fue edificado por Hernán Ruiz III en el solar que ocupaba el antiguo alminar de Abd al-Rahman III. Sin embargo, gran parte del alminar se conserva... dentro de la torre actual.
Vista actual de la torre
En 1975, se publica "El alminar de Abd al-Rahman III en la mezquita mayor de Córdoba. Génesis y repercusiones" (editado por el patronado de la Alhambra de Granada). Constituye un auténtico legado póstumo del insigne profesor D. Félix Hernández Giménez (1889-1975). El estudio recoge las investigaciones efectuadas en la torre en la década de 1930, las cuales dirige bajo la constatación documental de la existencia del alminar dentro del campanario. El alminar fue edificado por el primer califa cordobés y se inauguró en el 952 -algunos autores adelantan la fecha a 946- para sustituir al de Hisham I cuya cimentación encontró D. Félix en el actual Patio de los Naranjos cordobés. La torre pudo alcanzar los 47 metros de altura por 8,5 m en la base y ofrecería el siguiente aspecto:
Reconstrucción del alminar según Hernández Giménez. Lo que subsiste aparece sombreado.
Lo que se conserva del alminar coincide con el primer cuerpo del actual campanario, otorgándole una visión decreciente. Interiormente se organizaba con dos cajas de escalera simétricas que desembocarían en la azotea del primer cuerpo. Según Hernández Giménez, la solución de las escaleras gemelas -única en su género- se debió a la falta de experiencia en la construcción de grandes alminares y al poco tiempo para su construcción (unos 13 meses), sin embargo para los cronistas musulmanes de la época era un elemento diferenciador que demostraba la superioridad de la arquitectura cordobesa, ya califal. Sea como fuere, es cierto que ni antes ni después se empleó esta solución ya que los grandes alminares almohades optan por una suave rampa que asciende helicoidalmente por el interior de la torre. Para alminares de menor envergadura, como la actual torre de la Iglesia del Salvador en Sevilla, tanto anteriores como posteriores se suele emplear una escalera de caracol.
Vista de uno de los tramos de escalera del alminar descubiertos a principios de la década de 1930
El huracán de 1589 destruyó el yamur que coronaba la torre (el mismo coronamiento que poseyó la Giralda y que actualmente conserva la Koutubia), de tal forma que, el Cabildo cordobés, encarga al arquitecto Hernán Ruiz III el diseño de un nuevo campanario que sustituyera el provisional edificado después del derrumbe. No es de extrañar el similar diseño del campanario cordobés en comparación con el realizado en la Giralda, ya que, además de estar construído por el padre del arquitecto, la Giralda sevillana sirvió de modelo a muchas torres andaluzas. Sin embargo el gran peso del nuevo campanario hace que aparezcan preocupantes grietas en el antiguo alminar lo que determina, ya avanzado el s.XVII, el macizado del interior ocultando escaleras y bóvedas además de la construcción de una nueva "epidermis" que recubre y oculta casi en su totalidad al alminar, ya que -según Hernández Giménez- el muro este, aledaño a la Puerta del Perdón, todavía se puede observar:
Aunque no era la intención primitiva de las obras del campanario, ellas ocultaron al alminar con otra torre y, gracias a ella, todavía se conserva en su interior. De haber aguantado las pesadas piedras renacentistas o si se hubiera ejecutado otro diseño más ligero, el actual campanario cordobés tendría una imagen bien distinta...
Para finalizar, un corto pero muy bonito vídeo sobre la capital cordobesa:
sábado, 25 de julio de 2009
EL ARQUERO Y EL BRUJO
Desde que nuestras dos hijas, Ángela y Rocío, son un poco más mayores (cumplirán 5 años en enero); Charo -mi esposa- y el que escribe pueden permitirse algún viajito que otro con ellas. Recuerdo con mucho cariño, hace tan sólo un par de años, nuestras primeras vacaciones: parecíamos José Luis López Vázquez y Gracita Morales en un 600 cargado hasta los topes de maletas, bolsas... En este caso, viajábamos los cuatro en un Ford Fiesta cargados con los pañales, miles de mudas, un enorme carrito de dos plazas, algo de ropa para los papás y poco más... solo para un fin de semana en Fuengirola. El pasado verano estuvimos en Motril, coincidiendo con la boda de mis cuñados y acabamos de volver de Roquetas de Mar, un tranquilo y familiar destino estival en Almería.
La playa de Roquetas de MarAunque nuestras vacaciones han sido de playa -magnífica por cierto- y piscina, el viaje atravesando Andalucía, desde el oeste al este (unos 400 km), nos ha mostrado una gran diversidad de paisajes: la campiña sevillana, la peña de los enamorados antequerana, Sierra Nevada... y el impresionante desierto de Tabernas con sus poblados del Oeste Americano que tan famosos hicieran "spaghetti western" de la talla de "El bueno, el malo y el feo", una de las tres películas integrantes de la "Trilogía del dólar" del director Sergio Leone e interpretada por, entre otros, Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach.
Dejando a un lado a los tres personajes y su búsqueda de un fabuloso tesoro enterrado en una tumba, Almería guarda tesoros incalculables de más de 7.500 años de antigüedad. Uno de ellos está omnipresente en las tiendas de recuerdos o "souvenirs" conviertiéndose en el símbolo de toda la provincia, el Indalo (o Índalo ya que también lo he encontrado con acento).
Entrada de la Cueva de los LetrerosEl Indalo, cuya imagen encabeza la entrada, es una de las pinturas neolíticas conservadas en la Cueva de los Letreros, descubierta a principios del s.XX en la comarca de Los Vélez, al norte de la provincia y declarada Patrimono de la Humanidad por la UNESCO en 1998. Más concretamente, pertenece al municipio de Vélez Blanco y se halla en las faldas de la Sierra de Maimón Grande. Según la información que he podido encontrar (el enlace: http://www.juntadeandalucia.es/medioambiente/servtc5/ventana/mostrarFicha.do?idEquipamiento=19709 ) en la cueva, que al ser de tamaño reducido se piensa que era un lugar de carácter religioso, se representan "símbolos astronómicos, como soles lunas o estrellas, agua que surge de las entrañas de las rocas, escenas cotidianas de caza, animales [...] Destaca en este conjunto arqueológico la presencia de dos figuras rupestres. La primera de ellas es el símbolo de toda la comarca: un brujo con cabeza de carnero, hoces de agricultor en las manos y, posiblemente, una jarra cerámica. Parece evidente que esta figura varonil era la que realizaba los ritos en el interior de la cueva, incluso puede que fuera uno de los autores de esta pequeña capilla prehistórica. La segunda es una pintura internacionalmente conocida y símbolo de toda Almería: el índalo. Muchas teorías hay sobre él, pero la más creíble es aquella que dice que representa un cazador sosteniendo un arco de flechas con ambas manos... quizás fuera un amuleto que sirviera para atraer la caza". Sea como fuere sí es cierto que en poblaciones como Mojácar, el Indalo, se ha representado en las fachadas de las casas como un amuleto de buena suerte.
El brujo o hechicero Para finalizar, unas imágenes del Indalo y un vídeo de You Tube sobre la bella Almería. Según creo, la primera imagen es el Indalo original, el de la Cueva de los Letreros; el segundo está en uno de los accesos a Almería y, el tercero, se encuentra en una de las calles de la ciudad. El último es la mascota de los XV Juegos Mediterráneos, que tuvieron lugar en Almería entre el 24 de junio y el 3 de julio del año 2.005.
domingo, 19 de julio de 2009
MÚSICA DE CINE
Os he seleccionado unos cuantos fragmentos de bandas sonoras de películas para relajarse en estos días de canícula estival.
Aunque You Tube no permite insertar a Cab Calloway y su "Minnie The Moocher" (Blues Brothers 1980), os dejo el enlace:
Para finalizar, aunque no salga en ninguna película que yo sepa, unas sevillanitas del genial Pepe da Rosa:
sábado, 20 de junio de 2009
"F" DE FRAUDE
Esta obra dirigida e interpretada por el gran Orson Welles (1915-1985) en 1974, no es ni un documental ni una obra de ficción, sino ambas. Durante, aproximadamente, una hora y media, un Welles caracterizado de ilusionista nos plantea un juego entre lo real y lo ficticio de la creación artística. Partiendo de la advertencia del prólogo de la cinta en la que Welles nos informa de que “lo que acontece en la hora siguiente del film es pura realidad”, el juego se nos muestra mediante un auténtico collage de imágenes dividido en dos actos:
El primero versa sobre dos de los más famosos falsificadores de la pasada centuria: el pintor Elmyr d´Hory y el escritor Clifford Irving, quien además de ser biógrafo del primero se hizo famoso por su falsa biografía del excéntrico multimillonario estadounidense Howard Hughes. Además, Welles, se incluye como parte del fraude recordando su adaptación de la obra de H.G. Welles “La Guerra de los Mundos”, retransmisión radiofónica que sembró el pánico en Nueva Jersey donde -según la retransmisión radiofónica- se estaba produciendo un ataque extraterrestre.
A continuación, Welles narra la historia de la seducción de Picasso por Oja Kodar. La cual, y a cambio de sus favores y de posar desnuda, consigue del pintor veintidós obras que constituyen un nuevo período del artista. Sin embargo, todos los cuadros fueron destruidos por el anciano abuelo de Oja, quien realiza falsificaciones de las mismas para ser vendidas como auténticas. Con este segundo acto, o más bien epílogo, se despide el prestidigitador Welles informando de que el tiempo de lo real había concluido antes de la historia picassiana.
Sobre la historia de Irving y Hughes se estrenó en 2007 la película “The Hoax”, que se tradujo en España como “La gran estafa”, interpretada por Richard Gere y Alfred Molina entre otros, la cual os recomiendo.
De la obra de Welles os traigo el epílogo picassiano, en inglés subtitulado, que he encontrado en you tube, y el siguiente enlace de Pirate Bay por si queréis descargaros la película (en inglés).
http://thepiratebay.org/torrent/4085233/F_For_Fake_Orson_Wells_(1972)
El primero versa sobre dos de los más famosos falsificadores de la pasada centuria: el pintor Elmyr d´Hory y el escritor Clifford Irving, quien además de ser biógrafo del primero se hizo famoso por su falsa biografía del excéntrico multimillonario estadounidense Howard Hughes. Además, Welles, se incluye como parte del fraude recordando su adaptación de la obra de H.G. Welles “La Guerra de los Mundos”, retransmisión radiofónica que sembró el pánico en Nueva Jersey donde -según la retransmisión radiofónica- se estaba produciendo un ataque extraterrestre.
A continuación, Welles narra la historia de la seducción de Picasso por Oja Kodar. La cual, y a cambio de sus favores y de posar desnuda, consigue del pintor veintidós obras que constituyen un nuevo período del artista. Sin embargo, todos los cuadros fueron destruidos por el anciano abuelo de Oja, quien realiza falsificaciones de las mismas para ser vendidas como auténticas. Con este segundo acto, o más bien epílogo, se despide el prestidigitador Welles informando de que el tiempo de lo real había concluido antes de la historia picassiana.
Sobre la historia de Irving y Hughes se estrenó en 2007 la película “The Hoax”, que se tradujo en España como “La gran estafa”, interpretada por Richard Gere y Alfred Molina entre otros, la cual os recomiendo.
De la obra de Welles os traigo el epílogo picassiano, en inglés subtitulado, que he encontrado en you tube, y el siguiente enlace de Pirate Bay por si queréis descargaros la película (en inglés).
http://thepiratebay.org/torrent/4085233/F_For_Fake_Orson_Wells_(1972)
Para saber más sobre la película:
http://www.miradas.net/0204/estudios/2002/08_owelles/fraude.html
http://www.miradas.net/0204/estudios/2002/08_owelles/fraude.html
Sobre la historia del falsificador Elmyr d´Hory (1906-1976), quien, por cierto, vivió desde 1960 hasta su muerte en Ibiza después de vender más de 1000 obras falsas, os traigo un interesante reportaje de "El Mundo":
sábado, 6 de junio de 2009
SAUL BASS
De la obra maestra de Alfred Hitchcock (1899-1980) "North by northwest" (1959) que, en España, se tradujo "Con la muerte en los talones", me impresionó la escena en la que Cary Grant huye del avión, el magnífico traje gris que viste durante casi toda la cinta y que resiste sin arrugarse las peripecias del ejecutivo confundido con espía, y los títulos de crédito que abren tan singular película.
Estos títulos de crédito son obra del gran diseñador gráfico estadounidense Saul Bass (1920-1996). Este artista -con grandes influencias de la Bauhaus- está reconocido como uno de los mejores cartelistas y publicitarios del s.XX diseñó logotipos de numerosas empresas (Bell, At&T, Minolta, Warner Brothers, Kleenex...), carteles de películas (Vértigo, Psicosis, Los pájaros, Éxodo, Espartaco, West Side Story, Anatomía de un asesinato...) además de sus títulos de crédito. Trabajó con directores de la talla de Martin Scorsese, el mencionado Hitchcock, Billy Wilder, John Frankenheimer, Stanley Kubrick, Otto Preminger, John Ford...
Hoy os traigo una selección de varios títulos de crédito de Bass además de varios enlaces sobre su biografía y obra.
http://www.youtube.com/watch?v=7YOXWAXmEms
http://www.youtube.com/watch?v=pz46qS38OgM
http://www.youtube.com/watch?v=GjhJvAyKjp4
http://www.youtube.com/watch?v=gaLDyrun_Cc
http://www.youtube.com/watch?v=jqUyRE4HPzo
Para finalizar una hipótesis de cómo habría diseñado Bass los créditos de la "Guerra de las Galaxias":
viernes, 8 de mayo de 2009
MODIGLIANI: EL ARTISTA "MALDITO"
Amedeo Modigliani (1884-1920) encarna, como ningún otro artista, el mito del pintor bohemio consumido por el alcohol, las drogas y todo tipo de excesos, falto de recursos económicos y dentro de la atmósfera del París de principios del s. XX, centro del mundo artístico de la época. Coincide, en la capital francesa, con Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaim Soutine, Vicente Huidobro…
Al igual que en otros casos -como en el del Jackson Pollock- detrás del artista está la figura de su compañera, discreta, callada, siempre fiel y eclipsada por la fama de su pareja. El caso de la bella Jeanne Hébuterne (1898-1920) es una triste historia de amor con final más que trágico.
Jeanne Hébuterne
Retrato de Jeanne Hébuterne, 1919 Modigliani o “Modi” (apodo con el que era conocido por sus amigos, curiosamente apócope de “maudit”, “maldito” en francés) es un artista que no se somete a ningún movimiento artístico en una época marcada por numerosas tendencias que se empiezan a suceder vertiginosamente. Esta libertad creadora se manifiesta en el escaso reconocimiento de su obra en vida, sólo al final de ella el pintor pudo comprobar cierta apreciación y difusión de sus creaciones. Su estilo está marcado por la atracción de lo “primitivo” (arte africano) y un tratamiento escultórico de sus modelos, influencia directa de la obra de Constantino Brancusi. La mayor parte de la obra pictórica del italiano -ya que también realizó múltiples esculturas- nos presentan unas elegantes y estilizadas figuras (pintó pocos paisajes), retratos muy personales que no sólo representan al personaje sino -a mi juicio- la personalidad del retratado bajo los observadores ojos del pintor.
Autorretrato, 1920Enfermo de tuberculosis, lo cual no era freno para sus aventuras, e intentando –por consejo de su marchante y amigo Léopold Zborowski – poner en orden su vida, pasa una temporada en Niza con Jeanne (desde marzo de 1918 hasta mayo de 1919). Al regresar a París, se hace patente que la enfermedad empeora considerablemente. Son meses de intensa producción, dedicada a su compañera y a sus amigos. “Composiciones luminosas, de tonalidades claras, colores que juegan en contraste con rojos y azules intensos” (Victoria Soto). El último cuadro del pintor es su único autorretrato conocido, aunque el rostro que pinta no tiene nada que ver con su estado real –próximo a la muerte- podemos intuir en sus ojos licuados el presagio de su próximo final. Modigliani no llega a cumplir su deseo de casarse con la joven Jeanne, ya que fallece de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920 en el Hospital de la Caridad, al cual lo trasladan sus amigos: el chileno Ortiz de Zárate, Kisling y Zborowski. No había cumplido los treinta y seis años. La noche del día siguiente, un frío domingo invernal, Jeanne –embarazada de nueve meses de su segundo hijo- abrió la ventana de su dormitorio en casa de sus padres y, atormentada por la pérdida de su amado compañero, saltó. Tenía veintidós años.
La última escena de este drama romántico, tuvo lugar en el cementerio de Père-Lachaise el 27 de enero con la inhumación del artista. Acudieron al sepelio todos los personajes de la bohemia de Montmatre y Montparnasse, desfilando en un impresionante cortejo fúnebre por las calles de la ciudad. Diez años más tarde, Emanuelle Modigliani -hermano del pintor- logró convencer a la familia de Jeanne para que descansaran juntos.
Para finalizar os traigo un “tráiler” de la película “Modigliani”, interpretada por Andy García. A mi juicio, un tanto exagerada, en momentos anacrónica y falta de rigor histórico pero, hasta la fecha, creo que es la única dedicada al pintor. Además he encontrado en you tube el mejor momento de la cinta, cuando varios artistas -Picasso incluido- pintan febrilmente para una exposición colectiva...
Victoria Soto "Modigliani, el rostro intemporal". Ed. LIBSA. Madrid, 2008.
domingo, 5 de abril de 2009
viernes, 27 de marzo de 2009
KRASNER Y POLLOCK: en los límites de la pintura.
Una obra de arte es el fruto del genio del artista y donde intervienen -y se materializan- múltiples aspectos sociales, culturales, ideológicos… que le confieren un significado singular que la hacen ser algo único, original que nos proporciona ese placer visual y estético que, en ocasiones como la presente, es complicado explicar. Además, en el caso de Jackson Pollock (1912-1956) de no haber sido por su paciente, inteligente y excesivamente comprensiva esposa Lee Krasner (1908-1984), el genial estadounidense no hubiera realizado su producción artística más interesante, siendo la figura más importante del expresionismo abstracto norteamericano y, posiblemente, el pintor más importante de los Estados Unidos del siglo XX. Además de un referente obligado para toda la producción artística mundial desde la segunda mitad de la misma centuria.Mi interés por Pollock comenzó cuando -hace ahora diez años- me preparaba las oposiciones de profesor de enseñanza secundaria de la especialidad de dibujo. Uno de los temas era el estudio de las vanguardias del siglo XX; así junto a los “ismos” anteriores a la segunda guerra mundial (Fauvismo, Cubismo, Expresionismo, Futurismo, Dadaismo, Surrealismo…) bien definidos por sus respectivos manifiestos, se plantean tendencias figurativas (como el hiperrealismo o el pop art) y tendencias abstractas (como el expresionismo abstracto) después de la guerra, marcadas por el individualismo y una total libertad del artista dentro de una sociedad que pasa del humanismo a la tecnología.
En palabras de Pollock , en la obra de arte actual tiene que plasmarse los avances sociales y tecnológicos, por tanto es necesario el uso de un vocabulario nuevo y distinto al heredado del Renacimiento. Eso es, precisamente, lo que realiza en su obras y, sobre todo, con sus “drip-paintings” a partir de 1947. La pintura plasma el mismo acto de pintar (action painting) y emplea todos los recursos que el goteo o chorreo (dripping) de la pintura que, sobre el lienzo colocado en horizontal, puede ofrecer. Así, consigue composiciones tan interesantes y bellas como “Summertime: Number 9 A” de 1948 o, una de mis preferidas, “Lavender Mist: Number 1” (bajo éstas líneas) de 1950, donde el pincel no toca el lienzo, sólo es una herramienta que le permite controlar el flujo de pintura; es más, emplea cualquier utensilio para pintar como jeringuillas, palos, espátulas o agujereando la lata de pintura en su base para conseguir el efecto deseado.
El objetivo es el resultado final independientemente del método empleado. Con el bote de pintura en la mano izquierda, Pollock salpicaba o dejaba chorrear el color una y otra vez sobre la superficie horizontal. Hans Namuth documentó con su cámara este rápido proceso pictórico, interrumpido de vez en cuando para que se secara la pintura o por pausas en las que Pollock reflexionaba sobre cómo continuar. Os traigo unas escenas de este documental “Jackson Pollock´51”:
A petición de Robert Motherwell, Pollock explicó su procedimiento en el primer (y último) número de la revista “Possibilities”, publicado en el invierno de 1947: «Prefiero fijar el lienzo sin extender al duro suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me encuentro más que a gusto. Me siento más cerca de la pintura, más parte de ella, ya que de esta forma puedo moverme alrededor del cuadro, trabajar desde los cuatro costados y, literalmente, "estar" en la obra. Es parecido al método por el cual los indios del Oeste pintaban sobre la arena. Cuando pinto no me preocupo de lo que estoy haciendo. Sólo después de un breve período de "toma de conocimiento" veo lo que he hecho. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque el cuadro tiene vida propia. Intento que salga por sí mismo. Sólo cuando pierdo el contacto con la obra el resultado es un desastre. En caso contrario, es pura armonía, un fluido toma y daca, y el cuadro sale bien».
Al observar estas obras, particularmente, no intento descifrar ningún mensaje escondido ni busco nada más que su propia composición. La obra es lo que es, nada más y nada menos. Pollock tuvo que hacer frente a las numerosas críticas iniciales, que definían su obra con calificativos que iban desde “maraña de pelo enredado” hasta “macarrones gratinados”, con la siguiente comparación: mis cuadros son “como un macizo de flores, nadie se plantea encontrarle significados”. Su etapa más productiva va desde 1947 a 1950. En 1949, la revista “Life” publica el artículo “¿Es Jackson Pollock el pintor vivo más grande de los Estados Unidos?”, a partir de estos momentos, sus críticos se tornan en admiradores fervientes y su fama se extiende hasta la “Biennale” de Venecia donde -el año anterior- cuelga seis obras.
Lee Krasner "Noon", 1947Pero, como comentábamos al principio de la entrada, la obra de Pollock se debe al apoyo incondicional de su esposa Lee Krasner. Y es que la compleja personalidad de Pollock, marcada por un alcoholismo extremo y los continuos y bruscos cambios de humor, de no haber sido por Krasner, lo hubieran conducido a un incierto futuro vagabundeando por la calles de Nueva York entre sopores etílicos. Ella, excepcional pintora, abandona su carrera a favor de -desde 1945- su marido, entregándose en cuerpo y alma a una persona en la que creía por encima de todo. Gracias a ella logra vencer por un par de años su alcoholismo, coincidiendo con su etapa más productiva. Desde 1954 hasta su trágico fallecimiento dos años después, Pollock apenas si pintará inmerso en una intensa actividad autodestructiva que le llevará a estrellar su Oldsmobile Rocket 88 de 1950 contra un árbol. En el accidente fallece, junto a Pollock, Edith Metzger amiga de la amante de Jackson, Ruth Kligman, quien se había trasladado a la casa de Pollock y Krasner aprovechando la estancia de ésta en Europa. Lee Krasner conocía dicha relación y él sabía que se lo debía todo a su esposa. Trágico final para un artista tan brillante y de tan oscura y tortuosa personalidad.
Os recomiendo la biografía del artista que, en el año 2000, protagonizó y dirigió el actor norteamericano Ed Harris. Con la magnífica interpretación de Marcia Gay Harden como Lee Krasner, la cual le valió el Oscar a la mejor actriz. He encontrado un “trailer” en you tube, además de un vídeo con imágenes reales de artista y la interpretación de Ed Harris:
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